E no Abre o Livro:

• A originalidade que incomoda
• Repensando antigos conceitos
• George Romero vs George Lucas

Comentado no MRG:

• Gostou? Então compre o livro AQUI!
• Entrevista com Isaac Marion sobre a adaptação de Sangue Quente para os Cinemas!

@Luigi_Show e @SraLuigi com sua filhota

GANHADORES EXTRAS (4 canecas)

Bruno Vieira

Carolina Ceccatto Luchese, Caxias do Sul – RS

Wesley Francisco

FOTOS E VÍDEOS DE TODOS OS MOCHILEIROS

Paulo Doideira, de São Paulo – SP

Lucas de Oliveira Sant’Anna

Bernardo Botafogo, de Petrópolis

Ivan Torricelli do Amaral – @tortelle

Allex Giovanni

Vinicius A. Miranda

Lucas Carvalho Leal

Michelli Buzogany

Leandro Gidhard, de Limeira – SP

Álvaro Xavier, de Lages – SC

Carlos Eduardo Silva de Almeida, do blog Olho Furado

Lucas Cassel

Cretino Gustavo

Lucas Dieguez, de Londrina – PR

Leandro Verdan

Renata B

Filipe Lima, de São Paulo – SP

Pedro Miranda

Samanta Rodrigues

Feminho Diniz

Marcello Santana

Bruno Martins Moura

Ricardo Santos

Gabriel Henrique Souza

Vinícius Domingues

@henryhamon

Diego F. Nogueira, de Volta Redonda – RJ

Leandro Pires de Souza

@Aramati_

Felippe Nardi

Cupcakes de Fernanda Baldino, do http://www.donalicecupcakes.com.br/

@bmkarine e amiga

@CaduNoImproviso

@chan360br

@CriisSchneider @mundomarcelo e Victor Herzog

@fabricio_ca

@fakecarol e Marco Vitto, Rio de Janeiro – RJ

@figuinho e @srtahalls, Rio de Janeiro – RJ

@Gehsm

@heyju_kasm

@indianarafdessm

@manoelguedessm

@Mayh_sm

@prestoppc

@Robertaladybsm

@skyteddysm

@tkennes

Akemy Hayashism

Alex Taesm

Alfredo Bruno Neto, de São Paulo SP, no Disco Voador de Varginha

Alunos de Elissama Barreto, Campina Grande – PB

Alfredo de Almeida Júnior

Ana Paula Müller, Porto Alegre – RS

Ana Schmitz, São Francisco do Sul – SC

Anderson Henrique e André Luis

Anderson Mansera

André Fustagno

André Luis Jacobus

André Nery

André Paiva, Rio Paranaíba – MG

André Parachen, Florianópolis – SC

Andressa Alcântara e Talita Meier

Angelo Carvalho, Balneário Camboriú – SC

Antonio Fuchs, Rio de Janeiro – RJ

@Annyankahsm Any Alves e mãe no Açougue, Taubaté – SP

Ariel Whitaker de Almeida

Arthur Amorim Diniz

Artur Comunello, Lajeado – RS

Beatriz Montagnolli

Belle

PlayToalha de Brendon Wilson, Belford Roxo – RJ

Bruna Oliveira Vecchi, Rio de Janeiro – RJ

Brunna Pompolo

Bruno Freire

Camila de Camargo Pereira, Curitiba – PR

Camila Fencz

Cândice Corradi Kindel, Porto Alegre – RS

Carol Martins

Carolina Lopes e mãe, Jacarepaguá – RJ

Cathie Pucca

Cesar Mansano Gomide, São José do Rio Preto – SP

Chester Fhellype

Christian Segala

Cláudia Romanini

Cristiano Coral

Dalvan Carvalho

Daniel Bizzi

Daniel Chevrand, Niterói – RJ

Daniel Gobato Röhm

Daniel Manso, Recife – PE

Daniele Navarro

Danilo César

Danilo Martins @dofsmartins

Dayton Diniz Junior e Alexandre Freitas, São Paulo – SP

Denis Rodrigues de Souza

Diego Carvalho Porto, Recife – PE

Diogo Righi e João Krabbe

Diogo Souza, São Paulo – SP @gnogro

Edilson Onofre, Vitória – ES

Eduardo Vieira

Elias Tavares e Fernanda Castro, Goiânia – GO

Emanuel Braga, Tefé – AM

Ernani Costa

Eufrásio Bezerra de Sousa Neto

Evelling Castro

Fabiano Nunes Salles, Pingamonhangaba – SP

Fábio Serra

Fabio Soares, Londrina – PR

Felipe Kenji Teixeira

Felipe Xavier de Souza, Guarapuava – PR

Fernanda Furtado, Volta Redonda – RJ

Fernanda Martins, Volta Redonda – RJ

Fernanda Trindade

Filipe Souza

Flávia Machado

Flavio Graná

Flávio Junior

Francisco A. L. Silva

Francisco van Riel Neto e Maicom

Gabriel Adelar, São Paulo – SP

Gabriel Aparecido Tinelli Ferrarini, Americana – SP

Gabriel Arruda

Gabriel Frank Anhaia, Curitiba – PR

Gabriel Granetto

Gabriel Victor

Gabriela B.A.

Gaby Elorza

Germano Augusto

Gilberto Luiz Maschio Jr e Liandra Bonacolsi Pereira, Rio do Sul – SC

Gino Marcomini

Giovanni Gomes Gonçalves

Giulia Ataíde

Gregório Benatti

Guilherme Barros

Guilherme Okubo

Guilherme Pereira

Guilherme Ushiroji Encinas

Guilherme Wolff, Curitiba – PR

Gustavo Bocayuva

Hajime Savio

Hellen Chagas, Umuarama PR

Isadora Ribeiro

Jaqueline F Queiroz

Jean Coppieters Souza

Jenaldo Magno Bacalhão Neto, Rio de Janeiro – RJ

Jéssica Bernardi

Jhony

João Guilherme Carlos Henrique, Teresina – PI

João Paulo de Sousa Pereira

Joeker Só

Johnny W. Santos

Joyce e Gregory Nascimento

Joyce Fernandes

Julherme José Pires, Chapecó – SC

Julio Cesar da Silva Fragoso, Recife – PE

João Vitor Sales, Vitória da Conquista – BA

Julio Medeiros

Júnior Gonçalves @costelinhadog

Kleanto Lacerda

Laércio Barbosa

Laercio Silva

Lain

Leandro Macena

Leandro Tuxo

Leo @CafeinaGeek

Leonardo Brasil da Silva

Leonardo Michelon

Leonardo Rosario

Letícia Cerry Glee

Liaw Mike Djoesman

Lita Oliveira

Livia Costa

Lobo da Estepe, Joinville – SC

Lorena Lunelli, Belo Horizonte – MG

Lucas Aguiar

Lucas Mineeero Dias

Luciana Frederico, Santo André – SP

Luciano Lima da Silva

Lucky Reis

Luis Fernando, Curitiba – PR

Luis Henrique Bulinha

Luiz Felipe Magno Bacalhao, Rio de Janeiro – RJ

Luiz Feliphe Barbosa

Luiz Paulo, Alvorada RS

Marcel Yoshitaka Harada, Jundiaí – SP

Marcelo de Barrros

Márcio Luiz Freire de Albuquerque, João Pessoa – PB

Marco A. R. Robadey, Rio das Ostras – RJ

Marco Monteiro

Marcus Augusto da Silva Cordeiro, Manaus – AM

Mariana Trichêz Dalanholli, Criciúma – SC

Mario de Farias Cereda

Mario Henrique

Marlon Mendes Itaboray, Volta Redonda – RJ

Mateus Ramos de Oliveira, Volta Redonda – RJ

Miike

Adilson Pereira Gomes, Pato Branco – PR

Moraes

Muriel Pereira Vieira, Campo Grande – MS

Nadyara Regina Oliveira

Nayara Gonçalves, Cupertino – Califórnia / Vale do Silício

Nayara Santos, Brasília – DF

Noan Milesi

Pâmela Czyziw

Patricia Barros de Lima, Weinheim – Alemanha

Patrick

Paula Piva

Pedro Filipe da Luz, Curitiba – PR

Pedro Henrique

Pedro Simongini Neto

Priscilla Souto

Professor Shesmman

Rafael de Oliveira

Rafael Mota

Rafael Neves Michel

Rafhael Marsigli

Raimundo Lago, Saudades – SC

Rapha San

Renan Martins Garcia

Renata Cobo

Renata Cristina

Renato Bena e Rodrigo Bardy, São Bernardo do Campo – SP

Rhay

Rheder Landim

Ricardo Kamikasi, São Paulo – SP

@cavedoon Roberto, Getúlio Vargas – RS

@batboymac Roberto Freitas, São Paulo – SP

Rodrigo Cesar com toalha hasteada, Mafra – SC

Rodrigo Hikari

Sandro Cabral de Aquino, São Paulo – SP

Saulo Viero e Raphael Morais, Joaçaba – SC

Sergio Xavier

Siddharta Campos, Recife

Sissa Benedet, Torino – Italia

@solinthesky Solange Gamboa, Florianópolis – SC

Stefane Santos

Stennio Faria, Saquarema – RJ

Sthéfany Artiaga Nunes, Goiânia

Talita Bueno @truetats

Tarsis Salvatore e amigos

Tatiane Campos Pimenta, Santo André – SP

Tel Casagrande

Thais Coelho

Thallis, Santiago – RS

Thamila Barcellos, Vitória – ES

Tiago Calado, Belo Horizonte – MG

Tony Alves, Rio de Janeiro – RJ

Trevoso Thiago Assis

Tulio Oliveira

Ubirajara Neves

Valter Mucnehski Junior

Victor Athayde

Victor Rebelo Dias

Vinicius Bisognin Immich

Vinicius Passamani França

@zonanerd Vinicius Perlato, Campinas – SP

Wania Teles

Welton Rocha, Brasília – DF

William Fernandes Bombazaro, Criciúma – SC

Zenon Filho

Jovem Nerd: Senhor Jackson…

Steve Jackson: Apenas Steve.

Jovem Nerd: Tudo bem, Steve! O que inspirou a sua imaginação durante sua infância?

Steve Jackson: Leitura. Especialmente ficção-científica.

JN: Como Isaac Asimov?

SJ: Ele não era um dos meus favoritos. Eu li tudo o que pude pegar dele, mas… eu me concentrava em outros autores, especialmente revistas sobre o assunto.

JN: Algum filme inspirava você nessa época?

SJ: Não, eu não costumava ver filmes. Minha família não possuía uma televisão, e eu só fui ter uma TV durante a adolescência.

JN: Houve um momento particular em que você percebeu que iria dedicar sua vida aos jogos, em vez daquele trabalho diário entediante?

SJ: Não! (risos)

JN: Não?

SJ: Não… na verdade, eu caí nesta vida de escritor de jogos profissional totalmente por acidente. Uma coisa levou a outra, que levou a outra, e aí eu me vi onde estou agora.

JN: E quais foram suas maiores influências? Dungeons & Dragons?

SJ: Também não. Eu joguei D&D uma vez, quando estava na faculdade. Um amigo trouxe o sistema para mestrar para a gente, e acabamos não nos divertindo! (risos) Não por culpa do jogo, mas porque nenhum de nós sabia como jogar e principalmente mestrar uma mesa. O que ele acabou fazendo foi nos levar através de uma criação de personagens resumida, e então nos colocou numa aventura, que acabou se resumindo a isso:

“Então vocês andam pela floresta. E então vocês andam ainda mais pela floresta. Vocês acabam num acampamento de ladrões. Eles são mais numerosos, então vocês lançarão “Cloud Kill” neles. Eles morreram, então vocês irão revistar os corpos! E vocês encontram muitos itens! Tal aventureiro vai pegar tal item! E vocês andam pela floresta. E encontram mais ladrões!”

E aí, quando jogamos uma vez, foi o suficiente para nunca mais jogar. Mas anos depois, me deparei com o jogo novamente. O sistema estava mais maduro, as pessoas sabiam jogar e mestrar melhor, e finalmente tive diversão com D&D! Mas no início, ninguém sabia como interpretar. Demorávamos para aprender como usar tudo que tínhamos à disposição, e ser um bom mestre é muito mais difícil do que ser um bom jogador. Então eu não culpo o meu primeiro mestre, porque ele estava fazendo o melhor que podia. Ele estava se divertindo! Não deixa de ser um passo na direção correta.

Mas eu me tornei um escritor de jogos profissional muitos anos depois. Ainda foi por acidente. Eu vi um anúncio no jornal, que estava à procura de um editor de revistas. O interessante foi a palavra usada. Em vez de Magazine (revista), o anúncio dizia Zine. Na época, 25 anos atrás, a palavra era praticamente desconhecida, e na minha cabeça, isso quis dizer automaticamente que seria sobre ficção-científica. Então eu respondi a essa “mensagem secreta”, mas não consegui o trabalho! Eu era qualificado demais. O anunciante não esperava encontrar alguém que soubesse bastante sobre jogos. Então ele contratou outra pessoa para a vaga de editor, e me colocou como desenvolvedor de jogos.

JN: Mas você, antes disso, já havia desenvolvido um jogo por conta própria?

SJ: Não. Bem, houve uma experiência quando estive na faculdade, mas acho que isso não conta! (risos) Eu joguei muitos jogos, mas nunca me envolvi na criação de nenhum.

JN: Sua família esperava que você seguisse outra profissão? Como um advogado, talvez um médico?

SJ: Na verdade, eu estava na faculdade de Direito na época… então sim!

JN: E como a sua família reagiu a isso?

SJ: Eles ficaram felizes quando souberam que eu iria escrever.

JN: Você encontrou certos obstáculos na sua nova profissão? Pensou que, se estivesse em outra carreira, poderia estar com mais dinheiro, por exemplo?

SJ: É só enfrentar um obstáculo de cada vez. Se eu quisesse mais dinheiro, teria ido para a faculdade de Direito. E eu já tinha dinheiro o suficiente fazendo jogos, na verdade.

JN: Então você não estava apenas vivendo um sonho. Você estava de fato vivendo disso? Porque muitas pessoas sonham em pagar suas contas escrevendo. Nós do Jovem Nerd também publicamos livros, como A Batalha do Apocalipse, de um amigo nosso. Muita gente vem até nós e implora para que leiamos seus trabalhos, mas quando dizemos “OK, mostre para a gente” eles dizem que ainda não escreveram nada.

SJ: Exato! Mas não adianta tentar vivendo um sonho… sonhando. Você precisa trabalhar, precisa fazer o que quer fazer. Quer escrever? Então pare de sonhar, e escreva! Ninguém vai ler o que não existe.

JN: Quando você começa a escrever um jogo, qual é o passo mais importante a ser observado e trabalhado? São as mecânicas do jogo, ou o tema dele?

SJ: Eu começo com o tema. Não é uma regra, mas eu sempre começo assim. Nem todo mundo funciona desse jeito, já que alguns fantásticos escritores de jogos começam pela mecânica e só depois adicionam o tema. Mas eu nunca coloco a mecânica antes. Primeiro é o tema, depois eu penso como eu contarei a história, e aí sim eu desenvolvo a mecânica. Não é o estilo dos alemães, por exemplo, que criam toda a mecânica e depois adaptam um tema para o jogo.

Mas mesmo que um dia venha a acontecer de eu pensar em uma mecânica que eu goste muito, colocarei a idéia no fundo da cabeça até que surja um tema apropriado. Para mim, a mecânica é apenas uma forma para contar uma história.

JN: Qual é o maior desafio quando está se desenvolvendo uma mecânica? É o equilíbrio das regras?

SJ: O equilíbrio é importante. O equilíbrio percebido é ainda mais importante. Se todos que jogam acham que está tudo equilibrado e funcionando bem (o que quer que isso signifique naquele jogo em particular), se está claro o suficiente para que as pessoas entendam o que precisam fazer, é que importa.

Em Munchkin, por exemplo, nós adoramos a idéia de que os jogadores discutam sobre as regras. Mas estamos brincando!

JN: O elemento principal é a diversão, correto?

SJ: Sim! Se você, por algum acaso, está jogando um jogo por outro motivo que não seja diversão, fico feliz por você, mas eu não sei o que eu posso te oferecer. Sei que existem usos educativos para jogos, mas a maioria desses são arrastados e chatos, na minha opinião. O maior desafio para alguém fazendo um jogo educativo, é torná-lo divertido.

Algumas empresas já vieram me pedir para que eu criasse um jogo educativo para eles. Mas assim que eles descreviam como queriam o jogo, eu já não queria fazer, porque eles arrancavam de primeira toda a diversão.

JN: A Steve Jackson Games produz Card Games, jogos de tabuleiro, e jogos de RPG como GURPS…

SJ: …e jogos de dados, e aplicativos, e muito mais!

JN: Qual o tipo de jogo mais complicado ou mais desafiador de se fazer? Porque em um RPG você precisa criar um mundo, um cenário, e um Card Game você não tem toda essa exigência.

SJ: Eu não penso nos jogos como “complicados” ou “desafiadores”. Eles são todos diferentes. E de certo modo, alguns jogos são mais diferentes mesmo dentro do mesmo tipo. É difícil de generalizar. O que você quer dizer com “desafiador”?

JN: Imagino um livro de RPG, onde você precisa equilibrar tantas coisas, entre grandes e pequenas, por exemplo. Mas como você mesmo disse que o tema é mais importante que a mecânica, penso que você primeiro cria todo o tema, e depois procura imaginar se aquele é um Card Game, ou um RPG, e assim por diante. É assim que funciona o seu processo criativo?

SJ: Normalmente eu já fico com um tema na cabeça, e desenvolvo a partir disso. Quando eu criei Cthulhu Dice, eu sabia que seria um jogo de dados, desde que eu imaginei um jogo sobre Cthulhu. Eu queria fazer um jogo com um grande e brilhante dado, com símbolos mágicos nele, e eu imediatamente me sugeri Cthulhu, e foi a partir disso. Não precisava ter ido por esse caminho, poderia ser sobre outros símbolos, outras criaturas. Não precisava nem mesmo ser um dado de 12 faces, mas eu decidi usá-lo porque é um maravilhoso dado que não é usado muito.

JN: Você acha que jogos eletrônicos tem tirado as pessoas da cultura dos jogos de mesa?

SJ: Sim! Porque é uma outra forma de jogar, e é uma nova forma de jogar. É claro que está tirando a atenção de outras fontes, mas também está atraindo ainda mais pessoas para a idéia de “jogos” em geral. Eu gosto de jogos. Não vou ficar revoltado por existirem outras pessoas jogando outras formas de jogos. Eu direi: “Beleza! Mais jogos!”

JN: Como um jogador, do que você gosta de jogar?

SJ: Eu gosto de muitos tipos diferentes de jogos. Falei anteriormente sobre os diferentes tipos de jogos que a Steve Jackson Games produz, e eu sou desse estilo. Gosto da variedade. É um dos motivos pelo qual trabalhei com GURPS antigamente, porque tornava uma variedade de histórias algo mais acessível. O que eu pensei é: criar uma série de regras única, onde você pudesse criar a história que você quisesse, na época e mundo que você quisesse, sem trocar de sistema.

Isso veio depois da segunda leva de RPGs. Quando surgiram os diversos imitadores de D&D. Obviamente, nenhum deles sobreviveu, porque eram muito parecidos com D&D, e não tinham o apelo do original. Era mais fácil jogar D&D de uma vez.

O problema na época era que, quando você queria jogar em uma nova ambientação, tinha de aprender todo um sistema novo de regras. Era muito chato se você queria jogar coisas diferentes. Eu disse “dane-se” e fiz o Sistema de Regras Universais e Generalizadas, o GURPS, que chegou na terceira leva de RPGs.

JN: Alguma dica para jovens aspirantes a desenvolvedores de jogos?

SJ: Jogue muitos jogos (você não precisa jogar todos eles). Ninguém tem tempo hoje em dia para jogar tudo, e isso é maravilhoso. 25 anos atrás, eu diria “jogue tudo o que existe”, porque existiam pouquíssimas opções.

Jogou bastante? Então escreva alguma coisa. Teste. E escute seus “Playtesters”. Depois, vá pra casa e reescreva tudo.

JN: Muito obrigado! Ainda vai querer um café?

SJ: Eu que agradeço. Para falar a verdade, aprendi a gostar de café aqui no Brasil…

Comentado nesse video:

• Programa do MRG que o Maircon PARTICIPOU, por ter pulado!
• Twitter do Maircon!

No Especial de Ano Novo:

• A LABAREDA de ano novo
• Da onde vem as entradas?
• “Meme”?
• Xuxa vs Angélica

Comentado nesse MRG:

• Cinema com Rapadura!
• Papo de gordo com a particiação do Didi!
• Argcast!
• Nerdrops!
• Melhores do Mundo!
• Daniel HDR!
• Caio Corraini!
• O homem mais rapido do mundo!
• Hoje é um bom dia!
• Metáfora casamento vs Macarrão
• Roberto e Affonso falando besteira no NowLoading!
• NerdOffice!
• Mallandrox e uma aposta arriscadíssima!
• Nina pulando!
• Aperte B para Pular!

No Especial Natal 2010:

• O perigo da chaminé
• Melhores presentes
• Um ouvinte FAZ uma abertura
• Desafio para o Psicopata!

Comentado nesse MRG:

• Breno Barata ouve MRG sabe lá Deus onde!
• SÔNIA BRAGA!
• Mais SÔNIA BRAGA!!!
• Ela não consegue parar!
• Nós na BGS!
• Aperte B para Pular!

Obrigado a todos que nos mandaram áudios para participar do programa!

Não tinha como colocarmos todos, mas pode apostar que OUVIMOS todos!

Grande abraço e FELIZ NAVIDAD!!

Em setembro tive o prazer de representar o Jovem Nerd em uma junket de TRON: O LEGADO especial para blogueiros promovida pela Disney em Los Angeles. Visitamos a Digital Domain, casa responsável pelos efeitos visuais do filme, onde pudemos conversar cara a cara com os principais membros da produção e elenco do filme.

Desde o convite, uma das entrevistas que mais desejávamos fazer era com o designer alemão Daniel Simon, responsável pela concepção artística e modelagem 3D da novíssima LightCycle e principais veículos do filme.

Daniel começou a carreira trabalhando com design de carros reais, mas seu lado nerd falou mais alto e sua paixão por naves e veículos fantásticos o transportou de um trabalho extremamente formal e técnico para o mundo mágico de Hollywood. Uma verdadeira inspiração para tantos nerds talentosos por aí que sonham em trabalhar com o que gostam.

JOVEM NERD: Você trabalhou com design de automóveis para a Volkswagen, certo?

DANIEL SIMON: Isso mesmo.

JN: Não é um histórico comum para quem acaba trabalhando na indústria do cinema, não é mesmo?

DS: De jeito nenhum.

JN: O que despertou esse interesse? Algum desejo de libertação da formalidade? Uma vontade de desenhar coisas que não existem?

DS: Acho que o momento crucial foi quando vi Star Wars: Episódio I. Foi a primeira vez que vi algo assim. Eu não era um fanboy hardcore de ficção-científica. Eu me interessava muito por carros e nunca tinha pensado nesse universo de naves espaciais. Era carros, carros, carros.

Então alguém me arrastou para ver Star Wars e “BOOM”! Tudo mudou. Comprei todos os livros de Making Of, Sketch Books e etc. Doug Chiang (diretor de design de Episódio I) se tornou uma das minhas principais influências.

Depois de ver o filme, decidi mudar meu projeto final de design de carros. Não faria o próximo Porsche ou BMW, queria fazer algo fantástico. Acabei projetando navios aéreos, uma espécie de conto de fadas com princesas e etc. As pessoas acharam maluquice, mas eu adorei.

Fui trabalhar com carros mesmo assim, mas aquela centelha da fantasia ficou na minha cabeça. Continuei a desenhar naves espaciais à noite e a colocá-las no meu site.

JN: Você acabou criando uma marca própria.

DS: Sim. Você precisa disso porque a internet é tão poderosa hoje em dia que todos têm uma voz. E as pessoas podem te detonar em um segundo também (risos). Mas é necessário porque a memória dos jovens hoje está cada vez mais curta. É um bombardeio tão grande de informação, que ninguém lembra o seu nome se você não fizer algo icônico.

JN: Você montou seu site com seu portfolio de fantasia só para se divertir ou desejava algum dia conseguir um trabalho como esse?

DS: Começou como diversão porque para mim era o fim da linha para estes tipo de trabalho – boa referência ao filme essa, hein (risos). Eu estava com um ótimo emprego, trabalhando no sul da Espanha, jogando vôlei na hora do almoço em uma praia do Mediterrâneo.

Mas depois de alguns anos comecei a achar monótono só desenhar carros. Foi então que decidi publicar um livro com meus desenhos fantásticos. E cada vez mais e mais pessoas falavam: “Cara, você tem que trabalhar em Hollywood!” E eu dizia “Até parece!”, porque sei quantos artistas maravilhosos trabalham aqui.

Resumindo tudo, um dia alguém me liga e pergunta: “Quer vir trabalhar em Tron?”  E eu gosto sempre de contar isso para encorajar jovens artistas a trabalharem duro em seus portfolios, porque você pode ser encontrado na internet.

JN: E você não tinha nenhum tipo de networking em Hollywood, você era só mais um cara, certo?

DS: Eu consegui algumas conexões através do meu livro com pessoas que trabalhavam no ramo do cinema. Vim encontrá-los na California, visitar lugares, apresentar meus trabalhos. Mas aí eu voltava para a Alemanha e continuava tocando a vida, até que “SNAP”, Joe Kosinsky (diretor de Tron: O Legado) me liga.

JN: Mas seu livro foi um projeto independente?

DS: Totalmente. Eu não pretendia ser descoberto ou coisa assim. Só queria mostrar pros meus pais e dizer: “Olha, vocês acham que eu sou maluco, mas tem um editor que colocou dinheiro nisso” (risos).

JN: Você se juntou à produção de Tron: O Legado em 2008, certo?

DS: Isso, setembro de 2008.

JN: O seu trabalho era criar todos os veículos do filme?

DS: A maioria. O filme tem muitos veículos e naves. Tínhamos o Phil Saunders cuidando dos clássicos Reconhecedores. Eu fiquei encarregado de criar os novos veículos de ação.

JN: A nova LightCycle parece um híbrido de homem/máquina. Foi uma ideia sua?

DS: Na verdade não. Se você ver as artes conceituais de Syd Mead lá nos anos 80, vai perceber que a moto aberta era uma ideia dele desde então. O problema é que eles não conseguiam reproduzir o conceito com a tecnologia de computação gráfica da época. Por isso os personagens acabavam sendo totalmente cobertos pela estrutura da moto.

O que Joe Kosinsky queria era finalmente trazer esse conceito original para o filme, só que com o visual atualizado. Para outros veículos, como os Jets, eu realmente comecei do zero, rabiscando em papel em branco.

JN: Você não é só ilustrador, mas modelador 3D, e estava mencionando antes que fez poucos desenhos a mão livre para este filme.

DS: Você pode trabalhar de duas formas, uma delas é fazer desenhos maravilhosos para o filme e entregar para outro artista transformá-los em alguma coisa. Você termina com um bom portfólio, mas o resultado final será inevitavelmente diferente do que você imaginou.

Ou você pode rabiscar alguma coisa para se inspirar e cair dentro do computador para modelá-los em 3D, sabendo que por vários meses você não terá trabalho algum para mostrar, mas todos os diretores de arte, empreiteiros e construtores de sets saberão exatamente o que fazer para transformar sua visão em realidade. Não haverá perda de informação, é um processo totalmente diferente do comum adotado hoje em dia.

JN: Foi você que bateu o pé para trabalhar desta forma?

DS: Eles já sabiam, pelo meu livro, que também sou designer 3D, e provavelmente já viram essa oportunidade de unificar esse processo de design em uma pessoa só. Tem muita gente que eu invejo pelo talento “ridículo” que têm para ilustração (risos), mas alguns têm certa dificuldade para transformar seus desenhos para a realidade. Traduzir desenhos para objetos reais em 3D é difícil.

JN: Você não só tem que se preocupar apenas com a aparência, mas com a funcionalidade…

DS: Exato, e depois de solucionado a vantagem é que todos podem usar aquele mesmo modelo, desde o pessoal da pré-visualização até os fabricantes de brinquedos e vídeo games.

JN: Sua experiência com design 3D começou também com carros, não é?

DS: Sim, apesar da indústria automobilística trabalhar muito com modelos argila. Não se pode projetar um carro apenas no computador porque há tanta emoção envolvida e as decisões de mudanças são tomadas por questões de centímetros – ou até menos que isso. Mesmo com a experiência de projetar carros todo dia por anos e anos, não dá para ver só na tela, você tem que poder andar em volta da coisa para saber se é boa mesmo.

E no filme não tínhamos tempo para isso, o que me assustou um pouco. Em uma moto, 5 centímetros de comprimento fazem toda a diferença. Pode estabelecer se é uma Chopper ou um modelo de corrida. E no computador 5 centímetros não são nada, você move seu mouse um pouco, bum, estragou tudo.

JN: Você tem algum conselho para jovens artistas e ilustradores?

DS: Eu prefiro mostrar menos quantidade de trabalho na internet, mas com mais qualidade. Porque muita gente gosta de publicar trabalho do dia-a-dia, mas sem tanta qualidade, mas o problema é que ele permanece online, de um jeito ou de outro, mesmo que você apague, acaba caindo no site ou rede social de outra pessoa, ele vai te seguir pro resto da vida.

Pense duas vezes sobre o que você coloca na internet porque pode não ter volta. E se você atribui seu nome à qualidade e excelência, as coisas são descobertas. Eu não estou falando de Facebook, não, hein, estou falando de portfólio (risos)!

• Veja aqui o portfolio de Daniel Simon

Comentado nesse MRG:

• MRG sobre a Brasil Game Show 2010!

E no Abre o Livro:

• Que nome grande, Sr. Autor!
• Affonso tem problemas com nomes vikings
• Diogo TINHA um vazio dentro de si

E no Mata ou Pilota:

• Um drama de dramatização

Comentado no MRG:

• Leia um capítulo do livro!
• Site nacional do livro A Guerra dos Tronos
• Site internacional do seriado Game of Thrones da HBO

Depois do case de grande sucesso de ‘A Batalha do Apocalipse’ no site Jovem Nerd, Eduardo Spohr lança seu livro pelo selo Verus da Editora Record.

Eduardo, Alottoni e Azaghal estiveram na Bienal 2010 ministrando uma palestra sobre a trajetória do livro nas redes sociais e em uma sessão de autógrafos que reuniu por volta de 1.000 nerds em uma fila gigantesca jamais vista pela editora.

A Batalha do Apocalipse foi o livro mais vendido pela Editora Record na Bienal 2010. #NERDPOWER

• Veja aqui as fotos oficiais!

Em Liga a TV:

• Frases geniais de Lobão
• Sushi de Feijoada
• O Bigodudo mais maneiro da televisão

E no Mata ou Pilota:

• Spielberg e a semana do tubarão!

Comentado nesse MRG:

• Programa do Lobão
• Larica Total!
• Silas Malafaia!

Em Liga a TV:

• Frases geniais de Lobão
• Sushi de Feijoada
• O Bigodudo mais maneiro da televisão

E no Mata ou Pilota:

• Spielberg e a semana do tubarão!

Comentado nesse MRG:

• Programa do Lobão
• Larica Total!
• Silas Malafaia!

1º LUGAR
Vale-compras Nerdstore de R$ 300

(versão estendida)

Vinicius Yagui

2º LUGAR
Vale-compras Nerdstore de R$ 200

Vanessa Oliveira

3º LUGAR
Vale-compras Nerdstore de R$ 100

José Manoel

Prêmio de Consolação
1 Kit Toalhas (rosto e banho)

Gustavo Ladeira e amigas

Presto PPC

MENÇÃO HONROSA
Não ganha nada

@TiagoOliveira

HORS CONCOURS
Também não ganha nada =D

Anderson Gaveta e sua participação especial

Nossos queridos Alottoni (em sua passada por Miami) e Dubox não perderam a oportunidade de comemorar o dia também!

FOTOS E VÍDEOS DE TODOS OS MOCHILEIROS

Ivan Costa, 21 anos, Fortaleza – CE

Alex Soares

Marcos Reis

Rodrigo Pereira de Barros

Lucas Barreto

Eliane Ramiro Carneiro

Daniel Sugui

Dani Figueiredo

Jhonata Rossi

Nina Diniz, São Luis – MA

Murilo Callegari

Isabela Casaca

Tiago Calado

Paulo da Silva Rodrigues

José Roberto

Gustavo Muraro

@Bru_Rizzo

Caio Franco

Raphael Spindola

Jonathan Frassetto

Rafael de Araujo, 15 anos, São Paulo

Sander Antonelli Junior

Larissa Rocha, Senhor do Bonfim – Bahia

Rambinho Gustavo

@lord_tormenta e @Loesblack

Márcio Araujo, 24, Jornalista, PR

Carlos Eduardo Moraes

Reinaldo Marques de Lima

Raquel Freitas

@wagneramaro

Irineu Júnior

Rafael de Angelo, 25 anos, Designer Gráfico, Londrina – PR

Mariana Bonfim

Ila Fox

Fantom K

Dudu Majora

Matheus Forny

Mariana Amaral, 16 anos

As irmãs Carolina Barros Masioli e Carina Barros Masioli

Denis Machado, Professor

Andrea

Paulo Shiotsuki na inauguração da nova linha de metrô de SP

Eduardo Lopes, 19 anos, Bahia

Roberta Franco, Meu Amooor

Débora Zuffellato, Fortaleza – Ceará

Thais Tarmann

William Fernandes Bombazaro, fotos 1 e 2

Laila Faro, 18 anos, Aracaju – SE

Bianca Pimenta

Paul Garrido, 30 anos, Rio de Janeiro

Tiago Magalhães

Christiano Santos

Gisele Witte

Ademar Izu Gomes em Londres, profanando o túmulo de Douglas Adams

Alexandre Coelho e seu filho Cecil

Alessandro Andrade

Ana Paula Schmitz

Rodrigo Melo, 18 anos, Belo Horizonte

Paula Caroline da Rosa, Florianópolis – SC

Guilherme Guidetti

Brunno dos Santos

Re Nascimento, 19 anos

Raphaela Cantarelli

@frederickfm

Gabriel Webler

Daniel Krull

Maria Claudia

Rayanna Santos

Felipe Barcellos

Andressa Ermel

Ana Dame

Jéssica Campos

Thiago Moreira, Brasília

Muriel Godoi

Fernando Medeiros do Nascimento, 19 anos

Vanessa Duarte, Taróloga, Joinville – SC

Emilio Hentschel

Roberto Larcher, 30 anos, Rio de Janeiro

Renan Rossi

Laila

Fernando Dias

Participação especial de Gica Yabu

Globin

Juliano dos Santos e sua esposa

Matheus Teixeira

Ricardo Luiz

Rod Ratzo

Jéssica Cristina

Juliana Estrela

Priscila Yumi

Marcelo Ponte Júnior

Sérgio William tentando comunicação com os habitantes da Terra

Francisco Ottoni

Luiz Carlos da Costa

Giuliano e Ana Paula

Márcio Leite

Sâmilla Pereira Marely

Tamirys Leone

Gleyson Lima

Antonio Tener

@oMarinno

Luís Felipe Salgado fotos 1, 2 e 3

Álvaro Sasaki

Bruno Croci

Narayanne Miranda

Guilherme Okubo

Lucas de Oliveira

Júlia L

@KonRK

Bruno Araújo

Fabiano Salles

Rony Lins

Arthur Nagae

Paulo César

Luisa de Lucca

Diego Cavaleiro

Paulo Crocomo

Thiago Barros

Roberto Benitez

Marçal Praça e filhos

Mariana Vilela

@Bru_Rizzo

Diego Henrique

Parabéns aos vencedores e mais uma vez agradecemos a todos que participaram! Que venha o próximo 25 de maio

Foi o que Levi Pedroso e sua turma pensaram quando receberam a tarefa de fazer um comercial de TV para um cliente na aula de TV e Cinema em sua faculdade de Publicidade e Propaganda em Floripa.

Com alguns fãs do Nerdcast no grupo, a escolha do cliente não foi difícil!

Valeu pessoal! Vejam os twitters dos envolvidos!

• @lianaclara
• @Leozardo
• @borboletices
• @MayPeretti
• @lauraazevedo
• @levipedroso

Comentado nesse video:

• Modern Warfare: Criminal Intent!
• Nossa coluna no Tech Tudo sobre Modern Warfare 2!

Nosso velho conhecido Diego Flyfish (O Gaveteiro), autor de animações já clássicas como “Que falta faz uma mariola” e “Momentos Nerdcast” acaba de nos presentear com mais um hilariante trabalho!

Confira o que acontecerá no dia da MORTE DE JOVEM NERD!

Em mais uma homenagem à mitologia Nerdcast, Danilo Durso nos presenteou com esta animação de um trécho do cláááássico episódio 9 – Pérolas do RPG.

Meeeemories!

O trailer!

Após eternizar uma das melhores histórias do Nerdcast no clássico “Seu Francisco – O Filme“, João Carlos Vasco (conheçam seu blog) acaba de nos presentear com mais uma pérola inesquecível contada por Sr.K no episódio 97 – Te pego lá fora!

Tá esperando o quê? Vale na cara? Por favor!

O filme!

Nosso amigo Diego Flyfish (O Gaveteiro) já havia nos presenteado com a sensacional animação “Que Falta Faz uma Mariola”, onde Azaghal conta seus causos de São Lourenço.

Desta vez, ele ataca com o “Momentos Nerdcast”, que para bom entendedor de Watchmen e Nerdcast, só clicar “play” basta!

Olá, meu amor, tudo bem? Hoje a Sra. Jovem Nerd tenta entender em seu diário as complicadas tramas de múltiplos níveis de WATCHMEN!

Aproveitando a ocasião mais que oportuna, também convida todos os nerds a participarem da megaboga PROMOÇÃO WATCHMEN JOVEM NERD!

É só clicar aqui, se cadastrar e fazer o teste de Rorschach da maneira mais criativa e nerd possível! Os 10 melhores vão ganhar cada um o espetacular Kit Watchmen contendo:

• 01 livro encadernado Watchmen
• 01 DVD Watchmen Duplo
• 01 DVD Contos do Cargueiro Negro
• 01 Jogo Watchmen: The End is Nigh para PS3

Go nerd go!!! jovemnerd.com.br/watchmen/

Certo dia, nossa pequena nerd Dubox chegou em casa com um vídeo inocente, onde uma câmera trêmula captava vozes ecoadas em corredores, banheiros e outros cômodos de uma casa, que tinha por objetivo se transformar em um cenário de um sangrento combate de vingança.

Tão logo Alottoni e Azaghâl observaram tal tentame, lembraram de suas próprias jovens experiências cinematográficas e decidiram orientar melhor o projeto.

Concorrendo ao Oscar da escola em várias categorias, eis o trabalho de Artes da 8ª série de Amanda Dubox e sua patota!

ELENCO

• Eduardo Braga – O Guerreiro
• Amanda Dubox – Amanda-San
• Janaína – guerreiro´s Lover
• Aline – Sailor “Fail” Moon

PARTICIPAÇÕES ESPECIAIS

• Sra. Jovem Nerd – Mico Leão “Meu Amor”
• Almôndega – Pikachu

Não perca hoje (11/10) às 15h30 a dupla Alottoni e Azaghal em entrevista no programa Olhar Digital da Rede TV!

Os nerds falaram do Nerdcast, de como surgiu o site e da nova atração Zona de Spoilers Classic.

Apesar do programa passar na TV aberta, o site oficial já disponibilizou a matéria.

Confira aqui!

Este é o trabalho de Diego Flyfish, do blog Gaveteiro, uma megaboga homenagem animada ao Nerdcast 158 – Isso é coisa de maluco.

Valeu Diego! Confiram!

Se você acha que a Pixar não conseguiria mais surpreender o espectador, espere só até conferir UP – Altas Aventuras. Não foi à toa que a nova produção de uma das maiores produtoras de animação do mundo foi selecionada para a abertura do festival de Cannes.

Dirigido por Pete Docter (Monstros S.A.), UP conta a história de Carl Fredricksen, um velho rabugento de 78 anos que após uma série de desventuras resolve mudar sua casa de uma cidadezinha dos EUA para uma cachoeira para a América do Sul. Só que Carl acaba levando por acidente, o pequeno escoteiro Russel e os dois embarcam juntos numa grande aventura dentro da floresta amazônica.

Uma das sensações a primeira vista de UP é que a Pixar voltou um pouco atrás com relação ao medo do fracasso comercial (coisa bem contraditória depois de Wall-E) e com isso resolveu fazer um equilíbrio entre a arte e o entretenimento: enquanto os primeiros 15 minutos de filme, onde a vida de Carl é contada, são carregados de cenas de grande beleza, emoção e uma carga dramática intensa, do meio para o final ela é recheada de piadinhas, personagens engraçadinhos e um vilão que parece meio mal encaixado na história.

Parecia até que John Lasseter e cia queriam resgatar algumas regras ultrapassadas da escola de animação de Disney.

Mas por outro lado, analisando a narrativa do filme, fica interessante notar como seu ritmo é extremamente ligado a vida e à personalidade do próprio Carl. Preso ao seu passado, amargurado por nunca ter atingido suas grande expectativas de vida, ele precisa de uma aventura para finalmente se libertar do passado, mas a presença de Russel vem para dizer que por mais que possamos nos planejar, a vida sempre vem trazer algum imprevisto que acaba sempre mudando o rumo da aventura.

O curioso é que, quando Carl abandona todos os imprevistos e atinge seu objetivo ele percebe que os imprevistos é que compõem uma aventura de verdade e que, por mais diferente que seu passado tenha sido do que planejara, foi  uma grande aventura vivida. Ele se vê então obrigado a retornar e a enfrentar os imprevistos anteriormente abandonados.

Essa descoberta que vai acontecendo ao decorrer do filme vai transformando Carl de um velho rabugento a um “velho jovem” aventureiro, mas também vai afetando o ritmo da narrativa que de drama vai se transformando para comédia e aventura, claro que auxiliado pela participação de vários outros personagens que servem de alivio cômico. Coisa bem comum aos filmes da Disney e da Pixar (o gênio de Alladin, Timão e Pumba de O Rei Leão, Dory de Procurando Nemo, Mike de Monstros S.A…)

Essa mudança acaba trazendo a mais importante mensagem do filme: A nossa vida, por mais simples que possa parecer sempre será uma aventura e cabe a nós darmos conta disso.

O design das personagens merece um destaque. Carl é praticamente uma figura geométrica mais quadrada demonstrando claramente uma falta de flexibilidade enquanto Russel, mais gordinho e redondo representa justamente o lado mais dinâmico e participativo.

Já a animação primorosa tem seu troféu nas diferentes reações do pássaro Kevin por ter praticamente a mesma feição o filme inteiro seus sentimentos são notados unicamente pela sua movimentação e pela forma como grasnava. Parece óbvio ao espectador tal informação, mas acredite, para um animador chegar a esse ponto são meses e meses de estudo da personagem.

As cópias legendadas são praticamente inexistentes, mas não há necessidade de ter medo do trabalho de Chico Anysio. O velho comediante de 1000 faces faz um ótimo trabalho e a direção de Garcia Jr traz a garantia de qualidade na versão brasileira.

E como de costume, peço uma especial atenção aos créditos: Um álbum de fotos onde a função citada tem a ver com o conteúdo de cada foto que vai passando (inclusive com o easter egg do nome de um filme muito amado por todos os Nerds quando aparece uma foto de Carl e Russel indo ao Cinema).

Como sempre, a Pixar nunca vem com a promessa de ser melhor, mas sim de sempre ser diferente do que já produziu anteriormente. UP não vai possui a poesia visual da Wall-E ou a perfeição de cenários de Procurando Nemo. Mas certamente já contribui com sua marca na história do cinema da animação com uma narrativa que muda de forma surpreendente sem ofender a inteligência do espectador.

Depois de descobrir que o Nerdcast 176 não seria sobre ele, o Führer teve que desabafar!

O responsável pela maravilhosa brincadeira é Marcelo Silva, do blog Marceland (visitem!). Essa cena de ‘A Queda’ já foi legendada de 1001 maneiras diferentes desde a primeira brincadeira envolvendo a  o banimento da XBox Live.

O hype já estava até desgastado, mas não resistimos! A família Jovem Nerd riu de chorar e agradece muitíssimo pela homenagem!

Valeu, Marcelo!!!

Em meio a tanta felicidade, gostaríamos de estender essa alegria e compartilhar algumas fotos com todos os nerds que acompanham nossa jornada há tantos anos! Obrigado pelos votos de carinho que já recebemos!

Presentes também serão apreciados!

Pai e filha emocionados.

Noooooossa… Sra JN é suuuuper! Adoro ela!

Vitrais?

O primeiro beijo de casados.

Mini me, you complete me!

How YOU doin’?

Subindo de patamar, MEU AMOR!

Prima Noche!

No formato A4 e com foto do casal, NOT!

Que cabelo é esse?

Perspectiva forçada?

Recém casados e recém padrinhos

Craaazy… crazy for feeeeeling so lonely!

Duets

Nova moda: gravata sobre o colarinho.

Muito respeito, nerd!

Talento em família.

So you think you can dance?

Preparando a homenagem.

Almôndega dá o ar de seriedade do momento.

All Hail Azaghal!

Nick Ellis twittando (lá na direita)!

O Imperador e seu lacáio

O Imperador e seu conselheiro.

O que aconteceu com as pernas do Rei?

Rei, Rainha e a corte.

Festa!!!

Briggs e Yabu!

Tucano e Bluehand.

Jacob (também conhecido como Eduardo Spohr), Gaveta e Briggs.

O amigo Bruno comprando um pedaço da gravata!

Sra. Tucano e Tucano com a ajuda de custo da gravata para a Lua de Mel.

TV de LCD aqui vou eu!!!

Buquê!

‘Cause this is thriller…

…Thriller night!

Olha o Guga já de gravata na cabeça (lá no canto)!

“All Night Long…”

Guga de bigode loiro (e gravata na cabeça)!

Enfim sós!

Fotos em alta resolução no FLICKR do Jovem Nerd!

Atendendo a pedidos, aqui está a Lista de Casamento de @azaghal e portuguesa! http://migre.me/4q4E

Após centenas de fotos e vídeos recebidos (e em exposição em nosso FLICKR) em comemoração ao Dia da Toalha, 10 finalistas foram escolhidos pela equipe Jovem Nerd e votados pelo público.

Parabéns, FELIPPE NARDI!!!

Seu vídeo Dia-a-dia da Toalha é o vencedor com 65,89% dos votos!

Confira aqui os outros finalistas

Felippe foi o feliz ganhador de um exemplar autografado do megaboga livro ‘A Batalha do Apocalipse’, de Eduardo Spohr.

A saga que conta a história do crepúsculo da Terra ao fim dos tempos sobre um ponto de vista muito peculiar, o das criaturas celestiais.

Se você não sabe nada sobre esta maravilhosa obra, não deixe de escutar o Nerdcast 80.

Se já conhece e está desesperadamente atrás dele, eis a última notícia: O livro está esgotado, mas o autor está em conversações com editoras e garantiu que ele voltará ao mercado AINDA EM 2009!

Megaboga!

No último dia 25 de maio, a nação nerd comemorou o internacional DIA DA TOALHA (e o novato Dia do Orgulho Nerd também), em celebração à obra genial de Douglas Adams, o Guia do Mochileiro das Galáxias, leitura obrigatória de qualquer nerd.

Mas qual é o significado da toalha? Ora, veja aqui no NaoEntreEmPanico.com.br.

Recebemos muitas fotos e vídeos, mas a equipe Jovem Nerd se reuniu e selecionou os finalistas que concorrem a uma megaboga edição autografada do livro ‘A Batalha do Apocalipse’, de Eduardo Spohr.

Agora é com vocês! É só votar em quem você acha que mais merece essa raridade!

OS FINALISTAS

Bárbara de Campinas – Nerds do it better

• Felipe SM (o sequestro)
• Mateus Cavanholi (madrugador em Londres)
• Bety (de Londres)
• Arthur Ribeiro (de Campo dos Goytacazes)
• André Pessoa (da Alemanha)
• Rafael Almeida (Towel Fight)
• Caspar San Giorgi (da Holanda)
• Guilherme Dobrychtop (círculos no céu)
• Adriano Miossi (usos da toalha em uma livraria)

Como dito no artigo ‘Tudo que você queria saber sobre Star Trek’, J.J. Abrams aceitou uma missão alto risco. Ao fazer isso, o co-criador de Lost não estava só abarcando uma astronômica responsabilidade, estava mexendo uma casa de marimbondos mau humorados, geneticamente modificados e com lasers amarrados nas cabeças.

Star Trek não é só uma franquia de ficção-científica, é um verdadeiro culto. É algo tão grandioso que existem linhas divergentes dentro do próprio universo de fãs. Há quem defenda até a morte a preferência pelo capitão Kirk, e quem argumente com teses de mestrado a superioridade do capitão Picard.

Por isso, a coragem de apostar alguns anos de trabalho e parte da reputação em um projeto desses é louvável. Ainda mais, se analisarmos quais foram suas decisões e no que elas resultaram.

ALERTA DE SPOILERS!!!

Este artigo contém informações reveladores sobre a trama de Star Trek. Se você ainda não viu o filme, reconsidere a leitura a partir deste ponto.

UM FARDO

Contar uma história na juventude de Kirk, Spock, McCoy e companhia era um fardo pesado. Conceber qualquer roteiro neste cenário seria equivalente a correr uma maratona com um gigantesco saco de tijolos amarrado nas costas. Essa é uma forma de representar todo o histórico do universo Star Trek definido em mais de 40 anos de séries, filmes, livros e jogos.

Cada vírgula deveria ser minuciosamente estudada, para que não contradissesse algum fato do futuro da cronologia. Considerando a extensão do material, pode-se observar que é uma tarefa impossível. Nem George Lucas conseguiu fazer uma trilogia prequel sem contradizer ou distorcer algumas verdades definidas na trilogia clássica de Star Wars.

No livro “O Senhor dos Anéis”, Frodo leva meses para deixar o Condado, depois que Gandalf lhe passa a missão de portar o Um Anel para longe dali. No filme, tudo isso tem que ser adaptado e acontece muito rapidamente, em caráter de urgência.

Originalmente, antes de se tornar capitão da Enterprise, Kirk serviu em outras naves, graduando-se cada vez mais com o passar do tempo. Contar essa história em um filme de duas horas seria dispendioso demais para o roteiro. E como fazê-lo de outra forma sem alterar a história?

Por isso, a mais polêmica decisão de J.J. Abrams foi optar por um reboot.

Esse artifício não é novidade. A Marvel Comics começou a recontar as origens de seus heróis sob o selo Ultimate (Millenium no Brasil), unindo tantas histórias de diferentes roteiristas em um único e coeso roteiro. A mesma coisa aconteceu recentemente com a franquia 007. A partir de Cassino Royale, James Bond foi totalmente reescrito de volta às suas origens para se manter atualizado e conquistar nova audiência.

Se você não tem problema com isso, o maior perigo deste filme passou. Abrams passou a régua no universo Star Trek e resolveu contar tudo de novo com a liberdade que só a reformulação completa pode oferecer.

No entanto, por se tratar de uma ficção-científica, o diretor teve a oportunidade de ouro de fazê-lo sem simplesmente ignorar tudo o que já foi criado. A presença de Leonard Nimoy, interpretando o velho Spock, se tornou uma âncora com o universo original, enquanto ele se utilizava de artifícios dentro da própria história, como viagens temporais, para criar uma realidade alternativa.

Uma desculpa para recomeçar com liberdade, sim, mas neste caso, um argumento verdadeiramente consistente com os preceitos da franquia.

REFERÊNCIAS E EASTER EGGS

Essa liberdade, no entanto, não foi arbitrária nem irresponsável. Pelo contrário, quando o filme se inicia com uma nave da Federação atravessando o espaço, bem próxima da câmera, e o som do ping de computador característico da série clássica pode ser ouvido, como um sonar espacial, o fã já sente um arrepio nostálgico na espinha.

ALMIRANTE ARCHER?

Arrepio que se repetiria em outros diversos easter eggs muito bem pesquisados, como Scotty mencionando uma experiência falha no teletransporte do beagle do Almirante Archer. Poderia ser uma menção ao antigo capitão da primeira Enterprise (da série homônima, de 2001), que realmente tinha um beagle (Porthos) à bordo.

Não fica claro se ele se refere a este Archer, já que a diferença de tempo entre a época dos dois é grande, mas tá lá a referência.

BORDÕES

Não faltaram as tiradas clássicas, como a de McCoy: “Eu sou um médico, não um engenheiro”, Scotty gritando “Não posso dar mais potência ou ela vai explodir!”, ou do computador da nave não entendendo o comando de voz de Chekov por causa de seu sotaque e hábito de trocar a pronúncia da letra “V” pela “U”.

CAPITÃO PIKE

Também não faltou o bom e velho capitão Christopher Pike. Ele comandava a Enterprise no fatídico episódio “The Cage”, que foi rejeitado pela NBC lá na década de 1960, e acabou substituído por Kirk (William Shatner).

Pike acabou depois incorporado ao Trekverso como sendo de fato o capitão da Enterprise antecessor a Kirk, aparecendo em outros episódios da série clássica.

KOBAYASHI MARU

A simulação impossível de se vencer, como vista em “Star Trek II: A Ira de Khan”, projetada para testar as reações de comando sob a morte iminente. Kirk conta que, quando era jovem, foi o único que venceu o treino porque trapaceou e alterou os parâmetros da simulação a seu favor.

Ter o jovem Kirk na academia sem mostrar o evento seria um crime, mesmo em uma linha temporal alternativa. Obviamente o jovem oficial entrou em apuros por isso, mas a manobra foi de tal astúcia para chamar atenção do capitão Pike quanto ao verdadeiro potencial dele. Um bom argumento para a série de eventos que resultaria no destino inescapável: Kirk na cadeira de capitão da Enterprise.

TECNOLOGIA E DESIGN

Mérito aos designers da produção, que conseguiram atualizar os ultrapassados pijamas e gadgets da década de 1960, como o comunicador de mão e até a pistola phaser, sem perder seu design característico. Aliás, notaram o Kirk mudando do modo atordoar para letal quando a ponta da pistola girou da cor azul para a vermelha?

O mesmo aconteceu com o design interior das naves. Sem exagerar, conseguiram renovar as interfaces, mantendo o visual clean antigo.

A tela agora passa a ser também uma janela, seguindo o conceito do HUD (Head Up Display), que projeta informações eletrônicas por cima dos objetos visíveis no espaço.

HABILIDADES DE SPOCK

O Mindmeld, a habilidade de conectar sua mente a outra, e se tornarem uma só foi um ótimo recurso para contar a base da trama que iniciou a realidade alternativa. Muito melhor que a projeção-teletubbies na barriga do Surfista Prateado em “Quarteto Fantástico 2″.

Isso sem falar em sua habilidade marcial de derrubar uma pessoa com uma simples pressão de pontos no ombro. Todas utilizadas na hora certa, sem forçar o roteiro.

REDSHIRTS

Mas a referência mais divertida, que pode ter passado batida por muitos, sem dúvida foi sobre o fatal e cruel destino dos Redshirts.

Explico: Na série clássica, sempre que houvesse alguma missão perigosa, normalmente desciam ao planeta Kirk, Spock, McCoy e um segurança anônimo de uniforme vermelho. Adivinha quem acabava morrendo sempre? Isso era tão comum que acabou virando paradigma e alvo de muitas sátiras.

Confira a fabulosa homenagem a estes guerreiros anônimos no vídeo REDSHIRTS.

Em um ponto do filme, Fulano Qualquer, Kirk, Sulu são escalados para saltar de paraquedas em uma missão. E qual era a cor do traje espacial do Fulano? VERMELHO! Não deu outra. E em mais uma referência menor, ainda conseguiu morrer desintegrado, como grande parte de seus saudosos companheiros.

FEELS LIKE COMING HOME

Foi a melhor definição de fã, proferido por @setzerknight no Twitter: É um sentimento de voltar para casa.

Isso não se aplica somente pelos easter eggs, ou pelo trilha sonora clássica nos créditos, mas principalmente pelo desenvolvimento dos personagens.

Havia um grande medo entre fãs, que não sabiam se Chris Pine conseguiria se sobressair à sombra de William Shatner e realmente fazer o público acreditar que aquele era James T. Kirk.

Não só provou que é capaz como já se apropriou do papel. Apesar de ter soltado um indistinguivel “SPOCK! Vai dar certo!” no fim do filme, Pine não precisou ficar imitando Shatner o tempo todo para traduzir com sagacidade o espírito do personagem.

Galanteador até quando está sofrendo de pesados efeitos de toxinas, gerou cenas divertidíssimas com McCoy enquanto entrava de penetra na Enterprise. Aliás, que maneira mais apropriada para o profissional da quebra de protocolo inciar sua carreira.

Talvez as mais notáveis “torcidas de nariz” de alguns fãs tenham sido as demonstrações de raiva e até paixão Spock (Zachary Quinto). Por alguma razão, paira no ar de muitas memórias que ele, por ser um vulcano, seria totalmente desprovido de emoção.

Isso não é verdade, primeiro porque ele é meio-humano por parte de mãe. Outra é que sua lógica não é uma característica genética inerente aos vulcanos, e sim uma doutrina adotada por eles.

Em seu modo de vida, os vulcanos suprimem as emoções, abraçando os princípios da lógica, com o intuito de nunca se deixarem controlar por elas. Para manter este estado, praticam constantes rituais de meditação, mas Spock sempre foi um personagem em conflito. Embora seu lado vulcano prevaleça a maior parte do tempo, em diversos momentos da série e dos filmes, se viu tocado por seu lado humano.

É isso que o torna um personagem tão interessante.

No final de “Star Trek IV: A Volta para Casa”, Spock ri ao ver seus companheiros empurrados na água em comemoração da vitória. Também no final de “Star Trek VI: A Terra Desconhecida”, ao derrotarem o vilão, recebem a mensagem que deveriam voltar para a Terra para serem descomissionados. Spock vira sarcasticamente para Kirk: “Se eu fosse humano eu diria: ‘Vão para o inferno!’”. Depois de uma pausa, ainda complementa: “Se eu fosse humano…”

Na série, Uhura sempre esteve interessada em despertar esse lado de Spock, na cena acima ela canta para ele. Notem a expressão inicial do vulcano. Uma clara demonstração emotiva.

No filme, J.J. Abrams deu um passo além neste sentido. Tanto em seu envolvimento romântico com Uhura, quanto em seus ataques de fúria na escola e contra as espertas provocações de Kirk (vamos lá, o cara tinha acabado de ver seu planeta natal ser destruído).

Sem contar que, por causa de ofensas à sua hereditariedade humana, Spock não termina o Kolinahr, o ritual vulcano que elimina todos os traços de emoção em prol da lógica pura.

Alguns fãs acharam que foi um desrespeito à natureza do personagem. Mas em uma análise lógica, nenhum conceito previamente estabelecido foi desrespeitado.

Pelo contrário. A cena até magnifica uma afirmação que demarca com uma precisão cirúrgica a itensidade da relação entre os protagonistas: Só mesmo James T. Kirk para tirar Spock do sério!

É claro que há de se observar pequenos “empurrõezinhos” do roteiro para que os personagens se encontrem. Afinal, Kirk é jogado em uma lua gelada de Vulcan, convenientemente bem próximo ao velho Spock. Ou é destino ou então aquele é um lugar conhecido para se despejar pessoas indesejáveis, porque até o engenheiro Scotty estava lá jogado em uma estação isolada como castigo.

Mas isso vem inserido em uma história tão rica e intensa, que de forma alguma se torna algo incoerente o suficiente para destruir o roteiro (Não é, Wolverine?).

O FUTURO COMEÇA AGORA

Em resumo, Star Trek conseguiu exprimir tantos conceitos clássicos do Trekverso que fica difícil de acreditar que tudo coube em um filme só. Teve humor, missões de “superfície”, redshirts morrendo, combates espaciais, teletransporte, Kobayashi Maru, um vilão crível, Enterprise chegando do Warp Speed no momento crítico, e é claro, Kirk quebrando todos os protocolos e salvando a Terra!

Ah! E Leonard Nimoy terminando com “Space, the final frontier…” foi de arrepiar!

Tudo isso preparado com uma pitada da “Velocidade Warp” rendeu um filme com personalidade própria e extremamente respeitoso ao legado trekker.

Um filme perfeito para apresentar este maravilhoso e rico universo a quem nunca nem sequer ouviu falar de capitão Kirk e a toda uma nova geração de fãs. Uma adaptação exemplar, que inovou, construiu e ainda manteve sua essência intacta!

Com os US$ 31 milhões faturados no dia de estréia só nos EUA, as projeções são muito boas. Será que ouviremos Kirk gritar “KHAAAAAAAAAAAAAN!” na continuação?

STAR TREK IS ALIVE! Bem vindo ao século XXI!

É muito comum o público geral confundir Star Trek (Jornada nas Estrelas) com Star Wars (Guerra nas Estrelas), ou até mesmo os próprios fãs das duas franquias se digladiarem em provocações exaltando as qualidades de suas paixões.

Nestas pelejas, Star Trek é frequentemente acusado de ser parado, confuso e entediante. E pode até ser para uma mente distraída, mas em uma análise mais minuciosa, a riqueza encontrada na fronteira final do espaço justifica o fenômeno que revolucionou a cultura pop e moldou o universo nerd que conhecemos hoje, antes mesmo da saga de George Lucas.

Hoje, depois de 6 séries de TV e 11 filmes, fica difícil imaginar que Star Trek (1966-1969) não chegou ao mundo na glória do sucesso. Na verdade, as dificuldades que o criador Gene Roddenberry enfrentou para conseguir lançar e manter a série foram resultados óbvios do impacto de ideias visioárias em um monolito de conservadorismo.

Star Trek estreou em 1966 com um elenco multiétnico, que obedecia o conceito de um futuro utópico, de paz e união mundial justamente em uma época conturbada pela segregação racial nos Estados Unidos, guerra do Vietnã, o medo vermelho do comunismo e da guerra nuclear.

A rede NBC repudiou o piloto “The Cage” (A Jaula), que apresentava uma mulher (Majel Barrett, que depois se tornou a Sra. Roddenberry) como a oficial segundo em comando da Enterprise. Segundo a emissora, a ideia era ridícula e ninguém jamais acreditaria nisso, nem em um programa de ficção-científica.

Muita coisa teve que ser mudada para Star Trek nascer como uma série. Todo o elenco do piloto caiu, com exceção de Leonard Nimoy (que permaneceu como Spock, mas ganhou sua fria lógica sem emoções) e Majel Barrett (que virou enfermeira) em um segundo piloto chamado “Where No Man Has Gone Before” (Onde Nenhum Homem Jamais Foi).

Capitão Pike (Jeffrey Hunter) e Spock (Leonard Nimoy) no piloto rejeitado “The Cage”.

A NBC queria um elenco principal de homens brancos. Roddenberry não podia ganhar todas as batalhas, então deu o posto de segundo em comando a Spock, que era incialmente visto como um homem estranho de aparência satânica, mas acabou passando. Com esta jogada e com uma patente menor, Roddenberry não só conseguiu manter uma mulher na ponte de comando, mas conseguiu um feito inédito: uma mulher negra em um elenco principal, a oficial de comunicações Uhura (Nichelle Nichols).

FATO CURIOSO: Como seu papel era pequeno, Nichelle Nichols pensava seriamente em deixar a série. Quem a convenceu de ficar foi ninguém menos que o Dr. Martin Luther King, dizendo que ela era um símbolo e um modelo a ser seguido por todas as jovens negras norte-americanas.

A tripulação original. Da esquerda para a direita: Scotty, Spock, Kirk, McCoy, Uhura e Chekov.

A Spock e Uhura se juntaram o capitão James T. Kirk (William Shatner), o engenheiro-chefe Scotty (James Doohan), o timoneiro Hikaru Sulu (George Takei), que neste segundo piloto era médico. Os outros membros da tripulação clássica viriam depois. O Dr. Leonard “Magro” McCoy (DeForest Kelley) entraria para o grupo no início da série e o navegador Pavel Chekov (Walter Koenig) só na 2ª temporada.

A FRONTEIRA FINAL

Mas engana-se quem pensa que a série estourou logo no início. Ou no meio. Ou no final. Na verdade isso jamais aconteceu enquanto era produzida. Apesar de ter um público fiel entre jovens universitários, nunca atingiu índices satisfatórios de audiência.

Alguns atribuem isso ao pioneirismo antes de seu tempo, outros ao fato da série nunca ter tido chance no horário nobre da NBC. O fato é que Star Trek esteve em apuros desde sua concepção e durou apenas 3 temporadas.

O que foi descoberto tardiamente na extinta série, foi o cerne da boa Sci-Fi, que é estabelecer uma verdade científica, dar um passo além no imaginário, e discutí-la.

Enquanto o cinema pipoca da década de 1950 trazia a Terra enfrentando terríveis invasões alienígenas, Gene Roddenberry pensava: Peraí! Por que uma raça alienígena quereria invadir a Terra? Quais seriam os motivos políticos? De que forma ela seria vista por outras raças ao covardemente assolar uma sociedade inferior, sem capacidade de defesa?

O espaço não era apenas um novo lugar para invocar os mesmos monstros dos mapas navais do século XV. A galáxia deveria estar repleta de complexas sociedades, impérios, conquistadores e mediadores da paz.

E qual seria o papel da humanidade nesse cenário? Uma vez que a Terra havia atingido um patamar de uma utopia socialista, eliminando o dinheiro, guerras, fome e doenças, de onde viria o desafio? E quem estaria a frente dele?

Entra o fantástico texto de abertura, que em poucas palavras justifica exatamente o espírito de Star Trek e nos mostra o que podemos esperar desde admirável mundo novo.

“Espaço, a fronteira final. Estas são as viagens da nave estelar Enterprise em sua missão de cinco anos em busca de estranhos novos mundos, novas vidas e novas civilizações. Audaciosamente indo aonde nenhum homem jamais esteve.”

A humanidade estava inserida e enterrada nas burocracias diplomáticas de uma comunidade galáctica, representada pela Federação Unida dos Planetas, no entanto, dentre os massivos recursos da Frota Estelar, havia uma nave inteiramente dedicada à exploração do desconhecido, tripulada por desbravadores sob o comando de James T. Kirk e seu oficial de ciências, o meio-vulcano/meio-humano Spock.

Uma combinação de personagens que deu muito certo. Enquanto Kirk, apesar de competente, era um capitão impulsivo, que rasgava qualquer manual ou protocolo de ação da Frota Estelar em prol do instinto, Spock, em toda sua lógica vulcana e emoções suprimidas, era um contrassenso perfeito nesta mistura.

Notável também era a personalidade forte e o frequente mau humor do Dr. McCoy com seus bordões típicos, como “Eu sou um médico, não uma escada rolante!”, ou o alívio cômico de Scotty aos berros pelo intercomunicador dizendo que não podia quebrar as leis da física, quando o captão exigia mais velocidade e mais potência nos escudos da nave.

CENA CLÁSSICA: No episódio “The Trouble with Tribbles”, um Klingon começa a bradar insultos a ao capitão Kirk em um bar. Scotty acalma Chekov, dizendo que eles eram melhores do que isso, que não precisavam brigar por causa de meros insultos ao seu capitão. Mas no momento em que o Klingon passa dizer que a Enterprise era uma lata velha mal projetada e que deveria ser descartada como lixo, o próprio Scotty se levanta e desce o cacete no fanfarrão.

Essa era a miscigenada atmosfera da USS Enterprise NCC-1701, que também se tornou um “personagem” de toda a franquia, mudando de forma com o passar das eras na cronologia trekker.

Aos fãs, sempre doeu vê-la danificada ou até mesmo destruída, mesmo sabendo que certamente seria substituída por um modelo igual ou mais moderno.

Apesar de escrever sobre o espaço, Roddenberry sempre manteve uma concepção náutica em suas naves, com centenas de tripulantes, oficiais em pontes de comando e salas de máquinas. Aquela agilidade da Millenium Falcon fugindo das TIE Fighters em Star Wars simplesmente não existia em Star Trek.

As manobras de combate eram traçadas com antecedência, uma vez que as colossais naves se moviam lentamente. A mira dos phasers tinha de ser caulculada pelo artilheiro e o os torpedos de photons carregados manualmente.

As batalhas não eram rápidas, mas tinham o charme dos conflitos navais entre monstros de metal.

TECNOLOGIA

Star Trek estava sim à frente de seu tempo, não só em sua filosofia, mas como no campo tecnológico.

WARP SPEED

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Segrè and Chamberlain acabara de descobrir o antipróton em 1955 e Roddenberry já visualizava uma nave movida por uma reação de matéria/antimatéria, resultante em um electro-plasma que era canalizado pelos longos condutores na cauda da nave. Desta forma ela podia gerar um campo de distorção do contínuo espaço-temporal para impulsioná-la a velocidades mais altas que a da luz.

TELETRANSPORTE

O muito últil teletransporte não foi planejado, mas foi incorporado à série por causa de uma inconveniência frequente: dificuldades orçamentárias.

Simplesmente não havia dinheiro para filmar modelos de naves de transporte pousando e decolando de tantos cenários diferentes em miniatura. A solução foi simples. Por que simplesmente não teletransportar os tripulantes para os cenários de isopor pintado e papel crepom?

GADGETS

Fora as portas automáticas, as vídeo-conferências, os phasers atordoantes, os comunicadores de mão (o celular flip StarTAC se chamou assim em homenagem à série, é o que dizem), o gadget mais notável era o Tricorder. Era um sensor móvel, capaz de analisar materiais, campos energéticos e basicamente qualquer coisa estranha ao seu alcance. No início era meio que um trambolho carregado por Spock como uma bolsa, mas depois foi evoluindo para versões menores e com outras funções, como a de analisar seres vivos e dar diagnósticos médicos.

Tudo isso pode nos parecer trivial hoje, mas na década de 1960 estava além dos sonhos dos mais talentosos engenheiros. E o fato de muita dessa ficção ter virado realidade hoje é mais uma prova da validade da base científica empregada na série, parte de uma escola ferrenhamente defendida por Isaac Asimov desde que começou a escrever, fugindo dos antigos modelos mais simplificados da “fantasia pura” em troca de algo mais plausível em nosso mundo.

O FENÔMENO

Com o cancelamento em 1969, todos os envolvidos consideraram seus trabalhos feitos e encerrados. Não poderiam estar mais enganados.

Em vez de ser esquecida, a série seguiu justamente o caminho oposto. De alguma forma, suas reprises ficavam cada vez mais populares. E foi assim que uma geração inteira de fãs (re)descobriu Star Trek e o elevou ao status de cult.

Neste fervor de sucesso, em 1972 nasceu a primeira convenção trekker da história em Nova York. A ideia de convenções nerds não era nova (em 1970 aconteceu a 1ª Comic-Con em San Diego), mas certamente os trekkers ajudaram popularizá-las ainda mais.

Os organizadores da convenção esperavam algumas centenas de participantes, mas logo de cara tiveram que receber mais de 3000. Não era para menos, já que além de exibirem o inédito piloto “The Cage” em 16mm, ainda conseguiram levar nomes de peso, como o próprio criador Gene Roddenberry e um dos maiores autores de ficção-científica da história, o megaboga lendário Isaac Asimov.

James Doohan (Scotty) em uma das convenções trekkers.

As convenções cresceram em tamanho e em frequência e praticamente se tornou o novo “emprego” do elenco, que pulava de uma para outra, fazendo palestras, respondendo perguntas e dando autógrafos aos fãs.

Durante toda a década de 1970 tentou-se explicar o fascínio explosivo pela ficção-científica. Uma delas estaria intimamente ligada ao apogeu da corrida espacial, afinal o homem acabara de pisar na lua em 1969 e o programa Apollo continuava mandando seus astronautas para o espaço como se fosse para comprar leite na padaria.

Diante deste fenômeno, a NBC, detentora dos direitos, tinha a faca e o queijo na mão. Chegou a lançar uma série animada entre 1973 e 1974 com as vozes originais (menos a de Walter Koenig), mas o grande planejamento mesmo era trazer a série live-action de volta  sob a alcunha de Star Trek: Phase II. Embora isso não tenha acontecido, o astronômico e inédito sucesso de Star Wars nos cinemas (em 1977) pavimentou a estrada para a produção definitiva (que também vinha sendo cogitada) do primeiro longa metragem de Star Trek.

STAR TREK NO CINEMA

Em 1979 estreava Star Trek: O Filme, com um orçamento de US$ 35 milhões. Mas a maior batalha não foi travada no espaço e sim nos estúdios da Paramount Pictures. A produção tinha todo o elenco original da série, um diretor vencedor de Oscar (Robert Wise), colaboradores de peso como os mestres da ficção-científica Ray Bradbury e Isaac Asimov, só não tinha uma coisa: roteiro.

Quando o filme começou a ser rodado, apenas estava definido que uma grande ameaça estava indo em direção da Terra e só a Enterprise poderia salvá-la.

Brinca-se até que a famosa cena em que a nave adentra a misteriosa nuvem cósmica é tão demorada porque os roteiristas ainda estavam inventando o que haveria dentro dela.

Mesmo sob essa imensa pressão, o roteiro funcionou e o filme foi um grande sucesso de bilheteria, chegando a quase US$ 140 milhões no mundo inteiro.

Após viver um sucesso fantasma por uma década, finalmente Star Trek estava de volta, maior e melhor. A ressurreição bem sucedida colocou Kirk, Spock, McCoy, Sulu, Chekov, Uhura e Scotty no auge por 6 filmes no total, encerrando sua épica jornada em grande estilo e na hora certa.

FILMES DA TRIPULAÇÃO ORIGINAL

• Star Trek: O Filme (1979) – Trailer
• Star Trek II: A Ira de Khan (1982) – Trailer
• Star Trek III: A Procura por Spock (1984) – Trailer
• Star Trek IV: A Volta para Casa (1986) – Trailer
• Star Trek V: A Fronteira Final (1989) – Trailer
• Star Trek VI: A Terra Desconhecida (1991) – Trailer

A NOVA GERAÇÃO

Com todo esse sucesso, em 1987, ainda antes do 5° filme com a tripulação original, Roddenberry teve a oportunidade de criar uma nova série para a TV, Star Trek: The Next Generation (1987-1994). Muitos se questionavam se ele seria capaz de repetir o sucesso da tripulação original. Afinal, quem estaria à altura para ocupar a ponte da Enterprise sob a sombra de mitos tão queridos?

A genialidade de Roddenberry foi justamente não apostar no “mais do mesmo”. Em vez disso ele preferiu arriscar e mudar completamente o perfil da tripulação, começando pelo capitão.

No posto de capitão da Enterprise-D, o ator shakespeariano Patrick Stewart como Jean-Luc Picard, que era em essência, o completo oposto de Kirk. De pose clássica e refinada, era a imagem do oficial altamente treinado.

Um dos testes mais difíceis da Academia da Frota Estelar era o Kobayashi Maru (visto em “Star Trek II: A Ira de Kahn”). Em resumo, era uma simulação de um cenário impossível de se vencer. O único resultado possível é a destruição da nave e a morte de todos a bordo. O objetivo era testar a reposta dos aspirantes a capitães sob condições extremas. O jovem Kirk foi o único que venceu porque hackeou os computadores e alterou os parâmetros para sua vantagem.

Picard, por sua vez, jamais faria isso.

No entanto, o novo capitão tinha outras qualidades e ganhou respeito do público por sua liderança, autoridade, rapidez de pensamento e perspicácia diplomática.

A lógica e as habilidades mentais de Spock foram transmutadas em dois personagens. Um androide, Data (Brent Spiner), e em um novo posto de conselheira, ocupado pela betazoide empática Deanna Troi (Marina Sirtis).

Também compunham a tripulação o primeiro oficial William Riker (Jonathan Frakes), o engenheiro-chefe cego Geordi LaForge (LeVar Burton), a oficial médica Beverly Crusher (Gates McFadden) e a presença mais notável, o chefe de segurança e oficial tático Worf (Michael Dorn), que era nada menos que um Klingon.

Um Klingon na Enterprise? Sacada de mestre de Roddenberry, desafiando seu próprio conceito, que havia estabelecido muito bem os Klingons como uma raça totalmente antagônica (inimigos mortais de Kirk) durante 20 anos de série e filmes.

Com seus códigos de guerreiro e condutas agressivas, os Klingons eram vistos na série clássica como uma mistura espacial dos soviéticos com os japoneses da 2ª Guerra Mundial, representados obviamente segundo à perspectiva ocidental capitalista.

Mas qual era o argumento de Roddenberry? “Não existe isso de uma raça má”. Na Terra, povos podem entrar em conflitos e depois resolvê-los. Como Star Trek: A Nova Geração acontecia 74 anos depois do tempo de Kirk, era razoável acreditar que Klingons e humanos haviam acertado suas diferenças (tema que foi abordado em “Star Trek VI: A Terra Desconhecida”, como uma clara alusão ao colapso da União Soviética).

Era também uma afirmação que ele já havia aplicado à própria humanidade na década de 1960, sugerindo um russo na tripulação original, em plena guerra fria.

Abertura da 5ª temporada.

A série durou 7 temporadas e ganhou 4 filmes para o cinema. O primeiro dele Star Trek Generations (1994) reuniu os dois lendários capitães, Kirk e Picard, em um roteiro que começou muito bem e acabou muito mal.

O pico do sucesso e das críticas positivas foi atingido em Star Trek: Primeiro Contato (1996), onde os novos e temíveis inimigos da Federação, os Borgs, ameaçavam remoldar a própria história da humanidade em mais um bem sucedido roteiro envolvendo viagem temporal.

Infelizmente, o fim da Nova Geração no cinema não foi memorável quanto o da tripulação original. Os filmes seguintes não foram tão bem quanto os primeiros, sendo o último um fracasso em comparação a todos os outros, arrecadando US$ 67 milhões no mundo todo (se pagou e olhe lá).

FILMES DA NOVA GERAÇÃO

• Star Trek: Generations (1994) – Trailer
• Star Trek: Primeiro Contato (1996) – Trailer
• Star Trek: Insurreição (1998) – Trailer
• Star Trek: Nemesis (2002) – Trailer

OS SPIN-OFFS

Voltando um pouco atrás, é importante notar que outras séries de TV surgiram, pegando carona na melhor fase da franquia.

Star Trek: Deep Space Nine (1993-1999)

Foi criada pelos produtores Rick Berman e Michael Piller, sem Gene Roddenberry (falecido em 1991), e era um spin-off direto de The Next Generation, com cross-overs e tudo. Se passava na mesma época, só que acompanhava o dia-a-dia de uma estação espacial cardassiana ocupada pela Federação.

A ideia soava meio estranha aos fãs, acostumados com o conceito de exploração espacial. A premissa de DS9 era mais política.

Segundo os produtores, a inspiração veio da conturbada situação entre Israel e Palestina. Na série, após a libertação dos bajorianos de uma sangrenta ocupação cardassiana, a Federação entrou no meio para tentar manter um clima controlado em um verdadeiro barril de pólvora.

Para piorar, a estação ficava próxima a um dos poucos wormholes (buracos de minhoca) estáveis da galáxia. Este fenômeno (que para os astrofísicos é apenas teórico) funcionava como um portal direto para o inexplorado quadrante gamma. Ou seja, qualquer coisa poderia surgir dali.

A trama acabou evoluindo para um conflito aberto, que proporcionou memoráveis cenas de batalha como jamais vistas na franquia. Durou 7 temporadas.

Star Trek: Voyager (1995-2001)

Veio quase como uma resposta aos que não gostaram da ideia estática de DS9. Querem exploração? Aqui vai. A nave Voyager (nome conveniente) esbarrou em uma anomalia espacial que a jogou no quadrante delta, também desconhecido pela humanidade.

A 70.000 anos-luz de casa, era impossível voltar, mesmo em velocidade de dobra máxima, no tempo de vida da tripulação.

O jeito era vagar pelo espaço à procura de uma outra solução. Fãs machistas gostam de implicar, justificando que isso só poderia ter acontecido com uma nave com uma mulher no comando, a capitã Kathryn Janeway (Kate Mulgrew). Vê se pode. Durou também 7 temporadas.

Enterprise (2001-2005)

Foi um passo completamente diferente. Um prequel. Havia boatos de que a ideia era mostrar as aventuras de Sulu na USS Excelsior, nave que ele comanda em Star Trek VI: A Terra Desconhecida (1991).

Mas a série acabou contando a história da primeira  Enterprise, sob o comando do capitão Jonathan Archer (Scott Bakula). Antes de Kirk, Spock e companhia, em uma época em que a Frota Estelar estava ainda se estruturando, sob tutela dos vulcanos.

Muitos dizem que a série começou em uma época pouco interessante e que gastou muito tempo definindo conceitos que os fãs já conheciam bem das séries anteriores. Ou seja, tinha o tenebroso fator whatever.

A série só ganhou velocidade mesmo na 4ª temporada. Mas aí era tarde demais, com a audiência baixa, os constantes cortes de orçamento logo se transformaram em cancelamento.

AO INFINITO E ALÉM

Depois do fracasso de Star Trek: Nemesis nos cinemas em 2002 e da série Enterprise em 2005, Star Trek estava sérios em apuros. Pela primeira vez desde 1987 não havia uma série na TV, tampouco qualquer perspectiva de um filme para o cinema.

A franquia entrara em coma.

Com uma linguagem inteiramente nova sobre o tema espacial, seguindo a nova onda de episódios contínuos em vez do formato tradicional americano de episódios independentes, rápidos, tensos e inteligentes, instaurada pelo espetacular remake de Battlestar Galactica em 2003, Star Trek teria de se reinventar ou morrer de vez.

E essa foi a missão dada a J.J. Abrams: ressucitar Star Trek.

Em uma decisão corajosa, propôs um reboot da série com as figuras mais icônicas da franquia, a própria tripulação original. Visto tudo o que se passou por mais de 40 anos de altos e baixos, parece um conceito inescapável, mesmo sabendo que iria bater de frente com inevitáveis comparações entre os novos atores e as imortalizadas atuações de William Shatner, Leonard Nimoy e cia.

Basta esperar para ver se, a longo prazo, Abrams conseguirá passar pelo seu próprio teste Kobayashi Maru: angariar uma nova geração de fãs e ainda agradar a velha guarda. Sem trapacear!

Nos dias 25 e 26 de abril rolou a FanMixCon 6 ½ em Campinas, que contou com a presença de Alottoni, Azaghâl e Sra. Jovem Nerd, que estiveram lá batendo papo com os fãs, respondendo perguntas no palco e vendendo muitas camisas da Nerdstore!

No entanto no meio dessa “festa estranha com gente esquisita”, um personagem gritou no âmago da Sra. Jovem Nerd. Confira agora o episódio piloto do Diário MEU AMOOOOR da Sra. Jovem Nerd!

Agradecimentos: Dwine Jr., Felipe Ferrari, WeRgeeks, ComboCast e Anderson Gaveta.

Alguns anos atrás, fiz a cobertura de um festival de jazz em Porto Rico. Num dos dias do evento, antes do início da programação, fiquei conversando com um colega estadunidense. Ali, diante do almoço ignorante servido pelo hotel cinco estrelas, com o mar do Caribe à nossa frente, fomos forçados a admitir que, apesar dos pesares, a vida de jornalista proporciona alguns privilégios.

O sujeito então se gabou do fato de que, dos três artistas que em sua opinião eram os maiores compositores de música pop do planeta, ele havia entrevistado dois: Tom Jobim e Paul McCartney (faltava o Stevie Wonder). Senti certa inveja e quis retrucar, mas a única coisa que me veio à cabeça foi que, dos três maiores ícones da minha infância, eu havia entrevistado dois: Renato Aragão e Maurício de Souza. Por isso, apenas balancei a cabeça e entornei uma talagada do meu mojito.

Não faço ideia se o gringo conseguiu completar a listinha dele. Eu sei que eu completei a minha. Com a impressionante marca de 21 milhões de exemplares (contabilizados até 2008), Pedro Bandeira é o escritor infanto-juvenil mais vendido no país. Com clássicos do gênero, como A Droga da Obediência, em seu currículo, o autor é responsável pela formação de gerações e gerações de leitores e – por que não? – de escritores. Simpático, atencioso e bem-humorado, ele é tudo o que se espera de alguém que vive de criar personagens e enredos cativantes para crianças, adolescentes e – por que não? – adultos.

Às voltas com a primeira adaptação de uma obra sua para o cinema e com os planos para escrever uma prequel para A Droga da Obediência, Pedro Bandeira gentilmente nos concedeu uma entrevista exclusiva, na qual falou sobre seus autores e gibis preferidos, sua experiência em teatro e publicidade, o início da carreira literária e, é claro, sobre os Karas.

Aquele jornalista gringo que me perdoe, mas eu sou mais os meus ídolos…

Confesse: você era um nerd quando criança, certo? Vivia mergulhado num mundo de gibis, seriados e filmes?

Fui um moleque solitário, pois meus dois irmãos eram bem mais velhos do que eu. Depois da escola, eu brincava sozinho; até jogava futebol de botão comigo mesmo! Minha principal diversão era a leitura. Eu adorava gibis! Cheguei a pegar o final de O Tico-Tico [emblemática revista infantil brasileira que se manteve em circulação desde 1905 até meados da década de 60]; também acompanhei toda a produção que surgiu depois da Segunda Guerra: Super-Homem, Batman, Tarzan, Fantasma, O Príncipe Valente, Flash Gordon e, principalmente, os gibis de cowboys, como Roy Rodgers, Gene Autry, Hopalong Cassidy e Zorro (aquele que tem como companheiro o índio Tonto; sabe-se lá o que faziam aqueles dois sozinhos no meio das pradarias…).

E cinema! Ah, o cinema! Ainda não havia a televisão e, mesmo depois que ela surgiu, era uma diversão muito cara para a minha classe social, que seria “pobre-alta”, pois já havíamos caído da classe “média-baixa” há tempos. Desde pequeno, tornei-me um cinéfilo. Via tudo o que podia, naquela época em que os bangue-bangues imperavam. Depois, fiquei com os capa-e-espada protagonizados por Errol Flynn, com as comédias de Chaplin, Danny Keye, Jerry Lewis, Oliver & Hardy e os Três Patetas, e, em seguida, com os musicais e policiais.

A consequência foi que a agilidade dos scripts cinematográficos muito me ajudou na construção do meu estilo de escritor – na maior parte dos meus textos, você quase pode “ver” os cortes e a montagem de um filme. Vários de meus livros já foram adaptados para o teatro, mas seu alto custo sempre os impediu de ir para as telonas. Só agora um deles chegará ao cinema: no final deste ano, O Fantástico Mistério de Feiurinha estreará numa produção da Xuxa, em que sua filha Sasha será a protagonista.

Meus pais têm aproximadamente a sua idade. E o único autor que eles se lembram de tê-los cativado na infância foi Monteiro Lobato. O que você lia?

Com os gibis, logo vieram os livros. Eu lia o tempo todo, mas como diversão, não com intenções didáticas – até porque disso não se falava no meu tempo. Lobato foi tudo, tanto para seus pais como para mim. Na minha época, ele era visto como “comunista”, perigoso, e seus livros foram até queimados em praça pública em algumas cidades do Brasil.

Em Santos, onde nasci, o preconceito contra Lobato era forte. Eu era proibido de lê-lo e o fazia às escondidas. Li tudo dele e logo passei para a literatura juvenil estrangeira, pois a brasileira ainda não existia: Mark Twain, Robert Louis Stevenson, Jules Verne, Edgar Rice Burroughs, Edgar Allan Poe, Maurice Leblanc, Rafael Sabatini, Emílio Salgari, Charles Dickens, Victor Hugo, Alexandre Dumas, Emilio Salgari, Jack London, Herman Melville, Daniel Defoe…

Quando e como você se deu conta de que o que queria mesmo fazer da sua vida era escrever livros?

Só aos 40 anos. Desde adolescente, sempre gostei de escrever contos policiais, poemas, sonetos de amor para as minhas paqueras, pequenas peças de teatro. Mas isso pra mim mesmo, como diversão, sem jamais pensar em fazer desses escritos uma futura profissão.

No entanto, desde cedo, paralelamente à tentativa de tornar-me um ator profissional, sempre tirei o meu sustento da capacidade de escrever, exercendo a profissão de jornalista e de redator, porque o teatro paga muito pouco. Em 1972, a Editora Abril, onde eu trabalhava, precisava de pequenas histórias infantis para suas publicações de banca. Comecei a fazer essas historinhas, ganhando como free-lancer. Como eu cumpria os prazos, cheguei a escrever dezenas delas.

No começo dos anos 80, uma querida amiga de infância, hoje a consagrada professora de Literatura Marisa Lajolo, instou-me a escrever um livro de verdade. Assim, em 1982, redigi O Dinossauro que Fazia Au-Au, divertindo-me à beça e procurando escrever como Lobato.

No ano seguinte, o livro saiu pela Editora Moderna, junto com É Proibido Miar – e, pronto, eu já estava infectado pelo prazer de escrever. Fiz então A Droga da Obediência e Cavalgando o Arco-Íris, que foram grandes sucessos. A partir desse ano, 1984, eu “descobri” que queria fazer da minha vida um acúmulo de histórias. Pedi demissão do cargo de diretor de marketing das revistas infantis da Abril e… E foi bom, ora se foi! Aliás, está sendo muito bom!

Os ofícios que você teve antes – ator e jornalista – são, de alguma forma, semelhantes ao de contador de histórias, não?

Sim. Escrever, entender uma peça, representar um papel, dirigir um espetáculo, isso tudo é arte. Mas não significa que jornalistas e atores possam se tornar escritores de ficção.

A propósito: você chegou a protagonizar alguma peça?

Em teatro amador, que eu fazia em Santos com o grande dramaturgo Plínio Marcos, eu sempre fui protagonista. Em São Paulo, a partir de 1961, no teatro profissional, fui protagonista somente em produções de segunda linha. No “teatrão”, sempre fui o quarto índio a contar da esquerda. Protagonizei, sim, dezenas de comerciais de televisão, de 1969 a 1984. Era uma graninha maravilhosa, que muito ajudava meu orçamento.

Agora, a inevitável série “Perguntas que todo fã dos Karas gostaria de fazer”. Primeira: você teve um clubinho secreto na infância?

Só em minha imaginação. Os Karas são uma idealização minha, com base nas turmas da adolescência que todo mundo teve ou tem. Felizmente, eu também tive uma fantástica patota no colégio, em Santos, que se mantém unida até hoje. Os componentes desse grupo continuam meus amigos, mas nunca fomos “secretos” nem “heroicos”.

Segunda: o Colégio Elite, dos Karas, foi inspirado na escola em que você estudou?

Estudei em uma instituição estadual, o Colégio Canadá, em Santos. O Elite não foi baseado nessa escola da minha juventude; é um projeto imaginado por mim, com as características de excelência que eu desejo para todos os jovens brasileiros.

Criei os Karas como meninos ricos, de “elite”, sem problemas pessoais, sociais ou econômicos, pois, se eles os tivessem, isso influiria nas histórias. Para serem independentes e poderem lutar pelos problemas dos outros, eles precisavam ter dinheiro no bolso para o que fosse necessário; precisavam poder viajar de avião na hora em que quisessem e coisas assim. É como o Batman – se o Bruce Wayne fosse pobre, não poderia possuir toda aquela parafernália tecnológica e nem poderia dedicar o seu tempo para enfrentar o Coringa.

Terceira: quem é você? Miguel, Calú, Crânio ou Chumbinho? Se quiser dizer que é a Magrí, não tem problema…

Os Karas são um só personagem, desdobrado em cinco: uma persona que tem a liderança e a seriedade de Miguel, a inteligência de Crânio, o charme e o talento de Calú, a agilidade, a coragem e a beleza de Magrí, e a alegria, a vivacidade e a sem-vergonhice de Chumbinho. Eles não são eu; são o meu sonho de perfeição.

Tenho que confessar que, dos Karas, eu só li A Droga da Obediência, Pântano de Sangue e Anjo da Morte. A série tem um final? Ou uma conclusão planejada?

Não pensei nisso. Atualmente, ando tentando escrever uma história que seria algo como a aventura “número zero”, ocorrida antes de A Droga da Obediência e que revelaria como a turma dos Karas foi formada. Vamos ver se consigo… Mas nunca pensei em algo “final”.

Os Karas não têm fim, nunca desaparecerão. Eles foram criados em julho de 1983 (o primeiro livro saiu em 1984) e seus primeiros leitores teriam hoje algo em torno de 35 anos. No entanto, jovens que têm hoje 10, 11 ou 12 anos continuam lendo e gostando deles. Isso talvez signifique que os Karas já são um clássico, que atravessou seu próprio tempo e pode durar ainda muito tempo.

A Magrí decide, em algum momento, com quem ela quer ficar?

Isso é porque você ainda não leu A Droga do Amor… Nesse livro, ela se decide, sim. Por quem? Não vou contar, senão estraga a surpresa. Ela escolhe um deles, mas não declara abertamente, pois sabe que os dois não-escolhidos (o Chumbinho não conta, pois é muito novo) sofreriam com isso e a turma correria o risco de dissolver-se. Assim, pela união de todos, pelo amor que tem por todos, Magri esconderá seu grande amor.

Em Anjo da Morte, o episódio que funciona como ponto de partida pra toda a trama acontece momentos antes da estreia de uma montagem de Rei Lear, de Shakespeare. Não é difícil imaginar que, como ator, você tenha um apreço especial pelo texto teatral. Mas, e como escritor? Qual a influência que o bardo inglês pode ter sobre o trabalho de um escritor infanto-juvenil?

Shakespeare é o grande autor da minha vida. Eu já usei suas peças duas vezes: em Agora Estou Sozinha está Hamlet e em A Hora da Verdade está Otelo. Shakespeare me mostrou que, quando se trabalha com os sentimentos humanos, uma obra de arte jamais morrerá porque, ainda que a tecnologia e o modo de viver evoluam, sentimentos como amor, paixão, ódio, inveja, cobiça e ciúme, fazem parte da vida humana e nunca desaparecerão.

Além dessas duas citadas, você escreveu outra brilhante adaptação de um texto teatral pro público mais jovem – Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand, virou A Marca de uma Lágrima. Não sei se sua intenção foi exatamente essa, mas você já foi abordado por jovens dizendo que começaram a se interessar por literatura clássica por causa dos seus livros?

O meu maior prazer é ouvir ou ler e-mails e cartas de leitores que confessam: “Pedro, antes eu detestava ler, mas, depois que li tal livro seu, me tornei um(a) leitor(a) voraz”. Logo no final de 1984, um ou dois meses depois que A Droga da Obediência foi publicado, recebi uma carta de uma menina chamada Núbia, que dizia ter passado a gostar de ler com aquele livro, que havia sido o primeiro que conseguira ler até o fim.

Essa menina tornou-se minha amiga e continuamos a trocar correspondência. Quatro anos depois, em 1988, uma carta dela comentava que estava lendo naquele momento Odisseia, de Homero, e Canaã, de Graça Aranha! Em quatro anos, por causa de A Droga da Obediência, uma menina passou do ódio à leitura para um livro pesado como Canaã, que eu jamais li e nem pretendo ler! Esse é o meu prazer e a minha missão: criar leitores, como Lobato me criou.

Foi difícil convencer os editores de que uma ideia maluca como essa – adaptar tragédias shakesperianas pra molecada – poderia dar certo?

Felizmente, tive sucesso logo que comecei a publicar e meus livros são aceitos sem discussões, pois os editores estão cientes de que eu, melhor do que eles, sei como conquistar leitores. Se algum editor soubesse, melhor do que eu, como escrever um bom livro, pediria demissão de seu emprego e tornar-se-ia um escritor capaz de vender mais do que os meus 400 mil exemplares anuais.

A impressão que eu tenho é que o principal desafio de se escrever pro público infanto-juvenil é que você não pode jogar temas ou estruturas demasiadamente complexas em cima da garotada; ao mesmo tempo, não pode tratá-los como idiotas. Como é que você consegue atingir esse equilíbrio?

Posso sim! Analise minha obra e veja que eu uso estruturas complicadas e levanto o tema que eu quiser para eles: já falei de nazismo, de holocausto, de política internacional, uso personagens que falam “portunhol”, espanhol, inglês, francês e até russo! É só tratar o leitor como igual, não importando a idade que ele tenha.

Quando criança, eu tinha a ideia fantasiosa de que você, a Stella Carr, o Marcos Rey e o João Carlos Marinho eram todos amigos e se reuniam regularmente. Como se fosse, sei lá, um tipo de Academia Brasileira de Letras Jovens. Qual sua relação com outros autores do segmento?

Fui muito amigo de Stella Carr e de Marcos Rey, ambos infelizmente já falecidos. Conheço e admiro demais João Carlos Marinho, mas, como moramos em cidades mais ou menos distantes, só nos vemos em bienais e feiras de livros, mesmo assim de modo meio apressado.

Sou muito amigo de Ruth Rocha, Ziraldo, Eva Furnari, Marcia Kupstas, Ana Maria Machado, Luiz Antonio Aguiar, Rosana Rios, Rogério Barbosa, Leo Cunha, Júlio Emílio Braz, Bartholomeu Campos Queiroz e tantos outros. Não é sempre que nos encontramos, então trocamos e-mails e mantemos viva nossa amizade e a admiração que nutrimos um pelo outro. No meu ramo, não há rivalidade, não há ciúmes. Somos todos soldados em uma mesma batalha e não há desertores, nem traidores.

Você sente que a literatura infanto-juvenil é subestimada?

Não pelos leitores, que são o que nos importa. Talvez haja, sim, setores da academia que nos menosprezam, mas os cães ladram e a caravana passa.

Pra finalizar: o Alottoni, idealizador e CEO do Jovem Nerd, tem uma gíria que logo passou a ser adotada por todos os nossos leitores: “megaboga”. Qualquer coisa que extrapola uma qualificação positiva é “megaboga”. Você faria algum dos seus personagens dizê-la? Tenho certeza que o público do JN em peso iria comprar o livro…

O problema é que um escritor para jovens não pode usar a gíria do momento, porque o momento passa e um livro é feito para durar. Essa é uma dificuldade que temos: não é possível utilizar-se do que se chama “linguagem do jovem”, pois, além de as gírias serem efêmeras, elas não são as mesmas em todas as partes do país. Temos de usar somente a norma culta, sem esnobações, é claro.

Quando uma personagem está apaixonada, como está Isabel em A Marca de uma Lágrima, como dizer isso? Que ela está “gamada” pelo garoto? Que ela está “vidrada” por ele? Não tem jeito – o jeito é dizer que ela está “apaixonada” mesmo, porque assim todo mundo vai entender meu livro para sempre.

Como todo hit de Youtube, também ganhou várias versões zoadas, mas a melhor e mais Nerd, sem dúvida, foi a produzida com o veterano CHAD VADER. Veja (em inglês sem legendas)!

E por que não DARTH VADER after dentist? (by Maurício Ricardo)

Em janeiro de 2009, Alottoni e Azaghâl se aventuraram no maior encontro de Nerds, Geeks e Freaks do Brasil, a Campus Party 2009.

Nesta parte 2: Confira um pouco do painel sobre podcasts, a revolta dos nerds, e a estrada para a vitória do time Jovem Nerd!

Vídeo sagazmente editado pelo mago Anderson Gaveta!

VEJA AQUI A PARTE 1! (versão mais leve que a anterior)

Vin Diesel pode surpreender numa conversa. Marcado como ícone de ação, esse ator nova-iorquino é sempre reverenciado por seus colegas de elenco e, diferente de atores politicamente corretos, não tem medo de expor seus erros. Vin é um belo exemplo de gente que muda completamente quando os holofotes se acendem e as câmeras começam a filmar.

Longe do valentão das telas, ele mostra por que é idolatrado por Michelle Rodriguez e como consegue inserir tanto carisma em alguns de seus personagens. Sua voz não é cavernosa ou intensa como a de seus personagens, os braços não param de mexer – como todo descendente de italiano que se preze – e não há uma palavra que saia de sua boca sem uma certa reflexão.

É uma surpresa atrás da outra. Conversei com o astro depois assistir ao novo Velozes e Furiosos, e, claro, consegui, com exclusividade, informações sobre o próximo filme de As Crônicas de Riddick. Confira e, dessa vez, quem começou falando foi ele. Com um sorrisão largo e toda a empolgação de pai coruja, Diesel sentou-se à mesa já falando sobre sua filha.

Quando vi meu anjinho pela primeira vez, algo muito esquisito aconteceu: ela tinha os olhos do Riddick. Medo, muito medo! Depois isso mudou, mas fiquei cabreiro.

E você conseguiu mesmo manter o segredo em torno do nascimento dela, hein?

Não contei para ninguém que ela nasceria. Saí do set e depois esperar umas oito horas (risos) e, no exato momento em que cortava o cordão umbilical, já estava uma hora atrasado para o trabalho. E aí saí correndo e, no meio de tudo isso para trabalhar.

Por quê o sigilo?

Não queria minha filha chegando nesse mundo com câmeras para todos os lados. Não podia deixar que os paparazzi e outros curiosos me roubassem esse momento sagrado e extremamente íntimo. Essa perspectiva me transformou numa pessoa muito protetora e por isso resolvi não contar para ninguém antes do parto.

Na manhã seguinte, tive uma reunião com a chefe do estúdio e ela me disse, toda feliz e espalhafatosa, “eu teria te dado a semana de folga, ter um filho é maravilhoso!”. Mas eu sabia que se tivesse contado, nunca teria entrado naquele hospital com toda a confiança e tranqüilidade que me guiou naquele momento. Foi tudo normal e era o que eu queria.

Você acredita em casamento?

Acho que a idéia ou a instituição do casamento requer uma grande discussão, envolvendo todo mundo, se possível, sobre “até onde queremos continuar uma sociedade baseada no casamento?”.

Não sei a resposta. Acho que funciona em alguns casos, Obama, por exemplo, não seria quem ele é hoje não fosse pelo casamento. Porém, vemos cada vez mais casos de pessoas que optam por não se casarem. Isso não nos diz algo? Não gosto de falhar nas coisas e com uma taxa de divórcio em torno de 56%, precisamos pensar.

Como você mantém o equilíbrio na sua vida?

Sempre foi complicado gerenciar essa vida pública com minha vida pessoal. De certo modo, nunca tentei fazer isso, aliás. Sou reservado, fui acusado de ser um recluso e coisas do tipo.

Não danço conforme a mídia. E talvez seja pelo fato de que meus modelos também não faziam isso, então, conforme eu crescia – sempre sonhando em ser um ator -, passei a admirar mais ainda seu trabalho, sem me distrair com fofocas pessoais.

Por exemplo, nunca soube muito sobre a vida pessoal de Robert DeNiro, ele não estava em cada canto de Hollywood, não apareceu na capa da Vanity Fair ou da People quando se casou e etc. Isso tudo permitiu que seus papéis tivessem mais integridade.

Mas agora é mais difícil fazer isso.

Absolutamente. Hoje em dia, um telefone pode gerar muito conteúdo. Se pensarmos que boa parte do noticiário da TV é baseada em imagens amadoras feitas por telefones celulares – não estou falando de câmeras amadoras como antigamente, são apenas telefones! – ou câmeras portáteis.

Isso sem falar do YouTube. No passado de Hollywood, Carmem Miranda ou Clark Gable não precisavam se preocupar com o que faziam dentro do supermercado ou no McDonalds, pois sabiam que não havia equipamento para registrá-los em situações cotidianas.

Hoje em dia, o tipo de cereal matinal que eu compro pode virar notícia. É insano. Entretanto, o verdadeiro medo que tudo isso gera não é causado pelo fato de se preocuparem com o tipo de cereal, mas sim por esse exibicionismo desregrado e fora de foco. As pessoas não se contentam apenas em acompanhar a vida de outro ser humano, elas se entretêm com essa falsa sensação de relevância que o trabalho pode nos conferir, mas que, na verdade, não existe.

O fato de você se manter alheio a isso influencia sua capacidade de diferenciar tão bem um personagem do outro?

É um dos fatores, sem dúvida. Prefiro passar mais tempo com meus personagens do que com essa badalação. Meu envolvimento é tão grande que, em alguns casos, preciso esperar dez anos para voltar a ter contato com eles. É o caso de Dominic Toretto. Entendia esse personagem como algo finalizado, portanto parti para outras praias.

E qual a razão de retomá-lo agora?

O dinheiro é bom, claro. Mas se fizesse isso por dinheiro, estaria milionário fazendo todas as continuações que me ofereceram ao longo da minha carreira. Voltei por algumas razões. Uma delas, acredite se quiser, foi ter trabalhado com Sidney Lumett (que o dirigiu no drama sobre máfia Find Me Guilty). Embora eu pareça ser um ator de filmes de ação, comecei no teatro e fui treinado como todo ator. Meu pai ensinava teatro em Nova Iorque, então era inevitável.

Mas se eu ficasse fazendo filmes desse tipo até dizer chega, talvez nunca tivesse a oportunidade de trabalhar com alguém como ele, que sempre foi um de meus heróis, coisa que pouca gente percebe. Fazer esse filme me deu bastante liberdade de voltar a pensar na franquia Velozes e Furiosos, pois permitiu mostrar outro aspecto da minha atuação.

A outra coisa foi meu alto nível de exigência em termos de roteiros. Muita gente insistia para que eu fizesse aquela ponta em Desafio Tóquio, mas não fazia sentido para mim, afinal, o que ele estaria fazendo no meio no Japão sem os outros personagens e só no fim do filme?

E o que te fez mudar de idéia?

Meu instinto. Fiquei pensando no quão interessante reintroduzir a idéia de Dom nessa série e ver o que acontecia. Mas ele precisava ter seu próprio espaço, como se aquele momentinho fosse algo a parte do resto do filme. Mesmo assim, precisei de muito autoconvencimeto antes de aceitar o papel.

Cheguei à conclusão de que não poderia ser tão exigente com o roteiro inteiro, se meu trabalho seria apenas focado naquele final. O personagem falou mais alto, afinal, não posso ser tão possessivo com uma figura que foi aceita de forma tão positiva e definitiva pela cultura do cinema.

É aquela coisa, mesmo tendo sido incluído depois que o filme estava pronto, era uma questão de ar público o que o público queria.

O que, afinal, é o trabalho de um ator. Certo?

Perfeitamente. E muita gente veio dizer: “não dou a mínima para saber o que ele estava fazendo ali e por que diabos resolveu aparecer só no final, mas quero ver Dom novamente!”. O público tem prestigiado Velozes e Furiosos há anos e se perguntam “onde está Dom?”, então merecem essas surpresas e poder vê-lo, mesmo que seja só um pouquinho. É o direito deles.

Mas precisa existir uma razão maior que demanda de público ou seu autoconvencimento. Qual foi o verdadeiro motivo por trás disso tudo? Se não foi dinheiro…

Ok, vou contar. Muita gente da Universal não sabe disso. Fiz aquela ponta sem ganhar um centavo, absolutamente nenhum dinheiro. Participei do filme por causa de uma música.

Música?

Explico. Disse a eles: “vou participar, contanto que Dom seja reinserido com uma música específica”. Ninguém entendeu nada e fizeram a mesma cara de interrogação que você está fazendo. Falei diretamente com a presidente da Universal sobre isso e eles concordaram.

Escolhi uma música que ouvi nas ruas da República Dominicana, durante uma de minhas viagens para abrir uma escola de cinema, parte da Global Film Foundation. O presidente me pediu para ajudar a aumentar o mercado cinematográfico lá, então a primeira coisa foi criar a escola. Meu pai ensina cinema na NYU (New York University), então pudemos inserir esse currículo lá.

Acabamos de filmar Los Bandeleros, curta-metragem que faz a ponte entre o primeiro Velozes e Furiosos e o novo filme, e os alunos dessa escola realizaram o filme. Foi fantástico. Então, a música – chamada Los Bandeleros, de Dom Omar e Tego Calderon – foi a razão. Não faz o menor sentido Dom estar em Tóquio e, ainda por cima, com uma trilha sonora em espanhol. Mas tudo vai fazer sentido agora.

E também já serve como ponto de partida para o novo Velozes e Furiosos…

O novo filme vai focar numa crise de combustíveis na República Dominicana. A situação está complicada e é praticamente impossível conseguir gasolina para passar o fim de semana sem pagar uma fortuna. E é aí que Dom e seus amigos entram na história. É ali que os reencontramos, roubando combustível.

Em que pé está Hanibal? Foi cancelado? É seu sonho, não?

Gente de sucesso diz isso: se você não pode fazer tudo que quer, faça o que puder. Estou fazendo uma série animada sobre Hanibal. Sou fã de Bashki, Frezeta e adoro animação.

Então, essa é a minha chance de animar algo animado. Essa animação vai servir como prequel do filme. Já o filme, nunca parou de ser produzido. O problema é que em Hollywood, aqueles projetos do coração são os que demoram mais tempo e são os mais difíceis de acontecer.

E quando as pessoas ficam com medo de um orçamento de US$ 200 milhões, metade do caminho é convencer os executivos de que não é tão caro assim. O filme está passando por esse momento. Espero que a série animada seja prova suficiente de que meu comprometimento com o filme nunca tenha esmorecido.

Você comentou que escolhe seus roteiros com muito critério. Mas como podemos entender isso ao passo que você escolhe algo tão bom quanto As Crônicas de Riddick, mas, ao mesmo tempo, erra absurdamente com Babylon A.D.? Pelo menos a meu ver, erro…

E você está certo. Embora não seja o modus operandi do mercado, vou responder a verdade. Às vezes, você resolve desviar um pouco seus conceitos do caminha que trilha normalmente para buscar novidade. E isso pode voltar e te incomodar pelo resto da vida. Literalmente.

Podia ter sido mais exigente com Babylon AD, sem dúvida. Não estávamos prontos para filmar quando começamos. Havia uma bola de neve formada antes mesmo do primeiro dia de produção e aconteceu de estarmos ali, prontos para filmar, mas sem as condições ideais – especialmente em termos de roteiro – para fazer o que realmente gostaríamos.

Em Hollywood, quando é um grande estúdio, eles exigem mais nesses aspectos e as chances de que algo assim aconteça são melhores. Em Babylon AD, trabalhei fora de Hollywood, intencionalmente.  Não me arrependo, pois foi uma oportunidade fantástica de aprendizado. Embora o filme não tenha sido um sucesso, meu pai me deu um dos melhores elogios até hoje por esse trabalho, então teve seus momentos.

Para fechar, quando Riddick volta ao cinema?

(pausa) Estamos a caminho do Subverso e estou cansado de ser bonzinho (risos). Não vamos fazer essa jornada com censura livre, pode apostar. Vamos ao Subverso com apetite para sangue. Eu e David Twohy estamos avançando rapidamente com o filme.

Ele está finalizando o roteiro e decidimos muito do que vai acontecer. Pretendemos ter uma história tão empolgante quanto a de As Crônicas de Riddick e contada com o mesmo clima de Eclipse Mortal.

Vai produzir esse novo filme também?

Você gosta quando eu produzo filmes, hein?

Velozes e Furiosos ficou bom, então por que não?

Sim, vou ser produtor do novo filme de Riddick e acredito que conseguiremos dar um tom assustador a esse Subverso. Agora é aguardar e conferir.

Mais entrevistas em breve aqui ou no SOS Hollywood!

Em janeiro de 2009, Alottoni e Azaghâl se aventuraram no maior encontro de Nerds, Geeks e Freaks do Brasil, a Campus Party 2009.

Lá deram palestra sobre podcast, se divertiram, encontraram amigos e personalidades do internet. Como todo nerd gosta, uma verdadeira farra ao redor de uma megaboga conexão de 10Gb.

Confira a primeira parte do vídeo sagazmente editado pelo mago Anderson Gaveta!

Veja aqui a PARTE 2!

Em meio a uma tempestade de informações, discussões, expectativas e opiniões geradas pela estréia do filme de Zack Snyder nos cinemas, é natural que venha à tona um questionamento primordial: Mas Watchmen é isso tudo mesmo?

A resposta a essa pergunta pode variar de acordo com o gosto de cada um, mas independente de variadas e calorosas interpretações, a publicação tem um único, inegável e intransferível valor para o universo dos quadrinhos.

Entre 1986 e 87, as 12 edições de Watchmen cairiam como um assombroso e impressionante cometa, destruindo paradigmas e conceitos muito bem estabelecidos em mais de 40 anos de cultura de heróis fantasiados.

A inédita perspectiva de Alan Moore, aliada à arte de Dave Gibbons e cores de John Higgins não só se tornou um sucesso instantâneo de crítica dentro e fora do mundo dos quadrinhos, mas como também um fenômeno de vendas que colocou a DC Comics, mesmo que temporariamente, à frente da campeã Marvel Comics.

Para entender melhor o que esse fenômeno representa, é necessário nos alinharmos com a genial mente de Alan Moore. Antes dele, ninguém nunca havia feito uma análise crítica e realista ao gênero dos super-heróis. Aliás, talvez nem houvesse razão, visto imensa suspensão de descrença necessária para se assimilar aquelas figuras coloridas de cuecas por cima das calças.

Tal tarefa era naturalmente o ofício de crianças e adolescentes, que não precisavam (nem deveriam) questionar o âmago de suas fantasias e aventuras. No entanto, Moore conseguiu captar e traduzir uma idéia que acompanhou uma geração inteira de fãs, que mesmo depois da vida adulta, ainda tinham olhos para seus heróis mascarados.

Segundo Moore, o objetivo era analisar a relação do ser humano com o poder. Neste âmbito, o pano de fundo escolhido foi o medo da guerra nuclear representado pelo conflito soviético no Afeganistão, algo real e contemporâneo à publicação da Graphic Novel.

Não obstante, as similaridades com o nosso mundo cessariam por aí, pois o aspecto mais importante por traz do complexo cenário de Watchmen seria, em essência, a alma da história.

O MANIFESTO SUPER-HOMEM

Se abrirmos uma revista mensal do Super-Homem, o veremos lutando contra as artimanhas de Lex Luthor, monstros mágicos e invasores alienígenas. Metrópolis enfrentará hecatombes de proporções bíblicas, mas no fim do dia, tudo voltará ao normal.

Não só isso, o mundo à sua volta e eventos históricos permanecem imaculados como conhecemos. Se subtraíssemos os super-seres e as super-ameaças, teríamos como resultado essencialmente um reflexo de nossa realidade.

A proposta de Alan Moore era outra. Se o Super-Homem realmente existisse, não teria sua simples presença moldado inevitavelmente nossa sociedade em algo profundamente distinto do que conhecemos?

Watchmen deu, pela primeira vez, uma interpretação política para os heróis.

Em uma homenagem à Era de Ouro dos quadrinhos, os Minutemen surgem na mesma época, entre os anos 1930 e 40, como a primeira expressão do vigilantismo mascarado. No entanto, a análise em questão ainda não está no comportamento de super-seres, já que não existe nenhum no primeiro grupo de heróis, e sim no de pessoas comuns, que escolheram se fantasiar e combater o crime.

Mas até mesmo a idéia de usar uma fantasia para bater em bandidos é analisada e ridicularizada na sociedade de Watchmen, como seria na nossa. Um dos membros do grupo, o Coruja, relata que quase morreu quando um bandido deslocou sua máscara, tapando sua visão. Quem não teve tanta sorte foi Dollar Bill, que teve sua capa presa em uma porta e morreu sob tiros de assaltantes de banco.

Detalhes bizarros muito bem construídos por Alan Moore, que se refere a tudo isso como uma piada cínica sobre super-heróis.

Que motivações reais poderiam levar alguém a este ponto? E de que forma eles se relacionariam entre si e com a sociedade? De que forma seriam diferentes de políticos, policiais, milícias ou qualquer grupo de autoridade que conhecemos? A resposta é: Não seriam.

Como é que a Psylocke, desfilando na Mansão Xavier de maiô cravado na bunda, nunca ouviu um comentário maldoso do Wolverine? Em Watchmen, a questão sexual dos mascarados não é só debatida, como levada até as últimas consequências.

Essa discussão se aprofunda muito mais com o surgimento do Dr. Manhattan em plena guerra fria, o único super-ser de fato, que é o cerne do argumento, muito bem estabelecido na trama pela referência: “Deus existe e ele é americano.”

Neste ponto começam as verdadeiras mudanças sociais e históricas em Watchmen, afinal como poderiam os EUA serem humilhados no Vietnã quando aliados a um deus?

REALIDADE ALTERNATIVA, HERÓIS DISTORCIDOS

Estabelecido o parâmetro díspar, o resultado dessa equação é um 1985 muito distante do que conhecemos. Tanto pelo progresso científico proporcionado pela mente e habilidades do Dr. Manhattan quanto pelas implicações políticas dos novos heróis.

No entanto, este admirável novo mundo se inclina mais para uma distopia que o contrário, quando o romantismo dos vigilantes mascarados se desfaz em consequências sociais que levam a uma greve da polícia, em protesto contra as insustentáveis e questionáveis atividades mascaradas. O resultado é a Lei Keene, colocando o vigilantismo na ilegalidade.

Qualquer autoridade responde a uma superior. A polícia responde ao governo, o governo responde ao povo. E os mascarados? A quem respondem? O que acontece é um resgate natural e do pensamento do poeta romano Juvenal “Quis custodiet ipsos custodes?” ou “Quem guarará os guardas?” ou “Quem vigia os vigilantes?”.

Como constantemente pichado nos muros da cidade: “Who watches the watchmen?”.

Aliás, essa é a única menção do nome Watchmen na história. Na verdade, nunca houve um grupo oficial de heróis depois dos Minutemen, apenas uma tentativa de formar o que seria chamado de “Combatentes do Crime” em 1966, com a segunda geração de heróis.

Estes trabalharam sozinhos ou em parcerias temporárias, mas nunca funcionaram como uma equipe.

O mais interessante são os mergulhos feitos nas origens de cada um desses personagens durante a trama, que revelam-se em cabais desconstruções da figura do herói, e em alguns casos levantam a questão de se o mundo não estaria melhor sem eles.

DR. MANHATTAN (Jon Osterman)

O único super-ser. Antes um cientista que teve acidentalmente seu corpo desintegrado em um experiência com campos intrínsecos, acabou se reconfigurando em uma figura semi-divina.

Pode ser considerado um benefício ou um perigo para a humanidade. Em tese, sua presença era uma mensagem clara aos comunistas de que a América detinha um poder supremo e indestrutível. Por outro lado esse poderia ser mais um motivo para a aceleração da corrida armamentista e a precipitação de uma guerra nuclear.

Mesmo com seus poderes quase ilimitados e sua onipresença temporal, o Dr. Manhattan vive em uma balança entre suas emoções humanas e sua indiferença divina. É sem dúvida o personagem mais complexo e enigmático de Watchmen. Talvez o salto mais extenso de Alan Moore na contemplação do imaginário, da filosofia e da ficção-científica.

RORSCHACH (Walter Kovacs)

Seu codinome é atribuído ao fato de sua máscara (ou face, como ele mesmo diz) mimicar os testes psicológicos de Hermann Rorschach, feitos através de pranchas com manchas de tinta simétricas.

Assim como o Dr. Manhattan representa o poder do Super-Homem, Rorschach é um retrato mais realista de Batman neste universo. Segundo Moore, um investigador com traumas de infância e consequências muito mais densas, que resultam em um homem de valores distorcidos, obsecado por uma vingança impalpável e em constante agonia psicológica.

A história de Rorschach é a mais assustadoramente real de todas e acontece todos os dias com milhares de pessoas. O tamanho da psicose em sua mente é um efeito irrefutável de sua aterradora vivência. A única diferença e que ela foi direcionada à punição do mal. Ou assim ele pensa.

COMEDIANTE (Edward Blake)

Podemos ver uma versão niilista do Capitão América encarnada no Comediante, aliás, talvez uma das faces mais verdadeiras da America. Cruel, cínico, egoísta, o Comediante é muito parecido com o Coringa de Batman – O Cavaleiro das Trevas (filme), ignorando convenções sociais e em sua crença de abraçar o caos para realmente entender como o mundo funciona.

ESPECTRAL II (Laurie Juspeczyk)

É uma bagunça emocional. Influenciada pela mãe (Espectral dos Minutemen nos anos 40), assume seu legado sem realmente entender as consequências disso. Era um caminho fácil e estava à sua frente, parecia lógico e justo, mas como em muitos casos reais, foi uma escolha que a acabou levando a uma vida vazia.

OZYMANDIAS (Adrian Veidt)

Inspirado em Alexandre, o Grande, Veidt foi um herói idealista, mas incompreendido. Mas título de ”homem mais inteligente do mundo” pode ser encarado, a princípio, como uma grande ironia da doutrina americana do consumismo, já que foi o único que se transformou em uma marca. Quase como um político, usou sua popularidade em prol de si mesmo, criando um império de produtos, merchandising e auto-ajuda.

No entanto, do alto do trono de seu império, Veidt se apresenta em sua intimidade sempre com uma expressão de tristeza e melancolia, como se soubesse que há algo terrivelmente errado com toda essa situação.

CORUJA II (Dan Dreiberg)

Talvez o mais sensato da nova geração de vigilantes, também faz alusão a Batman fantasiando-se como um animal noturno e com uma garagem cheia de gadgets. Mas em contraponto, suas motivações são românticas, baseadas em seu gosto por histórias de heróis e admiração por Hollis Mason (Coruja dos Minutemen).

No entanto, depois da Lei Keene, que tornou os heróis ilegais, se aposenta e vive uma vida sem propósito, à beira da depressão.

VILÃO INVISÍVEL

Apesar de existirem adversários tão loucos e fantasiados quanto os próprios vigilantes, em Watchmen, a falta do super-vilão desequilibra a equação debatida anteriormente. Sem super-desafios, restam aos heróis combaterem a intangível tragédia social que os cerca.

Mais uma vez cabe o questionamento: Qual é a eficácia de um herói sem vilão?

Seria a mesma de querer curar uma doença com analgésicos. Por mais que os vigilantes espanquem, prendam ou matem líderes do submundo, assim como acontece com polícia e bandidos na vida real, a verdadeira solução nunca é alcançada. Não há dedos suficientes para tapar todos os buracos de uma represa prestes a romper.

O ponto mais importante levantado por Alan Moore na série, é justamente como salvar a humanidade de si mesma. E qual é a relação desses malucos fantasiados com esta verdade? De que forma eles realmente poderiam fazer a diferença? E até onde eles mesmos foram responsáveis pelo caos que os cerca?

A RIQUEZA DE UM UNIVERSO

Watchmen conta uma intensa história de conspiração e mistério que se mantém até a última edição. Mas não é só no thriller que está a riqueza da Graphic Novel.

Alan Moore e Dave Gibbons criaram um universo inteiro, cheio de detalhes, signos e tantos níveis de compreensão, que é comum ainda ser surpreendido na 3ª ou 4ª releitura.

Apesar do relógio do apocalipse se aproximando da meia-noite ser um forte símbolo, a série acabou sendo representada pela imagem do smiley face, a carinha feliz manchada de sangue, que é um ícone perfeito para o motivo da série, a desconstrução do inocente universo dos super-heróis em uma fria e cruel realidade.

O smiley pode ser visto por toda a série como um tema recorrente, desde em faíscas de cabeça para baixo nos hidrantes elétricos, até na cratera de Galle em Marte (que realmente existe).

O espirro de sangue também se repete, às vezes como água, tinta ou mancha. Sempre presente em elementos significativos da trama, como um aviso, como uma exclamação.

Moore e Gibbons também mergulharam em uma viagem metalinguística inesquecível em Contos do Cargueiro Negro.

Através de um jornaleiro de uma banca de jornal de esquina, o leitor é apresentado ao cotidiano das pessoas comuns, indo e vindo, discutindo manchetes de jornais, seus medos e angústias. Em meio a tudo isso, um rapaz lê uma revista em quadrinhos.

A história dentro da história funciona como um artifício de sincronia entre fantasia e realidade, descrevendo paralelos entre o marinheiro perdido e as motivações e psiquês dos vigilantes de Watchmen. Também é uma brincadeira com o próprio universo.

Idéia de Dave Gibbons, em um mundo em que heróis mascarados existem de verdade, a fantasia dos quadrinhos fugiria deste tema, já saturado pela imprensa e medos populares, desviando-se para outros mitos, como por exemplo, histórias de piratas.

Watchmen sempre foi considerado por muitos como uma obra infilmável. O próprio Alan Moore defende isso até hoje. Aliás, essa foi, em espírito, sua intenção declarada ao escrever uma história repleta pequenos e minuciosos detalhes, easter eggs, múltiplos níveis de narração e compreensão.

O fenômeno justifica-se não só pelos seus méritos técnicos, mas como por influência que pode ser vista até hoje nas HQs Os Supremos, Alias (a detetive ex-Vingadora), Poder Supremo e outros selos adultos Marvel. E também fora delas, como por exemplo em Lost (influência declarada pelos produtores), Heroes, Os Incríveis e na narrativa realista dos novos filmes de Batman, de Christopher Nolan.

Este é o valor de Watchmen, embora possa parecer estranho para quem não se interessa por super-heróis, certamente transcende os círculos de seu meio, como demonstração do pináculo do talento artístico na criação de uma verdadeira obra-prima literária. Mesmo que esteja disfarçada com roupas coloridas e cuecas por cima das calças.

O Oscar específico para o cinema de animação é um fato recente: Desde 2001 esse importante setor do cinema passou a ser mais valorizado pela Academia.

Com isso, curtas não tão comerciais como Father and Daughter (melhor curta animado de 2001), Harvie Krumpet (2004) ou The Danish Poet (2007) passaram a ser assistidos, não apenas pelo público especializado e freqüentadores assíduos dos festivais de animação pelo mundo afora, mas como também por todos aqueles que são apreciadores de todas as faces da sétima arte.

Para se ter uma idéia, Ryan, curta de Cris Landreth, vencedor do Oscar de 2005, é um documentário animado que conta a vida de Ryan Larkins, famoso animador canadense independente, que estava em destaque durante a década de 80 mas que depois de 20 anos vivia mendigando nas ruas do Quebec. Esse curta rendeu, além do Oscar a Chris, o retorno de Ryan aos seus trabalhos até sua prematura morte no ano passado.

Os Curtas animados indicados em 2009

As animações de 2009 têm um curioso ponto em comum: nenhum possui diálogos. O que requer um maior esforço do animador, pois a expressão dos personagens torna-se o aspecto principal da comunicação com o público. A grande vantagem disso é que o curta pode passar em todos os países sem a temível legenda que costuma roubar toda a atenção da arte na tela.

Mas vamos aos indicados. Alguns ainda se consegue ver no You Tube. Infelizmente nem todos:

PRESTO

Começo por esse por dispensar comentários. Todos que viram o longa Wall-E, da Pixar, foram presenteados com Presto.

A divertida história do Mágico que é torturado pelo seu coelho durante uma apresentação é um festival de comédia com muitas piadas fantásticas, timing perfeito e milhares de referências ao mundo da animação (quem não reconheceu o chapéu de “Aprendiz de feiticeiro”, famosa sequência de fantasia onde Mickey brinca com as ondas ?).

A Pixar continua a ser uma das poucas empresas de grande destaque a permanecer como um dos indicados a essa categoria (merecidamente).

THIS WAY UP

O curta britânico This Way Up talvez seja o de menor destaque dessa lista, com o típico humor britânico, a história macabra dos coveiros atrapalhados que passam por altos sufocos para conseguir enterrar uma pobre velhinha não traz tantas inovações, mas não deixa de ser divertido.

Confira o trailer.

LAVATORY – LOVE STORY

O russo Konstantin Bronzit é uma figurinha carimbada nos festivais de animação mundo afora. Um de seus mais conhecidos trabalhos é At the End of the Earth, sobre uma pequena casa que fica balançando no alto de uma colina.

Em Lavatory Love Story, com uma técnica 2D e uma ótima mistura de P/B com cores e com um excelente humor, Bronzit conta a história de uma grande paixão de uma guarda de banheiro. A Academia está atacada e tirando os curtas do You Tube, mas acredito que, em 2 semanas ele esteja de volta.

Não deixem de conferir.

LA MAISON EN PETITS CUBES (VENCEDOR DO OSCAR)

Uma animação japonesa de Kunio Kato que não segue a estética de Anime. Esse curta é, como diria o Jovem Nerd, poesia pura: Em pleno planeta terra submerso um velhinho que vai construindo sua casa em cima da casa anterior para não ficar embaixo d´água, literalmente dá um mergulho nas lembranças de sua vida.

Premiado em Annecy (o maior festival de animação do mundo), foi um dos premiados do último Anima Mundi. Recomendo aos nerds que nos próximos meses dêem uma pesquisada no You Tube para ver se conseguem a versão completa.

Por enquanto o curta ainda está rodando pelos festivais e por isso é exigido ineditismo na web. Mas confiram um pedaço aqui.

OKTAPODI

A escola francesa de artes Gobelins é uma das mais respeitadas do mundo por sempre ter um fantástico portifólio de seus alunos. Agora tem mais que um portifólio, tem uma indicação ao Oscar.

A sensacional história de um Polvo que faz de tudo para impedir que sua amada chegue às mãos de um terrível cozinheiro é divertidíssima e vale a pena dar uma conferida. E se algum nerd sonha com a Gobelins, só poderá faze-lo até os 23 anos. Exigência da escola. Sugiro também que a galera dê uma navegada no site da galeria da escola para ver outros curtas.

Depois de tantos episódios do Nerdcast, o Episódio 52 – Histórias de outros carnavais ainda continua um dos mais clássicos e lembrados pelos ouvintes.

Influenciado pela hilariante história de Sr.K sobre sua viagem infernal de ônibus a Recife, o ilustrador e animador amador João Carlos Vasco (conheçam seu blog) produziu em suas horas vagas a pérola Seu Francisco – O Filme.

E de lambuja ainda mandou um render de Alottoni e Azaghâl em 3D.

Nosso talentosíssimo amigo Gilson Jr, responsável pelo fodástico Nerdcast em Anime, acaba de lançar sua mais nova megaboga animação!

The End é uma agradável surpresa a quem cresceu vendo desenhos nos anos 80. Assista à primeira parte e surpreenda-se!

E não deixe de conferir as geniais 3 partes do Verdadeiro Final da Caverna do Dragão em quadrinhos por Leandro Caracciolo.

Durante a Campus Party, você encontra várias pessoas ligadas à internet, com sites e blogs famosos (como Alottoni e Azaghâl). E essas pessoas são chamadas a dar entrevistas para vários veículos diferentes.

Porém, se tratando de um site como o Jovem Nerd, com uma linguagem diferente, vários blogueiros e donos de sites foram procurados e 5 perguntas foram feitas. As mesmas perguntas para todos. Mas digamos que não foram perguntas fáceis de se responder…

Confira o que cada um respondeu.

Borbs (Judão)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
Sim.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Não sei… Eu ia dizer “putaria”, mas todo mundo sabe que eu baixo isso, sabe? Não sei o que eu baixaria e não contaria.

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é que você faz aqui o que poderia fazer em casa, mas aqui você não tá sozinho, tem os amigos, as pessoas conhecidas. Ah, mas o pior é esse calor do c*, não dá, e nenhuma palestra me interessa.

Campus Party é habitat nerd?
Completamente, pra nerd hardcore.

Você se considera nerd por estar aqui?
Lógico!

Edney Souza (Interney)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
Pra pelo menos 25% do povo aqui, sim.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Ah, não vou contar pra você! (risos)

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é o encontro das diversas tribos de blogueiros. Todos juntos num só lugar. Mas o pior é que, enquanto na internet ficam discutindo, aqui não fizeram nada, ficou esse “puteirinho”, sabe?

Campus Party é habitat nerd?
É, com certeza.

Você se considera nerd por estar aqui?
Eu sou nerd, por isso vim aqui.

Nick Ellis (Digital Drops)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
É mais que isso. Aqui é um playground, um parque de diversões nerd.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Eu nunca mais saía de casa!

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é a socialização que rola, mas as piores são a burocracia e esse barulho infernal que fica entre as palestras. Não dá pra ouvir nada.

Campus Party é habitat nerd?
Com certeza.

Você se considera nerd por estar aqui?
Cara, me considero nerd por N motivos…

Rafa Losso (Blog do Rafa – Mtv)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
Também, mas muito mais… É um espaço com pessoas aprendendo, convivendo, plantando idéias e semeando o futuro.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Eu não baixo muita coisa… Uso mais streaming, ouço rádio, vejo vídeos… Ia aproveitar mais isso.

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é encontrar os amigos e as pessoas de futuro, com idéias pro futuro. A pior é que rola a semana inteira, e não posso ficar aqui o tempo todo. E o espaço é muito grande, então se perde contato com a maioria.

Campus Party é habitat nerd?
É.

Você se considera nerd por estar aqui?
Eu sou nerd, mas o mundo inteiro é nerd hoje. É um grande habitat nerd.

Ian Black (Enloucrescendo)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
Acho que depende do conceito de lan house hoje. Eu vejo como um centro de entretenimento. Tem que ver, no teu conceito, se isso é algo ruim ou não. Pra mim é bom.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Cara, talvez… Não sei… Baixaria muito pornô, mas contaria. Música, filme… tudo que eu baixo poderia falar.

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é a possibilidade das pessoas se encontrarem olho no olho. Agora, a pior… A organização está pior que em 2008, principalmente no credenciamento, na acústica aqui do lugar… Até diminuíram a quantidade de massagistas. Ano passado eram 10, agora tem 4, 3… O acesso é ruim, e a comida podia ser melhor. Poderiam trazer o Burger King, eu não ia reclamar de pagar. Eles não aprenderam e repetiram os erros.

Campus Party é habitat nerd?
Depende do que você considera nerd…

Você se considera nerd por estar aqui?
Sim, sem dúvida.

Alexandre Inagaki (Pensar Enlouquece, Pense Nisso.)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
É, mas incrementada. Muita gente poderia beber, bater papo… Mas ficam só jogando, sem olhar pro lado.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Na verdade, nada mais é proibido. Eu baixaria os filmes que deram o Oscar Pornô pra Mônica Mattos. Pra ver se é tudo isso de bom mesmo.

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é reunir toda uma série de pessoas bacanas, e poder conhecer novas pessoas. A pior é a acústica. É um inferno. As palestras são foda, porque é melhor ver via streaming que ao vivo.

Campus Party é habitat nerd?
É que nerd abrange tanta coisa… Não é exclusivamente nerd.

Você se considera nerd por estar aqui?
Se nerd é conhecer a namorada na internet, sim.

Manoel Lemos (Blog Blogs)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
Não.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Cara, eu baixaria muito seriado e ficção científica, todos que eu pudesse, tudo que existe!

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é a variedade de temas. Você passa e vê diversas palestras e acaba conhecendo coisas novas. A pior é o calor e o clima caótico que se cria pelo som, pela quantidade de pessoas. Pode-se passar essa impressão de caos.

Campus Party é habitat nerd?
Eu acho que é.

Você se considera nerd por estar aqui?
Pra cacilda!

Mirian Bottan (Substantivolátil)

Você acha a Campus Party uma lan house gigante?
Não, definitivamente não. Aqui rola interação, é uma coisa diferente de só olhar pro PC.

Se você tivesse essa conexão de 10gb na sua casa, o que você baixaria e não contaria?
Cara… eu ia baixar todos os seriados que existem… Gossip Girl, The OC, Girls of the Playboy Mansion… Todos que eu curto.

Qual a melhor e a pior coisa da Campus Party?
A melhor é a comunicação, as diferentes turmas reunidas que vão se conhecendo, trocando idéias. A pior é que, pra acompanhar tudo, não tô conseguindo dormir… tô bem cansada.

Campus Party é habitat nerd?
É, definitivamente.

Você se considera nerd por estar aqui?
De certa forma, sou nerd, sim.

Em dezembro de 2008 o Jovem Nerd se juntou a vários outros blogs na campanha Natal dos Blogueiros, encabeçada pelo Jacaré Banguela.

O objetivo era participar e divulgar a ação Papai Noel dos Correios, onde qualquer pessoa podia ir à uma agência, adotar a cartinha de uma criança carente endereçada ao bom velhinho e atender seu pedido.

Todos os participantes mandaram seus vídeos de apoio publicados aqui.

Mas quem disse que falar para a câmera é fácil? Aqui (em cima) está o making of mais que atrapalhado do Jovem Nerd.

Edição primorosa: Anderson Gaveta

E ATENÇÃO!

Lembramos a todos que o BLOG do Jovem Nerd está de férias em janeiro. Isso significa que nossas atrações de humor rotineiras, como Versões Resumidas, Festival de Legendas e etc voltam em fevereiro, MAS…

As notícias do Jovem Nerd News continuam diariamente e o Nerdcast continua TODA SEXTA-FEIRA! \o/

Neste Natal recebemos de última hora um MEGABOGA presente de nosso leitor, ouvinte e animador Gilson Jr, e queremos muito compartilhá-lo com a nação nerd. Seu talento já havia sido citado no Nerdcast 95 com sua primeira animação.

No teaser, os participantes do Nerdcast estão em perigo quando a poderosa corporação maligna HN toma providências para proteger seu maior segredo: o Acre!

Estrelando: Alottoni, Azaghâl, Bluehand, Tucano, Sr.K, Almôndega, Dubox, Portuguesa e Sra. Jovem Nerd.

Não deixe de ver os outros trabalhos de Gilson “Ninguém” Jr no seu perfil do Youtube!

P.S. – Atenção para os Easter Eggs!

No dia 12 de dezembro de 2008 a Warner Home Video mais uma vez levou o Jovem Nerd a São Paulo!

O auditório da Fnac Paulista ficou pequeno para tantos nerds corajosos que enfrentaram o aperto para ouvir Alottoni, Azaghâl, Carlos Voltor, Borbs, Carlos Merigo e Paulo Gustavo Pereira falarem sobre BATMAN: O CAVALEIRO DAS TREVAS.

Agradecimentos especiais a Priscila Orenstein, Marius Medeiros, Alexandre Knebel, Udo Stramm, Anderson Gaveta, Harald Stricker e a todos que compareceram! No próximo evento precisaremos de um barco maior!

Paulo Gustavo, Borbs e Merigo (esquentando o auditório com anedotas).

Alottoni, Carlos Voltor e Azaghâl chegando atrasados! Foi o trânsito!!!

Por pouco o Protocolo Bluehand não foi ativado.

Geração saúde! Será que chega a 1 tonelada nesse palco?

Nossa!

Em algum lugar aí ficava o Fran´s Café.

Merigo falando sobre o mega ARG que precedeu o filme.

Azaghâl não perde uma oportunidade de sacanear Alottoni.

Let´s put a smile on that face!

Além dos sorteios de brindes exclusivos, a Warner Home Video ainda presenteou os 30 primeiros nerds a comprarem o DVD durante o evento com essa megaboga réplica da moeda do Duas-Caras.

E também caricaturas do cartunista Piruca, da CHS Produtora.

Filmagem: Udo Stramm e Deive Pazos
Edição: Anderson Gaveta (Seagulls Fly)
Fotos: Jessica Nepomuceno, Gabriel Caputo, Deive Pazos, Victor Vasques e Rafagoom.

Veja mais fotos nos Flickr de Gabriel Caputo e Victor Vasques.

Como nosso amigo Tucano ainda não mandou o próximo capítulo de Sitala (reclamem lá), vai aí mais um tapa-buraco safado de quarta-feira

Como há coisas que não se pode morrer sem ver, vai a última chance para quem não conheceu o último hit do Youtube.

Corey Vidal em sua homenagem ao GÊNIO maestro e compositor John Williams, com vozes do grupo cômico a capella Moosebutter.

Confira a letra inteiramente dedicada a Star Wars aqui.

No dia 14 de novembro de 2008 a Warner Home Video reuniu Alexandre “Jovem Nerd” Ottoni, Deive “Azaghâl” Pazos, Fábio Yabu, Jotapê Martins e Paulo Gustavo Pereira na Fnac Morumbi para o lançamento do DVD “A Morte do Superman“.

Com a casa lotada, os nerds discutiram juntos os eventos do mundo real e da ficção que levaram à morte do maior herói do Universo DC. Com muito bom humor, os nerds também assistiram a um trecho do DVD com comentários sarcásticos e ao vivo de Alottoni e Azaghâl.

Agradecemos a todos os que compareceram, em especial a Marius Medeiros, Jotapê Martins, Fábio Yabu, Paulo Gustavo Pereira, Udo Stramm, Pedro Poleto e o cara que nos deu Coca-Cola!

Confira mais fotos no Flickr de Victor Vasques!

Vídeos: Warner Home Video e Udo Stramm
Fotos: Warner Home Video, Tiago Soares e Victor Vasques

O álbum mais vendido da história merece respeito. Segundo o Guiness foram 55 milhões de cópias. Segundo a Sony BMG, 105 milhões. Mas não é só por isso, a música foi lançada no fim de 1982 e continua muito viva até hoje.

Thriller foi relançado em 2008 em uma edição de 25 anos, cheio de remixes e participações especiais.

No entanto, talvez uma das maiores homenagens que a música título recebeu tenha sido a de François Macré. O rapaz, provavelmente desempregado mas muito criativo e paciente, regravou Thriller totalmente a capella pedaço por pedaço em 64 canais.

Que trabalho!

Dica de Marcelo Babaleia.

Lambda lambda lambda! No dia 27 de setembro de 2008 a Jedicon renasceu com um megaboga sucesso em Curitiba após 2 anos de hiato.

O Jovem Nerd compareceu com Alottoni, Azaghâl, Sra. Jovem Nerd, Portuguesa, Dubox, o pequeno Almôndega, action figures, buttons, muitas camisas e ótimos papos com os fãs do site.

Confira as fotos gentilmente cedidas por Daniel Araujo, Rafael Simões, Michel Silva, Maurício Nero, Luciano de Sampaio e Pablo de Assis do Nerd Curitibano.

E é claro que o Alottoni não poderia deixar de pagar o mico de “cantar” Back in Black do AC/DC com o Gabriel Ogama.

Azaghâl dizendo o que acha da Nova Trilogia de Star Wars.

E não poderia faltar o duelo dos herdeiros do império do Jovem Nerd, Dubox e Almôndega!

Violência Gratuita (Funny Games, 2007) é a refilmagem da produção austríaca homônima realizada em 1997. Cineasta Michael Haneke, que escreveu e dirigiu o original, retorna ao material com o objetivo de mostrar que apesar de uma década de seu lançamento, o tema está mais atual do que nunca: a banalização da violência. Esse epistola serve de pilar para outras reflexões que envolvem a sociedade e a necessidade de vingança. A história é simples e remete o público a centenas de outros longas com psicopatas torturando famílias de inocentes. A diferença está na abordagem do tema e em seus desdobramentos.

Na trama, um casal rico curte o início das férias com seu filho em uma casa à beira de um lago. Enquanto o marido (Tim Roth) e o menino (Devon Gearhart) cuidam do barco, a esposa (Naomi Watts) recebe a visita de um educado vizinho (Brady Corbet) que pede ovos emprestados. Ele e outro sujeito (Michael Pitt), que chega logo depois, não irão mais sair da casa. A família é mantida em cativeiro pelos dois invasores, que executam jogos sádicos e violentos.

As interpretações naturais e fantásticas de todo o elenco, já justificariam o remake. Porém, as verdadeiras idéias por trás do roteiro são o destaque. Haneke procura mostrar que a platéia é cúmplice da violência. Quase como um desejo insano por tortura. Essa visão demonstra que há décadas a agressividade se tornou um complemento da sociedade em sua brutalidade real do dia-a-dia e na forma vulgarizada que é retratada no cenário cultural, principalmente nos filmes.

O público acaba sendo parte vital da experiência proposta por Haneke, como um sádico voyeur que participa dos “engraçados jogos” criados pela dupla psicopata. A cada nova etapa, o espectador participa como um observador. O cenário é cru e desprovido de efeitos. Até a trilha sonora é dispensada para que o espetáculo de selvageria se transforme no mais real possível. Ela surge em breves momentos contrastando a música clássica com o metal com uma proposital construção cênica.

Os poucos elementos fantasiosos servem para que o público possa dialogar com os dementes. Mesmo esses não são os famigerados relaxadores de tensão. Haneke não deixou sua refilmagem cair nos velhos clichês de Hollywood. A típica fórmula de produções envolvendo psicopatas dá lugar a uma experiência fílmica, em que o entretenimento não faz parte da receita. A aridez é o principal ingrediente do prato.

Resta a platéia torcer por um final moralista em que os maníacos sejam punidos. A cada nova atrocidade, Haneke aumenta esse desejo de vingança do espectador, provando que a sociedade permite esse tipo de barbaridade, contato que o agressor tenha um final merecidamente sanguinolento. Para a felicidade dos cinéfilos, Haneke é um cineasta diferenciado e avesso ao lugar comum.

Depois de 11 anos, finalmente a banda de heFanaticcy metal / hard rock Scorpions retornou ao Rio de Janeiro. Pela noite vazia, fico claro porque o grupo já se apresentou outras vezes no Brasil e não veio a Cidade Maravilhosa.

Estiveram presentes 2,5 mil fãs no HSBC Arena, que comporta cerca de 10 mil pessoas. E o show só aconteceu a pedido da banda, que fechou uma longa turnê eletroacústica pelo Brasil e o Rio só entrou no final.

Alguns poderão alegar que a noite chuvosa ou os ingressos caros afastaram o público. Essas variáveis devem ser levadas em conta na equação final, mas, definitivamente, o Rio não é uma cidade de rock. O público carioca deve ser catalogado como um apaixonado por modismos.

Como nos anos 80 a moda oriunda dos Estados Unidos era o rock pesado, a cidade teve festivais como Rock in Rio e Hollywood Rock, recheado de estrelas do som pesado. Agora o momento é de hip hop e Ivete Sangalo.

O Scorpions, que não tem nada com isso e é uma banda super profissional, fez mais uma ótima apresentação em solos brasileiros. O show teve uma parte elétrica e outra acústica, o que agradou a gregos e troianos. A banda entrou quase que pontualmente no palco. Foram só 10 minutos de atraso, para o inicio marcado para as 21h. Muita gente acabou perdendo o inicio, uma outra mania carioca de sempre achar que tudo atrasa. Klaus Meine (vocais), James Kottak (bateria), Pawel Maciwoda (baixo), Rudolf Schenker e Matthias Jabs (guitarras) iniciaram o espetáculo com “Hour I”, música do último disco, Humanity: Hour I (2007).

Depois vieram as clássicas “Coming Home”, “Bad Boys Running Wild”, “The Zoo” e “No Pay, No Gain”, que incendiaram a platéia. Para finalizar veio a instrumental “Coast to Coast” que teve a participação do guitarrista Andreas Kisser, do Sepultura. Klaus Meine também pegou uma guitarra e o público foi brindado com um furacão de guitarras, transformando o momento em um dos mais belos da noite.

Após esse começo arrasador, o Scorpions iniciou um longo set acústico com a presença de dois percussionistas, um tecladista e três cantoras de apoio, todos brasileiros. “Always Somewhere” foi a primeira. Depois vieram “Send me an Angel”, “Holiday”, “Dust the Wind” (do grupo Kansas, mas que foi incorporada ao repertório depois do show acústico em Lisboa), “Loving you Sunday Morning”, “Tease me, Please me”. Ao final dessa última, vocalista Klaus Meine relembrou a exibição no Rock in Rio I (1985) cantando “Cidade MarFanaticcilhosa”, como tinha feito no festival. Meine aproveitou o momento e cantou “Wind of Change”, canção que simboliza a Queda do Muro de Berlim.

Para terminar o set acústico veio “Rhythym of love”, que ao final serviu para um solo de bateria e percussão. Foi uma mistura cafona de heFanaticcy metal com samba. A presepada não parou por ai. Baterista James Kottak tentou chamar atenção para si com uma apresentação de um sonífero solo de bateria.

O constrangimento acabou com a entrada do resto da banda que retornou munido de guitarras e uma pegada pesada com a nova música “321”. A apresentação prosseguiu com as clássicas com “Blackout” e “Big City Nights”.

Ao final a banda se despediu para retornar momentos depois para o bis com “Still Loving You”, “Humanity” (com direito a clip ecológico nos telões) e com a antológica “Rock you Like a Hurricane”. Quando parecia que o show tinha terminado, a banda emendou a emocionante “A Moment in a Million Years”.

Foram 2 horas de apresentação em uma noite memorável. Pena que não teve uma quantidade de público a altura do espetáculo. A turnê prossegue por Goiânia (31/08), Belém (03/09), Manaus (04/09), São Paulo (06/09), Recife (07/09), Belo Horizonte (10/09), Ponta Grossa (12/09), São Paulo (13/09 – só elétrico) e Ribeirão Preto (14/09).

Na sexta-feira, o Scorpions recebeu a imprensa para um pocket show em que tocaram três músicas em formato acústico: “Holiday”, “Dust in the Wind” e “Wind of Change”. Ao final receberam a equipe do Almanaque Virtual para um bate-papo, que teve a presença do guitarrista Andreas Kisser, do Sepultura.

Fanaticc: Vocês convocaram músicos brasileiros para a apresentação. De onde surgiu essa idéia?

Matthias Jabs: Fizemos isso no acústico de Portugal. O produtor dos shows no Brasil deu a sugestão. Acho uma ótima oportunidade esse intercambio cultural.

Fanaticc: Se a turnê prosseguir pela América do Sul. Existe a idéia de usar outros músicos locais ou utilizar os brasileiros?

Klaus Meine: Essa é uma ótima idéia. Seria ótimo tocarmos na Argentina com músicos argentinos e fazer o mesmo em outros países. Mas isso requer ensaio, por isso se formos para outros países da América do Sul, utilizaremos os brasileiros. Uma coisa é certa, essa turnê vai para o México e os músicos brasileiros irão conosco.

Fanaticc: Vocês tem alguma idéia do cenário do rock brasileiro?

Klaus Meine: Conhecemos o Sepultura, que é muito famoso na Europa e no mundo. Por isso convidamos o Andreas.

Fanaticc: O Scorpions sempre foi uma banda de consciência social. Qual a motivação por trás disso?

Klaus Meine: Já ganhamos dinheiro e fama. O mínimo que podemos fazer é retribuir ajudando nosso planeta. Atualmente, estamos muito preocupados com o aquecimento global. A música pode ser um ótimo instrumento de conscientização, pois é uma linguagem universal.

Fanaticc: Vocês irão lançar algum DVD dessa turnê no Brasil?

Klaus Meine: Não tem nada certo. Estamos filmando tudo e vamos registrar o show de Recife na integra. Quem sabe.

Fanaticc: Qual a diferença de tocar em um festival como Rock in Rio e agora nessa turnê?

Rudolf Schenker: Sempre teremos o Rock in Rio em nossa memória e corações. Foi o nosso primeiro contato com o Brasil. Depois disso já estivemos aqui outras vezes. Mas cada apresentação tem seu brilho próprio e o público não irá se decepcionar. Vamos incendiar a platéia.

Fanaticc: Em São Paulo terá dois shows e aqui no Rio as vendas estão devagar. Como explica isso?

Andreas Kisser: São Paulo é uma cidade do rock. Aqui no Rio o cenário está muito devagar. Isso é uma pena, pois adoro tocar no Rio de Janeiro. O Circo Voador é o único lugar de resistência no Rio. Pelo menos, quem comparece não se decepciona.

Fanaticc: Como está o Sepultura?

Andreas Kisser: Estamos lançando disco novo e iremos tocar no Rio de Janeiro.

Fanaticc: Como foi a saída do Igor CFanaticcalera?

Andreas Kisser: Ele não estFanaticca mais interessado em um som pesado. Ele está tocando com o Max, pois surgiu a oportunidade de tocar de novo com o irmão. Mas ele está ligado em outro tipo de som. 

Fanaticc: Algum dia o público conseguirá ver de novo a formação original do Sepultura?

Andreas Kisser: Nesse meio, nunca se pode dizer que algo é impossível. Quem sabe algum dia.

Set list do show de sábado, 30/08:

• Hour I
• Coming Home
• Bad Boys Running Wild
• The Zoo
• No Pay, No Gain
• Coast to Coast
• Always Somewhere
• Send me an Angel
• Holiday 
• Dust in the Wind
• Loving You Sunday Morning
• Tease me, Please me
• Wind of Change
• Rhythm of Love
• 321
• Blackout
• Big City Nights

Bis:

• Still Loving You
• Humanity
• Rock You Like a Hurricane
• A Moment in a Million Years

Hellboy II – O Exército Dourado (Hellboy II: The Golden Army, 2008) é a seqüência das aventuras do super-herói oriundo do inferno, ultra aguardada pelos fãs dos quadrinhos do personagem criado pelo artista Mike Mignola.

Depois de um primeiro filme de apresentação do anti-herói, o cineasta Guillermo del Toro resolveu investir mais na fantasia e no conto de fadas, inspirado pelo sucesso de seu “O Labirinto do Fauno”, ganhador de quatro Oscar em 2006. Saem os nazistas e entram os elfos, os trolls e outros mitos sobrenaturais das florestas, em uma história repleta de humanismo.

A trama começa nos anos 50, quando Hellboy, ainda criança, aprende sobre a lenda da guerra entre os humanos e as criaturas fantásticas. Um goblin construiu um exercito indestrutível para servir Balor, o rei dos elfos. Esse exército era tão impiedoso e sanguinário, que Balor se assustou e resolveu fazer uma trégua com os humanos: eles ficariam com as cidades e os elfos com as florestas. Mas o príncipe Nuada (Luke Goss), filho de Balor, não concorda com a decisão do pai e, inconformado, resolve se exilar.

A trama avança para os dias atuais. O príncipe Nuada sai de seu exílio e resolve declarar guerra à humanidade. Esse é o momento em que a equipe do Bureau de Pesquisas e Defesas Paranormal, composta por Hellboy (Ron Perlman), sua namorada pirocinética Liz Sherman (Selma Blair), o empata aquático Abe Sapien (Doug Jones) e o novo membro, o místico protoplásmico Johann Kraus (dublado por Seth McFarlane, criador do desenho “Uma Família da Pesada”), precisará agir para enfrentar o avanço do “Exército Dourado” do título.

Hellboy é um atípico super-herói dos quadrinhos. Por essa razão, Guillermo del Toro, que também assina o roteiro, pode dar à trama uma aura de fábula, sem prejudicar as características do personagem. O diretor combina aventura com humor, fugindo dos clichês que assolam este estilo de produção. À vontade no mundo mágico, ele é hoje um dos maiores especialistas em fantasias que encantam e impressionam e irá dirigir o aguardado prelúdio do “Senhor dos Anéis”, “The Hobbit”, previsto para 2010.

Por trás da aventura despretensiosa com seqüências de ação de encher os olhos, Del Toro insere temas como o preconceito e a dificuldade de se aceitar o diferente. Essa epistola funciona, devido à humanização das criaturas. Seus problemas emocionais, desejos e fraquezas são os mesmos dos humanos. Isso é ilustrado em uma cena hilariante e genial envolvendo Hellboy e Abe Sapien, embalada com a música “Can’t smile without you” do cantor Barry Manilow. Muitas dessas mensagens ganham força narrativa graças ao ótimo desempenho do elenco. Ron Perlman dispara textos de quadrinhos com extrema naturalidade. Ele nasceu para interpretar Hellboy.

Tecnicamente, a fotografia do ganhador do Oscar Guillermo Navarro, aliada aos efeitos da empresa Spectral Motion corroboram as idéias de Del Toro. O visual é de encher os olhos. Percebe-se uma preocupação estética, que evoca imagens equivalentes à criatividade do roteiro. Del Toro claramente simpatiza com os “monstros”, que sofrem com a ganância e falta de preocupação ecológica do mundo “real”. O resultado é tão pessoal quanto “O Labirinto do Fauno” – com o bônus de criaturas ainda mais sensacionais.

No dia 12 agosto de 2008, mais de 300 nerds se encontraram no Rio de Janeiro em uma sessão fechada e exclusiva de Star Wars: Clone Wars, organizado pela Warner Bros.

O Jovem Nerd chamou em um Nerdcast os 100 primeiros fãs que mandassem e-mails dizendo “EU QUERO IR NA PRÉ-ESTRÉIA COM O JOVEM NERD“. Estavam lá também as galeras do Almanaque Virtual e do Conselho Jedi Rio de Janeiro, assim como o próprio Darth Vader, seu mini-me e seu leal Stormtrooper.

Entre os web-celebrities, compareceram as figuras carimbadas do Nerdcast Eduardo “Vince Glotto” Spohr, JP, Guga, Carlos Voltor, Mário “Fanaticc” Abbade e a lenda viva Sr. K! Além disso, os blogueiros queridos Cris Dias, Carlos Cardoso, Nick Ellis e o jornalista e mega fanático por Star Wars André Gordirro.

Agradecemos muitíssimo ao Anderson Gaveta (gavetafilmes.com.br) e a galera da Seagulls Fly (Seagulscast, assista!), pois eles foram os responsáveis pelas filmagens e megaboga edição do vídeo acima. Foi um presentão inesperado!

Veja as fotos!

Fotos: Gabriela Magnani

Seguindo a correnteza de filmes adaptados dos quadrinhos, O Procurado (Wanted, 2008) conta a história de um rapaz ordinário, descobrindo seu lugar no mundo dos bad-ass-mothefuckers ao ser dragado para uma sociedade secreta de assassinos.

Na verdade, pode-se dizer que o filme apenas inspira-se nos quadrinhos, já que a obra homônima de Mark Millar é bem distinta. Publicada em 2003-2004, a minissérie aborda um mundo dominado por supervilões, que venceram todos os heróis em uma mega batalha em 1986. Desde então formaram uma fraternidade com 5 chefões e dividiram o planeta entre si. Com máquinas interdimensionais e computadores alienígenas, simplesmente apagaram a memória que a população tinha dos heróis e seus feitos.

Uma herança secreta liberta o sofrido Wesley Gibson para um mundo anárquico, onde ele passa de escravo a dominador (ou escrotizador) social. Um forte paralelo com o “Project Mayhem” de Clube da Luta. É até difícil não comparar a narrativa no início do filme.

Essa inspiração da infância de Millar simplesmente não existe no filme, que absorveu todo o conceito de super-poderes e disfarçou-os em raríssimas habilidades encontradas apenas em pessoas especiais.

Sem saber disso, o espectador pode ter a nítida noção que está vendo uma espécie de reboot de Matrix. Temos Wesley Gibson (James McAvoy), o garoto “corrida dos ratos” procurando um significado na vida, Fox (Angelina Jolie) a gostosona que vem resgatar o pobre geek, e Sloan (Morgan Freeman) o mestre sabe-tudo que tem a missão de libertar o talento escondido do novato.

Soa muito como Neo, Trinity e Morpheus ou é impressão?

O filme não apenas fugiu do universo de super-seres, mas também alterou completamente o argumento antagônico do protagonista. Nos quadrinhos, Wesley se torna um psicopata, que mata pessoas a esmo na rua quando está nervoso, estupra celebridades e sai impune.

Já no filme, é introduzido um misterioso código decifrado a partir de tramas de tecido, que indicaria malfeitores que deveriam ser assassinados. Entra o raciocínio “mate um, salve mil”, sujando as mãos para um bem maior, seguindo a vontade do destino.

Não há nenhum mal em adaptar, mesmo porque no cinema comercial, existe uma base ética da qual os protagonistas não podem escapar. Vide as diferenças entre Rambo, assassino frio no livro e herói de guerra incompreendido no filme.

Infelizmente, a partir do cenário estabelecido, o que se segue é um conjunto de clichês bem estabelecidos em filmes similares, amarrados com megabogas cenas de ação que desafiam a física, mais uma vez, lembrando muito a rotina Matrix.

São ótimas, sólidas, mas uma parede de tijolos construída com uma argamassa rala, pode estar fadada a cair. No caso de Hollywood, no esquecimento.

[P.S. SPOILER] Aceitar uma bala fazendo curvas é fácil. Difícil é engolir um caminhão de ração de gatos perseguir um Viper pau a pau! [/SPOILER]

Não é a primeira vez que Star Wars vira animação. Além da Saga homônima dirigida por Genndy Tartakovsky e que passou recentemente no Cartoon Network, tivemos também, nos anos 80 a tosca série Droids.

Mas qual seria a grande vantagem de fazer uma animação de um filme live action? Simples: no mundo da animação não existem limites físicos para lutas, ângulos de câmera e o universo de possibilidades é expandido ao infinito. Imaginem essa possibilidade então num universo que já é fantástico por si só.

E Clone Wars atendeu essa expectativa? Em alguns pontos sim, em outros não.

Na cena da primeira batalha com Anakin mostrando toda a sua habilidade contra as máquinas do futuro império dando saltos gigantescos e desvios fora do comum ouvia o próprio Jovem Nerd comentando “Isso sim é que um Jedi”.

É verdade. A animação tornava possível intensificar a habilidade do lutador em relação aos filmes de carne e osso. Com isso as cenas de luta e as viagens de câmera tornavam Clone Wars uma aventura tecnicamente muito boa de ser vista.

Mas vale dizer que, nestes momentos, por se tratarem de movimentos muito rápidos (como a luta entre Anakin e Dooku) e planos muito amplos (todas as batalhas), não era necessário para o animador uma preocupação muito grande com detalhes de movimentos e afins.

E aí é que a coisa ficou um pouco decepcionante. A movimentação dos personagens nas cenas comuns, as caminhadas, nos closes, nos diálogos deixaram a desejar, os personagens ficaram meio robóticos, os movimentos um pouco duros demais.

Faltou uma aplicação que o “professor” John Lasseter sempre fala aos animadores do mundo: Os princípios da animação.

Estes são aquelas regrinhas que falam de aceleração, esmagamento, exageros… claro que não precisavam fazer um Anakin de olhos esbugalhados, mas algumas dessas aplicações feitas de forma bastante leve já dariam aos personagens e a movimentação do filme outra cara e Clone Wars ficaria com menos cara de animação 3d feita para a televisão.

Quanto ao design dos personagens, este sim agradou. Não era pra ser uma simulação do mundo real. Aliás, não faria sentido já que o próprio Lucas fez muito isso na Nova Trilogia.

O objetivo era mostrar que se tratava de uma nova linguagem para Star Wars e os personagens mantiveram um traço caricatural de seus atores originais, com uma textura que lembrava tinta acrílica. Com isso o aspecto dos personagens de Clone Wars lembravam e muito, bonecos pintados a mão.

Mas acredito que a tendência seja melhorar. Foi um dos primeiros trabalhos dessa equipe e pode ser que, caso exista alguma nova empreitada, esse trabalho vá melhorando. Já vimos isso com o ogro Shrek quando compararmos a técnica do primeiro filme com o segundo onde se nota uma evolução grande na movimentação dos personagens.

Aliás, acredito que se tivesse sido lançado na mesma época, esses pontos na animação não seriam tão notados assim.

No final das contas o que importa é o roteiro. O boneco pode ser até de palitinho, mas se a idéia for boa sempre arrancará aplausos do público. E Clone Wars deverá dividir um pouco as opiniões, mas confesso que fui com baixa expectativa e com isso o filme me agradou bastante.

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• Star Wars – The Clone Wars | Resenha

Quando Genndy Tartakovsky trouxe uma nova visão de Star Wars com a série animada Star Wars: Clone Wars (em 2D), não só conseguiu agradar a velha e nova geração de fãs, como solidificou um universo de novas possibilidades a serem exploradas para a franquia do tio Lucas. De fato, a série (2003 a 2005) foi tão bem recebida, que chegou a eclipsar um pouco da luz dos filmes da Nova Trilogia.

Agora a patota está de volta remodelada em CGI 3D. Aí você se pergunta: “Será que vou ver mais do mesmo?” Sim, é verdade, mas se você QUER ver mais do mesmo, é uma boa oportunidade. É claro que a introdução da jovem e abusada Jedi Ahsoka Tano como padawan de Anakin é algo novo, mas a intenção real é mais parecida com a origem do Robin: “Vamos criar um sidekick para abrandar o herói sombrio”.

A presença dela e unida a outros fatores deixam mais que óbvio que Clone Wars tem como alvo um público bem jovem, o que não significa, no entanto, que o velho fã acabe obrigatoriamente decepcionado. A animação já define seu tom militar no início, remontando as antigas sessões de notícias do fronte da 2ª Guerra Mundial exibidas em cinemas da época. O que é legal, mas não tão original, Paul Verhoeven fez a mesma coisa há mais de 10 anos em Tropas Estelares. As inspirações não páram aí. Ver os Clone Troopers sendo alvejados no susto como em Resgate do Soldado Ryan é simplesmente demais.

As doses de humor agora passaram às mãos dos Battle Droids, que conseguem fazer piadas que agradam às crianças, mas sem insultar a inteligência dos mais velhos como o retardado Jar Jar Binks. Entretanto, o que pode mesmo surpreender é apresentação de membros um tanto bizarros e até “coloridos” da família de Jabba, the Hutt. Também é agradável ouvir algumas vozes originais, como de Mace Windu (Samuel L. Jackson), C3PO (Anthony Daniels) e o insubstituível Dooku (Christopher Lee). A ação é divertida e empolgante o suficiente para você se perguntar: “Por que diabos não fizeram isso nos filmes?”

George Lucas disse que pulou as Guerras Clônicas na trilogia nova porque elas não contavam nada de relevante à família Skywalker. Como Anakin é o foco, não há muito o que se esperar da trama. Sabemos que nem ele, nem Obi-Wan, nem Yoda, nem Dooku, nem Palpatine ou qualquer outro personagem dos filmes irá morrer ou se envolver em situações que contradigam suas condições no início de Episódio III.

O que resta é a aventura visual das diferentes missões em que os heróis e vilões irão se engajar. Os novos filmes foram criticados pela falta de emoção e pelo background ser mais chamativo que o primeiro plano. Talvez este aspecto de excessiva informação visual de Star Wars pré-Império tenha finalmente encontrado seu formato. Afinal, quem está ligando para roteiros emotivos e tramas complexas no sábado à tarde no Cartoon Network? Queremos é ver lightsaber na caveira!

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Para deleite dos fãs, Encarnação do Demônio (2008) encerra, após quarenta anos, a trilogia iniciada em 1964 com A meia-noite levarei sua alma, que ainda gerou Esta noite encarnarei no teu cadáver em 1967. Apesar da distancia temporal, cineasta José Mojica Marins, criador e interprete do protagonista Zé do Caixão nos três filmes, conseguiu modernizar a narrativa sem perder a mítica do personagem.

A trama atualiza a história para os dias atuais. Após 30 anos preso, Zé do Caixão (José Mojica Marins) é finalmente libertado. Novamente em contato com as ruas, o sádico coveiro está decidido a cumprir a mesma meta que o levou preso: encontrar a mulher que possa lhe gerar um filho perfeito. Em seu caminho pela cidade de São Paulo, deixa um rastro de horror, enfrentando leis não-naturais e crendices populares.

Mojica utiliza a técnica do flashback para construir uma ponte de ligação com os dois filmes anteriores. Ao mesmo tempo, esse recurso serve para familiarizar o espectador que não conhece sua obra. São noventa minutos de sangue, vísceras e escatologia, influenciados por uma linguagem cinematográfica nostálgica que utiliza a presença de Zé do Caixão para transportar o espectador para um universo de violência extrema. Uma mistura de terror e erotismo aguçados pelos efeitos especiais de André Kapel. Todos esses maneirismos visuais não são gratuitos. Cada seqüência de violência acerbada é justificada objetivamente através de uma coerência narrativa com a psicologia e obsessão do protagonista. Fica claro que os meios justificam o fim.

Em certos momentos, o exagero provoca um humor involuntário. Mesmo isso é proposital. Inteligentemente, essas ocasiões têm como missão relaxar a tensão. Com essa metodologia, Mojica visa minimizar cenas muito fortes. O riso é uma poderosa ferramenta de contraste.

As interpretações excessivas do elenco corroboram essa premissa. Em uma primeira analise, o público tende a achar tudo demasiadamente exagerado, mas esse tom farsesco é essencial para o universo caótico criado por Mojica. Profissionais como Jece Valadão e Rui Rezende emprestam suas típicas assinaturas interpretativas para acrescentar aos seus papéis, facetas já conhecidas através de outros personagens célebres criados anteriormente. Ao lado desses veteranos, um time de beldades de causar inveja as esquálidas modelos do mundo fashion.

Para justificar todas essas escolhas, Mojica abusa dos tons escuros e carregados, mesmo nas cores vivas como o vermelho. A fotografia de José Roberto Eliezer aliado a direção de arte de Cássio Amarante possuem requintes gregorianos que nos remete ao cinema dos anos 70 do mestre do giallo Dario Argento. Esse painel de matizes sombrias transformam a cidade de São Paulo em uma espécie de terra paralela, em que o real ganha uma camada de fantasia nebulosa oriunda de uma dimensão bestial e funesta. No meio desse cenário lúgubre, mensagens subliminares surgem disfarçadas de forma que a cadencia da trama não perca o seu ritmo avassalador. A edição de Paulo Sacramento pontua esse compasso junto com a ótima trilha sonora composta pela dupla André Abujamra e Marcio Nigro.

Interessante que todo esse apuro técnico acabou sendo obra do destino. A idéia era finalizar a história de Zé do Caixão ainda nos anos 60, mas perseguido pela ditadura, Mojica não conseguiu viabilizar o projeto. Foram décadas tentando arranjar uma verba que pudesse levar o capítulo final da saga da figura dramática mais famosa do terror tupiniquim. A solução começou a surgir, quando Mojica foi descoberto pelas cabeças pensantes lá de fora. Seu personagem ganhou o nome de Coffin Joe e foi imortalizado por milhares de fãs espalhados pelos quatro cantos do mundo. Ele passou a ser convidado para festivais de filmes fantásticos e chamou a atenção dos novos cineastas do terror como Rob Zombie (Casa dos 1000 Corpos) e Eli Roth (O Albergue), entre outros.

Com toda essa fama, Mojica acabou sendo redescoberto no Brasil. Com a aprovação do 1ºmundo, o 3ºmundo passou a vê-lo com outros olhos. Se o Zé do Caixão era um pastiche nas décadas de 80 e 90, no novo milênio passou a ser considerado cult pelos intelectuais e estudantes de cinema brasileiros. Uma pena que essa conclusão tenha partido de fora para dentro. Mas toda essa demora acabou criando a oportunidade de contar com novos recursos tecnológicos e uma verba decente. Nunca Mojica teve um orçamento desse porte. Foram 1,8 milhões de reais onde o diretor pode por em prática toda sua habilidade de artesão cinematográfico. Resta saber se o público responderá a altura nas bilheterias.

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O mestre do terror está de volta. Após quarenta anos de espera, cineasta José Mojica Marins retorna com Encarnação do Demônio, o terceiro capítulo da trilogia envolvendo o mítico personagem Zé do Caixão.

Mojica recebeu a equipe do Almanaque Virtual no Rio de Janeiro para um bate-papo sobre sua carreira, o cinema novo, as produções pornôs, o filme novo e futuros projetos. Disponibilizamos o arquivo de áudio com 40 minutos da entrevista.

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O mais famoso cineasta surrealista norte-americano está no Brasil. David Lynch veio para divulgar “Em Águas Profundas – Criatividade e Meditação”, seu mais novo livro. O polêmico diretor recebeu Mário “Fanaicc” Abbade e a equipe do Almanaque Virtual para um bate-papo sobre essa obra autobiográfica que fala sobre a importância da meditação em sua vida e em sua vasta obra. Um currículo que conta com filmes, livros, discos, quadros, entre outras manifestações artísticas.

Em todos esses campos, Lynch nunca deixou de provocar o público com charadas oníricas e reflexões contemplativas. Através desse livro, o leitor poderá entender como as suas idéias abstratas tomaram forma. Com certeza não irá explicar a trama de seus filmes, mas apontará um caminho a se seguir na compreensão de uma mente tão impar. Ao lado de Lynch na entrevista, o cantor e compositor Donovan e Robert Roth, vice-presidente da Fundação David Lynch.

Robert Roth: É uma grande honra estar aqui. Tem sido uma grande honra viajar com David, para poder falar sobre os benefícios da meditação, de nossa Fundação, pelo Oriente Médio, Europa e pelos Estados Unidos, sobre uma situação que se sustenta nos EUA e tenho certeza, que também aqui, entre nossas crianças e nossos estudantes.

Nos EUA, as pesquisas em geral e os melhores médicos afirmam que os americanos estão nadando em um oceano de estresse e que nesse caso, nossas crianças estão afundando nele. E tenho certeza, pelo que ouvi, que a situação é a mesma no Brasil, aqui no Rio. Nos EUA, milhões de crianças estão sob medicação para depressão, começando aos dez anos de idade.

Milhões de crianças estão tomando remédios para doenças relacionadas ao estresse e para déficit de atenção e o número da causa de mortes entre adolescentes é crescente. Nos últimos três anos, desde que a David Foundation começou, já arrecadamos milhões de dólares e centenas de milhões de crianças começaram a praticar a meditação transcendental.

Fanaticc: Para muitas pessoas o ideal seria trabalhar em um local alegre livre de energia negativa. Como a meditação transcendental ajudaria nisso?

David Lynch: Eu sempre digo que gosto de trabalhar em um set (estúdio de filmagem) feliz, como uma família em uma viagem. E eu gosto de um set que seja seguro para os atores, para que possamos ir mais a fundo e tornar as coisas mais reais. Eu acho que medo e pressão no set “machucam” a criatividade e o trabalho.

Eu acho que um negócio gerenciado baseado em medo faz com que os empregados não gostem de ir ao trabalho, e que não queiram se esforçar pela empresa. Faz com que isso não ajude as pessoas que trabalham em uma empresa assim. Eles vão para casa com essa tensão para suas famílias e com o tempo passam a odiar ir para o trabalho e esse ódio vira raiva. Então, é bom senso ter um ambiente de bons sentimentos no trabalho e esse se torna um lugar muito melhor para todos em volta.

Fanaticc: Gostaria de saber se você conheceu o Maharishi Mahesh Yogi (fundador do programa da Meditação Transcendental), e se você teve uma sessão com ele?

David Lynch: Sim eu conheci o Maharishi. Mas ele não me ensinou minha meditação. Maharishi costumava a ensinar a todos, ele mesmo. Mas passaram a ser pessoas demais e ele treinou professores que passam o conhecimento exatamente da mesma maneira. Ensinam de uma forma bem específica. Quando você compra um Rolls Royce não importa quem o vendeu, você vai dirigir um Rolls Royce. Então, você recebe o ensinamento correto e a técnica.

Sabe que fará a meditação do modo correto, tem suas perguntas respondidas e então tem a técnica para o resto da sua vida. Desdobra todo seu potencial, a felicidade, a criatividade, a inteligência, o amor, a energia, desde o primeiro momento. A meditação transcendental é uma técnica mental, uma forma antiga de meditação, trazida ao nosso tempo pelo Yogi Maharishi Mahesh. Qualquer ser humano pode usar essa técnica, se achar a chave para abrir a porta para o mais profundo nível da vida. Ciência moderna unida ao antigo oceano da pura consciência vibrante e amplamente desperta, que sempre existiu. Campo eterno, campo infinito, sem limites, que se baseia em matéria e mente. Você tem um mantra, um som bem específico de vibrações e pensamentos.

O mantra de Maharishi torna a consciência interna em um mergulho natural nos profundos níveis da mente e do intelecto e então transcende. Experimenta esse oceano, experimenta uma consciência viva e todas essas qualidades positivas. E tudo na sua vida que sempre foi igual passa a se expandir, todas essas qualidades positivas passam a se expandir. Em pouco tempo, a vida se torna muito boa.

Fanaticc: Você poderia nos dizer qual é seu mantra ou é pessoal? Aliás, lendo seu livro, as pessoas encontram seus próprios mantras ou precisam de um instrutor?

David Lynch: Você não diz seu mantra. O mantra é para ficar dentro de você. Você não o traz para fora. E podem existir milhares de mantras, como meu amigo Charlie Lucci dizia, “Se você medita usando a palavra ‘buttermilk’, você pode terminar em uma leiteria”. Você não quer parar em uma leiteria, você quer transcender experimentando o mais profundo nível da vida. Um mantra é uma coisa muito preciosa, ele tem que ser um suporte para a vida em todos os níveis profundos.

A ciência moderna descobriu um campo unificado, indo cada vez mais fundo na matéria. Na base da matéria achou o campo unificado. Eu viajei com um dos maiores físicos quântico do mundo, e ele te diria que o campo unificado é dez milhões vezes dez milhões vezes dez milhões vezes mais poderoso que o nível atômico, uma criação. Sabemos que o nível atômico é muito poderoso. Todo o poder no campo da gravidade vem desse campo unificado. E um outro campo surge desse campo, um muito especial, puro livre de consciência própria, a própria vida. Nós só podemos dizer “Eu sou”, por causa da consciência. As pessoas acreditam que quando acordam pela manhã, todos despertam da mesma maneira. Não é verdade, estar realmente acordado é esclarecedor. Então, você está 40% acordado, 60% confuso, como o Maharishi diz. 70 % acordado, 30% confuso.

Totalmente desperto é esclarecedor, e o esclarecimento é a única maneira de estar realmente desperto. Todo ser humano tem esse potencial. O potencial total do ser humano é chamado de esclarecimento. Mas precisamos desdobrar isso. Os efeitos colaterais de expandir o esclarecimento é o fim dos pensamentos negativos. Nas escolas há muito estresse, muitos problemas, quase nada consegue aumentar. Eles levam os problemas para casa, depois trazem os problemas de casa de volta à escola, é um pesadelo. Dezesseis escolas passaram a ser por cotas nos EUA.

Um ano antes de começarem, violência, tiroteio, facadas, suicídios, estresse, estresse e mais estresse. Muito pouco aprendizado. Eles começaram a usar a meditação transcendental há um ano e tudo mudou radicalmente. Passaram a ser escolas que todos gostariam de freqüentar, as brigas acabaram, as revoltas também. As relações pessoais melhoraram.

Felicidade, amor próprio aumentaram e pararam de se preocupar com as crianças. Tudo porque usaram a técnica de ir ao nível mais profundo, mergulhar nele e experimentar e desdobrar isso automaticamente. Tudo melhorou automaticamente. Você não precisa acreditar em nada. Não é uma religião. Não é contra nenhuma religião. Não é um culto. É próprio do ser humano. E as pessoas passam a falar. Você passa a ouvir mais e mais histórias. Não é uma coisa estranha, é uma coisa do ser humano. E você passa a ouvir historias, porque as pessoas tentam tantas outras coisas. Elas acham que meditação é muito estranho para usar em escolas e agora descobrem que estranho é não usa-la nas escolas.

Fanaticc: Você disse que existem 16 escolas usando esse método nos EUA. E fora dos EUA?

David Lynch: Acho que podem te dar o relato do que acontece na América do Sul pela David Foundation, que ajuda a 41 mil estudantes no Brasil, na América do Sul. Também tem dois países na África e começamos a ajudar universidades dinâmicas em todo o mundo. Para ter paz, e sei que isso poder parecer estranho, para ter paz, a única coisa que se precisa é de 1% da população fazendo meditação transcendental e suas técnicas avançadas juntos em um grupo, duas vezes ao dia.

O grupo se tornará poderoso através do campo unificado, um grupo que se tornará tão esclarecido, tão poderoso, que afetará a consciência coletiva. E o mesmo acontecerá com todo o país, onde a negatividade acabará e a felicidade se espalhará. A criatividade, inteligência, problemas acabarão e a paz chegará. E eu gostaria de dizer mais uma coisa.

É a coisa mais agradável de se pensar. Se você ouvir sobre uma lâmpada que não acaba com a escuridão, você não ouviu sobre uma lâmpada. Se você ouvir sobre planos de paz, que envolvem pensamentos negativos, você não ouviu sobre verdadeiros planos de paz. Isso acaba com a negatividade. A verdadeira paz não está relacionada com a falta de guerra, mas sim com a falta de sementes de guerra, que é a negatividade. Você tem a verdadeira paz e esclarecimento em união.

Fanaticc: Em relação ao bem e ao mal, o mundo contemporâneo é um lugar negativo e escuro?

David Lynch: A História tem seus contrastes, tem alterações no passado e esperança no futuro. Grandes histórias têm seus contrates e sempre terão. Muitas histórias, que estão nos livros, refletem o mundo que vivemos, e vivemos em um mundo de negatividade. Muita negatividade. Ouvimos que o mundo está melhor, mas vemos as coisas como são e estão bem ruins. Mas acho que já está melhorando.

Fanaticc: Você vai encontrar com o Presidente Lula? Quais são suas intenções? O que você vai discutir com ele?

David Lynch: Eu acho que ele vai estar nas Olimpíadas, então não vou encontrá-lo, mas se eu fosse, eu falaria sobre uma Universidade para o Brasil, onde os estudantes praticariam o aprendizado da meditação transcendental, método e técnica, em grupos, duas vezes por dia. E então essa Universidade ensinaria todos os cursos normais. Falaria sobre utilizar a meditação em todas as escolas, no Brasil. E se livrar do estresse nas escolas, e qualquer tipo de violência no país.

Fanaticc: Tive oportunidade de ouvir o seu livro em “audiobook” e achei muito impactante. Você pensa em lançar dessa forma aqui no Brasil? Se sim, quem poderia substituí-lo?

David Lynch: Não faço a mínima idéia de quem poderia me substituir. Acho que seria ótimo se alguém quisesse fazer isso, mas posso praticar e aprender português (risos).

Fanaticc: Você poderia falar sobre a metáfora do título “Catching the big fish” (na tradução: pegando um peixe grande)?

David Lynch: Esse título vem da natureza das idéias, e as idéias são como peixes. Quando você vai pescar você precisa de paciência, um anzol e isca. Quando você vai caçar idéias é a mesma coisa. Paciência e uma isca, para pegar idéias que são antes desejos. Um desejo é como uma isca. Um foco é como uma isca. O quão fundo esse anzol vai depende da consciência. Nós não sabemos nada sobre essa consciência, antes é o subconsciente ou inconsciente.

E quando atingimos a consciência, bingo! Nós sabemos. Então, ir pescar idéias é acabar com a sede de desejo que um dia podemos encontrar-lo. Dar de cara com o peixe pelo qual iremos nos apaixonar, e esse será um dia lindo. Para mim não quero me contentar com uma única vez, então vou pescar de novo. Quando você consegue esse primeiro peixe, ele se torna uma isca para um maior, para mais peixes.

Fanaticc: Você fala sobre alegria através da meditação, mas isso é possível no mundo de hoje?

David Lynch: A História sempre teve contrastes momentos tristes, negativos e momentos bonitos também. A História reflete o mundo que vivemos hoje e muitas idéias vem desse mundo, e vivemos num mundo negativo. Mas eu sou contra a idéia de que temos que sofrer para mostrar o sofrimento. Nós devemos entender o sofrimento, entender a condição humana melhor.

A meditação vai fundo em tudo isso, ela ajuda no entendimento, esclarece tudo aumentando a consciência para o campo das idéias e nos mostrando mais informações. Logo, o entendimento é maior. A meditação alimenta o trabalho. Intuição é a ferramenta primordial do artista e permite mergulhar no oceano da sabedoria. Por isso é muito critico ao trabalho quando as coisas não correm bem, e a intuição não funciona. Soa como se isso fosse obvio a todos, mas há graus de intuição, quanto mais você tem, mas corretamente você enxerga como deve trabalhar.

Fanaticc: Ainda sobre a meditação, é possível pegar o peixe grande antes do pequeno?

David Lynch: Tudo é possível, mas você não sabe até ter consciência. Não importa o tamanho do peixe. Podem ter peixes pequenos que vão despertar pouco de sua consciência, as se você mergulhar nela mesmo assim, acabará expandindo sua criatividade e felicidade. Tem esse senhor sentado aqui do meu lado, um grande poeta, cantor, compositor e trovador: o grande Donovan.

Robert Roth: Uma das razões para o Donavan estar aqui conosco falando sobre a meditação é por ele ter conhecido o Maharishi com os Beatles há 40 anos, e ter passado essa meditação para toda uma geração. Para milhares de pessoas em todo o mundo e agora Donovan trabalha ao lado de David, na Fundação.

Fanaticc: Qual a diferença da meditação transcendental de 40 anos atrás para agora? Qual a diferença da recepção dela pelos mais jovens e o que você sente sobre isso?

Donovan: Há 40 anos eu e os Beatles dividíamos um sentimento em relação a falta de alguma coisa que inspirasse os músicos e sentíamos falta de algo que inspirasse o mundo, quando encontramos um yogi, e um mantra de Maharishi. Fomos até a Índia estudar e quando voltamos apresentamos essa extraordinária, antiga e eficiente técnica para milhões de pessoas.

Por isso me senti muito feliz quando fui convidado a participar da Fundação cuidando da parte musical, o que parecia uma coisa natural e aqui estou, mostrando à vocês minhas idéias sobre o que mudou nesses 40 anos. Há 40 anos Maharishi introduziu esse método de meditação a indivíduos que o procuraram e eu fui um deles. Quando voltei, Maharishi continuou ensinando sua meditação à indivíduos. Em alguns anos ele construiu uma organização extraordinária, onde a meditação passava a ser apresentada a escolas e profissionais médicos, além de grandes corporações, que incorporaram essa técnica extraordinária, em suas vidas particulares, em suas empresas, escolas, e na saúde, já que muitos médicos aprenderam a técnica. Anos depois é magnífico o resultado.

Escolas em todo o mundo mostraram resultados incríveis, as pessoas se tornaram mais suscetíveis ao que aprendiam e o mais importante, alguns governantes passaram a prestar atenção com mais cuidado a esse tipo de meditação. Visando uma sociedade mais esclarecida e livre de violência. Há muito o que aprender através da Fundação e eu pessoalmente estou maravilhado. Falei com o Maharishi 40 anos atrás e ele disse, “Você construirá uma universidade chamada Invencible Dawn University, na Escócia”. 40 anos depois eu anuncio que construirei essa universidade porque essa técnica de meditação tem sido ensinada mais uma vez e de novo.

Fanaticc: Qual a relação da alimentação com a meditação?

David Lynch: Há muitas relações, principalmente em relação a agricultura que usa pesticidas e a agricultura orgânica que não usa. Há muito acontecendo entre a agricultura e esse ensinamento, há uma universidade nos EUA, que trabalha com sustentabilidade e crescimento rápido dos alimentos.

Robert Roth: Eu acho que quando passarmos a viver sem estresse pensaremos melhor sobre nossa comida e meditação. Naturalmente passaremos a comer melhor e a fazer coisas que nos façam sentir melhor. Não há “pode” e “não pode” para a pessoa que medita, sua vida apenas melhora, não há o que seguir, isso não é uma religião. Isso não é uma filosofia, as pessoas de todas as religiões podem praticar a meditação transcendental, mesmo as sem religião. É uma habilidade humana, como David e Donovan disseram, que desperta o corpo e a mente para uma consciência maior. Como resultado disso passamos a nos alimentar melhor.

Fanaticc: Como seu trabalho como artista plástico influenciou seu trabalho como diretor?

David Lynch: A pintura influenciou o cinema porque o cinema está relacionado às sete artes, qual não sei bem, mas visualmente, algumas coisas da pintura está relacionada ao trabalho no cinema. Eu queria ser apenas pintor, estava trabalhando em um estúdio, já contei essa história várias vezes. Estava pintando um jardim a noite, e as folhas verdes do quadro começaram a se mexer e então a pintura se tornou o vento, daí tive a idéia de uma pintura em movimento e isso me levou ao cinema.

Fanaticc: Todo mundo pode alcançar a consciência plena?

David Lynch: Se você é um ser humano você pode. Tudo pode ao ser humano, é um direito de nascença. E o esclarecimento é o futuro. Você só precisa se desdobrar.

No fim da entrevista Fanaticc explica a David Lynch seus próprios filmes

Educadamente, o cineasta agradece.

Ouça um pedaço da entrevista em áudio, com um recado de Lynch para os estudantes de cinema, envolvendo buracos e rosquinhas.

Quando eu estava no ginásio, havia um seriado que eu adorava assistir, e eu só tinha uma amiga que sabia qual era ele. Quando alguém ouvia o nome, falava algo como “isso é coisa pra esquisito” e “você gosta disso? boa sorte”. Mas eu adorava.

Esse sentimento voltou.

Arquivo X – Eu Quero Acreditar é o segundo longa-metragem extraído da série Arquivo X, que acabou após nove temporadas. Enquanto o filme anterior foi lançado entre temporadas, este tinha a difícil missão de reacender a vontade nos eXcers (que se comparavam aos Trekkers, de Star Trek), ao mesmo tempo que teria de trazer alguma história interessante ligada a uma série que acabou faz certo tempo.

A trama começa com uma cena quase tradicional de alguém sendo atacado no meio da noite, entre sombras e bafos frios, e só faltou a abertura para declarar que o filme seria um episódio. Ele o é, mas isso não é ruim. No caso aqui, é algo que até beneficia a trama.

Não precisamos saber quem são Fox Mulder (David Duchovny) e Dana Scully (Gillian Anderson). Já sabemos que Mulder é o crédulo, enquanto Scully é a cética. Os dois são dois lados de uma mesma moeda, mesmo depois dos dois serem abduzidos durante a série e passando por várias situações.

Enquanto Scully seguiu adiante e agora é médica, Mulder fica enclausurado, estudando teorias da conspiração e deixando a barba crescer. Pois é. Mas, no caso de Mulder, não era necessária uma “evolução” forçada que o levaria para um caminho ruim. E Scully, de volta à medicina, só encontrou um caminho de retomar seu ceticismo.

Padre Joe (Billy Connolly) tem visões de uma agente do FBI que é seqüestrada, e Dakota Whitney (Amanda Peet) decide chamar os dois ex-Arquivo X, contrariando seu parceiro Mosley Drummy (Alvin “Xzibit” Joiner). Mulder, claro, vai correndo, mas Scully tem dúvidas sobre ajudar ou não, já que não acredita no padre.

Esta trama se mostrou muito apropriada para um filme, já que a maioria dos episódios da série que decidiam mostrar alienígenas (sem videntes ou seqüestros) terminavam com as provas sendo arquivadas em algum galpão desconhecido no meio do nada. E davam raiva.

A nova trama é trabalhada até de forma rápida, já que a intenção do longa é, como diz seu título, trabalhar a crença (ou a falta dela) nos personagens principais.

Duchovny e Anderson aparentemente não tiveram problemas em lembrar de como são seus personagens – e é aqui que ele mostra como conseguiu distinguir-se de seu personagem em trabalhos posteriores, como a série Californication.

O problema aqui, talvez, seja que somente a dupla teve espaço. Amanda Peet, uma atriz sempre competente, mal pôde mostrar como era sua personagem, e o pouco que apareceu deu margem a uma interpretação de possível triângulo amoroso. Já Xzibit surpreende aqueles que dizem que músicos não são atores. Quase não reconhecido durante o longa, já que o rapper incorporou seu personagem e não recorreu a nenhum tipo de modismo ou chavão.

A fotografia do filme merece destaque. Trata-se de um mega-episódio de Arquivo X, e por isso mesmo ficou ótima a iluminação (ou falta dela), com alguns ângulos mais fechados para mostrar as reações mas com jogos de câmera para surpreender ou dar o suspense do que está embaixo do lençol – às vezes, de forma literal.

Lembra que eu falei como era minha vida de fã de Arquivo X no ginásio?

Pois é, eu voltei a me empolgar com uma obra que eu acho ótima, mas que todo mundo resolveu falar mal – talvez porque seja “velha”, ou porque outras estão em voga. É coisa pra esquisito? Talvez, mas eu gosto.

Ah, e fica a dica: tem uma cena feita para os fãs durante os créditos. Reparem na neve durante a passagem dos nomes que vocês verão uma “evolução de cenário”.

No filme, três chimpanzés da NASA - Ham, Lucy e Titan - são enviados aos limites da galáxia para descobrir vida alienígena. Lucy é a “certinha”: ela é bem treinada, disciplinada e fascinada por astronautas humanos. Titan é o super-atleta, cujos músculos são tão grandes quanto seu ego. Ham, o bisneto do primeiro chimpanzé a ir para o espaço, é o tipo “errado”: o clássico pateta de bom coração que está mais interessado em ser artista de circo do que um herói astronauta.

Forçados a trabalharem juntos, eles terão de juntar forças e aprender a conviver com suas diferenças para derrotar os vilões do espaço. O roteiro é de Kirk De Micco (Deu Zebra!) e a direção é da dupla Donovan Cook (Peter Pan – De Volta à Terra do Nunca) e Norton Virgien (Os Rugrats e os Thornberrys Vão Aprontar). O orçamento do longa foi por volta de US$ 40 milhões.

Pra começar, queria alertar a todos os nerds. Por favor, se vocês gostam de animações em 3D, adoram a Pixar e os desenhos da Dreamworks, façam um favor a vocês mesmos e não gastem seu precioso dinheirinho nerd com esse protótipo de animação. O chamado dos pôsteres, “Dos mesmos criadores de Shrek”, não querem dizer absolutamente nada.

Eu não sei o que deu na cabeça dos produtores desse filme. Ao assistí-lo, o telespectador tem a ligeira impressão de que seus animadores foram ficando cansados no decorrer da produção e deixando de lado aspectos essenciais de uma animação, tais como textura, roteiro e criatividade! Não satisfeitos com o péssimo desempenho de Valiant, outra animação do estúdio, a Vanguard animation teve que cometer outra mancada.

A versão brasileira do longa, parece ser ainda pior do que a original, que eu não vou querer conferir, pois é dublada por duas crianças que não são atores, muito menos dubladores, os apresentadores do Bom dia e Cia, do SBT. Ham, o personagem central da trama, tem um sotaque insuportável, isso sem contar que o timing da dublagem está igualmente péssimo, com exceção dos figurantes, que são dubladores profissionais. Algumas das poucas piadas engraçadas do filme são exclusividade do grupo de cientistas nerds (redundância), mas ainda assim, não compensam o tempo perdido.

Uma dublagem ruim, um roteiro igualmente péssimo e animação mal feita, fazem desse longa uma animação exclusiva para crianças menores de 6 anos. Elas vão ao cinema, assistem o filme, vêem o macaco e esquecem um dia depois. Nós nerds, amantes de uma boa produção de animação, não podemos perder tempo com isso.

Curiosidade: A trama de Space Chimps é a mesma de um projeto abandonado da Dreamworks.

Batman – O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008) não é um simples filme de super-herói. Apesar das ótimas seqüências de ação e o respeito para com o universo do personagem, cineasta Christopher Nolan aproveitou o melhor da filosofia do Homem Morcego para traçar um paralelo com o declínio das avançadas civilizações do passado, causadas pela corrupção generalizada do sistema, com o atual processo eleitoral norte-americano. Da mesma forma que conservadores e liberais lutam pelo poder, encontramos a mesma situação no confronto niilista entre o Batman e o Coringa. Apesar de opostos, um complementa o outro. Nolan não panfleta para nenhum dos lados envolvidos, mas demonstra em uma memorável cena envolvendo dois barcos compostos por cidadãos e vilões, que a esperança reside no bom senso do povo.

Na trama, para não entregar nada, dois anos se passaram com a presença de Batman (Christian Bale) para defender os moradores de Gotham City. Os criminosos têm muito o que temer. O Homem-Morcego, com a ajuda do tenente Jim Gordon (Gary Oldman) e do promotor público Harvey Dent (Aaron Eckhart), lutará contra o crime organizado, comandado por seu arquiinimigo, o Coringa (Heath Ledger).

A narrativa utiliza a típica estrutura das fitas policiais dos anos 70 para reforçar suas mensagens sobre contrafação e caos. O tom sombrio e caótico surge mesmo nas seqüências diurnas, provando que Gotham City não é uma cópia da Los Angeles de Blade Runner. Percebe-se uma cidade real, espelhada na Nova York da década de 70, quando imperava a corrupção na polícia. Esse tom setentista remete o espectador ao cinema do diretor Martin Scorsese. Outras influências são os filmes dos cineastas Michael Mann e Brian de Palma.

O filme concebido pelo cineasta Chirstopher Nolan é artístico, autoral e rico em detalhes narrativos. Parece uma tragédia grega que envolve diversos antônimos comportamentais, como egoísmo/sacrifício, sanidade/loucura e ordem/caos, entre outros. Shakespeare ficaria orgulhoso. A cada nova cena percebe-se o confronto entre a organização e a confusão. Anarquia e ordem convivem espelhadas nos protagonistas. Mesmo nos heróis, existe um questionamento sobre os limites de suas ações. Esse dilema moral surge no fato de agir para obter um resultado, não importando os meios. O sacrifício resulta em uma mentira em pró de um bem maior. O papel das milícias e da figura do vigilante ganham outras camadas de reflexão. Impressiona como os roteiristas e irmãos Jonathan e Christopher Nolan, baseado na história escrita pelo próprio Christopher e David S. Goyer, distorcem certos códigos morais em que até mesmo a verdade sai perdendo. Fica claro que Nolan pretende mostrar os efeitos do caos na estrutura da sociedade e as possíveis reações de seus participantes, independente de suas posições sociais.

Essa proposta ousada teve a corroboração de todo o elenco, que repete as ótimas participações já protagonizadas anteriormente em Batman Begins. O gaulês Christian Bale demonstra porque o cineasta Werner Herzog o apontou como o melhor ator de sua geração. Bale interpreta Bruce Wayne e seu alter-ego Batman com pequenas nuances posturais e vocais, que nos faz acreditar que não são a mesma pessoa. Os vencedores do Oscar, Morgan Freeman (Lucius Fox), Michael Caine (mordomo Alfred) e Gary Oldman (tenente James Gordon) aproveitam cada minuto que surgem para roubarem a cena. Com destaque especial para Oldman que merece uma indicação para o Oscar. A psique do seu tenente Gordon lembra o personagem Serpico, protagonizado por Al Pacino no filme homônimo realizado em 1973. Maggie Gyllenhaal, que substitui a insossa Katie Holmes, consegue dar hombridade a personagem Rachel Dawnes.

Junto com essas feras, temos Heath Ledger interpretando o Coringa de forma definitiva e impecável. Se o tom de galhofa protagonizado por Jack Nicholson é a melhor lembrança que temos dos filmes antes da fase Nolan, Ledger constrói um Coringa psicótico e sem limites. Trejeitos, olhares, tom de voz e cacoetes se mesclam em um trabalho brilhante que daria orgulho a Marlon Brando. Vai ser muito difícil outro ator fazer esse papel no futuro. Aaron Eckhart resgata a dignidade do vilão Duas-Caras, depois da interpretação equivocada do ótimo Tommy Lee Jones nos anos 90. Infelizmente ele foi comandado na época pelo figurinista e dublê de diretor Joel Schumacher. Eckhart ainda brilha como o promotor Harvey Dent, alter-ego do Duas-Caras. Destaque também para Eric Roberts, como o ardiloso Salvatore Maroni. O filme ainda conta com as pequenas participações de Cillian Murphy (Dr. Jonathan Crane/ Espantalho) Anthony Michael Hall (Mike Engel) e Nestor Carbonell (o prefeito de Gotham City).

Batman – O Cavaleiro das Trevas conseguiu a proeza de superar o ótimo Batman Begins, seu antecessor. Se no primeiro filme de Nolan o tom era de introspecção, nessa nova produção a trama é mais complexa e meditativa. As cenas de luta são mais claras, deixando que o espectador entenda o que está acontecendo. As motivações psicológicas de todos os personagens ganham tempo suficiente de desenvolvimento. Fica claro que Nolan repetiu todos os acertos da fórmula anterior e consertou os pequenos equívocos. Com certeza, o melhor filme já feito sobre um super-herói.

Confira mais sobre DARK KNIGHT no especial do Almanaque Virtual. E mais: Vídeos com Making of e Entrevistas com todo o elenco.

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Batman não teve o mesmo número de intérpretes notáveis no cinema como 007. Mas uma coisa é inegável: muitos já estiveram sob o manto do morcego, seja interpretando-o em produções live-action ou dublando o personagem em animações. Vejamos quem foram os atores que viveram o homem-morcego ao longo dos anos (para o bem e para o mal).

Batman Preto e Branco

Lewis Wilson e Robert Lowery. Esses foram os atores que viveram Batman na sua primeira aparição nas telonas, os dois seriados cinematográficos da década de 40. Uma curiosidade sobre Lowery: Ele trabalhou em “A Marca do Zorro”, clássico de 1940 com Tyrone Power. Na cronologia atual do morcegão nos quadrinhos, esse foi o filme que os Wayne estavam assistindo na fatídica noite que deu origem ao cavaleiro das trevas.

Batman Colorido (até demais!)

Dezessete anos se passaram sem que Batman ganhasse uma nova adaptação. E ela veio em grande estilo. Por mais que alguns fãs mais xiitas abominem (e outros adorem) o seriado com Adam West, e não há como negar a sua importância na criação do mito do personagem. Adam West foi sem dúvida o que tirou mais proveito da fama de viver o homem-morcego: de 1966 a 1969 (anos em que a série foi produzida) West viveu como um Beatle, vivendo de festa em festa (e de orgia em orgia também). Seu histórico de mulheres e excessos pode ser conferido no livro autobiográfico “Back to Batcave”.

Depois de West, Olan Soule foi o próximo a encarnar o personagem, mesmo sem nunca ter vestido o uniforme. Ele foi a voz do personagem no clássico desenho animado “Superamigos”, a partir de 1973. Mas muito provavelmente você vai se lembrar mesmo é da voz de Pádua Moreira, que dublou o personagem na versão nacional do desenho.

A fase “Tim Burton” (e daquele que não deve ser nomeado…).

Tim Burton foi encarregado de trazer Batman para o cinema na comemoração dos 50 anos do personagem. E contrariando qualquer expectativa que poderia ser criada na época sobre quem iria vestir a máscara, Burton trouxe Michael Keaton.

Baixinho, magricela e meio calvo, Keaton era tudo, menos o Batman. Para criar uma ilusão, o enfiaram uma enorme armadura de borracha, com saltos enormes nas botas. O único detalhe é que Batman, de um homem extremamente ágil e lutador formidável nos quadrinhos, se tornou praticamente um Robocop. O pobre Keaton ficava enclausurado na armadura, e não podia nem ao menos virar o pescoço. As cenas dos dois primeiros filmes da franquia, quando o personagem precisava virar o corpo todo, como se estivesse com um colete ortopédico chegam a ser cômicas.

A falta de mobilidade acompanhou Val Kilmer e George Clooney nos “filmes” subseqüentes, dirigidos por Joel Schumacher (desculpem). A única diferença é que a roupa do homem morcego foi ficando cada vez mais espalhafatosa. Kilmer até merece uma distinção especial.

Enquanto estava vivo, Bob Kane, o criador do personagem dizia que Kilmer era o melhor intérprete do personagem que ele havia visto. Já Clooney é um caso a parte. Seu Batman era tão fanfarrão quanto o da série da década de 60 (bat-cartão de crédito, lembram?). Clooney já até se desculpou publicamente pela sua atuação, dizendo várias vezes que foi um dos responsáveis por enterrar a franquia.

A armadura desses filmes foi revivida em 2002 na série de TV “Birds Of Prey” (brilhantemente batizada pelo SBT como “Mulher Gato”). Em 2 episódios (dos 13 que a série teve), o ator Bruce Thomas fez pontas aparecendo como Batman/Bruce Wayne.

Uma voz para o Cavaleiro das Trevas

Dessa fase conturbada, porém, emergiu uma pérola na história do morcegão, que foi a série animada, produzida a partir de 1992. Nela, os dubladores Kevin Conroy (na versão original) e Márcio Seixas (na versão tupiniquim) brilharam. Ambos com um tom de voz parecido, deram ao morcegão a voz trovejante que todo fã gostaria que o Batman tivesse em todas as ocasiões. Já na nova série animada, iniciada em 2004, Rino Romano assumiu a dublagem do personagem, mas nem de longe atingiu o grau de brilhantismo de Conroy.

Após isso, veio Christian Bale e o resto todos nós nerds já sabemos. Resta agora torcer para que “The Dark Knight” continue o brilhante trabalho iniciado em Batman Begins e que muitos outros grandes filmes do morcegão venham por ai.

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Por inúmeras vezes, o colosso do universo dos quadrinhos, Frank Miller, foi responsável por revitalizar personagens. Em sua estadia pela editora Marvel Comics, o americano Miller deixou marcas permanentes nas mentes de toda uma geração de leitores que vivenciou o ápice de sua carreira. Durante os anos 80 passou pelas histórias do Demolidor, deixando como conseqüência de seu trabalho, personagens como a doentia personagem Elektra, a ninja assassina, e um nêmesis a altura de ambos, o Mercenário (Bullseye).

Já em 1985 Frank Miller ofereceu desta vez aos leitores da DC Comics outro baque deixando seu nome ao lado do gigante Alan Moore (Watchmen e V de Vingança). The Dark Knight Returns (O Retorno do Cavaleiro das Trevas) e chegou ao Brasil em quatro edições no ano de 1987 simplesmente como O Cavaleiro das Trevas, e a partir dela, o Homem Morcego jamais seria visto da mesma maneira.

Após décadas de atividade, finalmente o peso dos anos alcançam Bruce Wayne e seus hábitos noturnos como o mascarado herói Batman. O milionário, apesar de ainda ser destaque em eventuais acontecimentos da mídia, sofre com a chama do velho justiceiro que ainda queima por dentro de si, ao observar a degradação de sua amada cidade, Gotham City.

A crescente onda de violência, recorrentes em todos os noticiários, faz Wayne abandonar a razão e ignorar as limitações de seu corpo e deixa que as origens de sua identidade abandonada voltem a invadir suas entranhas.

A partir daí, a genialidade de Miller abre asas, mas o céu nunca seria um limite. A história passa do real, para o irreal e depois para o surreal. Miller acrescenta muitos elementos que encontramos em nossa triste realidade á sua nova concepção de histórias em quadrinhos.

Aos poucos, Batman com sua nova política de combate ao crime, sua estreita e drástica visão sobre como tal ameaça deve ser tratada, começa a gerar inimigos dentro da lei, já que seu fiel parceiro, o comissário Gordon está prestes a se retirar de seu cargo. Sua sucessora, Ellen Yindel, promete caçar o Homem-Morcego assim que for empossada.

A mini série ainda traz a presença de outros clássicos personagens como os vilões Duas Caras e Coringa, que acaba sucumbindo à nova política de tolerância zero do velho morcego, uma breve aparição de Selena Kyle, Ex-Mulher Gato e Oliver Queen, o Arqueiro Verde. Ainda segue na lista o ressurgimento do “sidekick” mais famoso dos quadrinhos, Robin, cujo manto agora é carregado pela adolescente Carrie Kelley, que salva Batman de uma enrascada após uma dura batalha com o sanguinário líder da gangue dos denominados “Mutantes. E como toda boa história dos mais tradicionais da DC Comics, é claro que não podia ser deixada para trás a presença do todo poderosos azulão, Superman, que desempenha nesta linha de história de Miller a mera função de um joguete do governo, sendo ainda retratada pela presidência de Ronald Reagan.

Clark Kent fica encarregado de fazer com que Bruce Wayne, aceite as imposições de seu governo referentes à sua atitude com relação ao crime. Obviamente Clark/Superman encontra um enorme obstáculo perante este novo Batman.

Além de todos os eventos citados ao redor da vida do Cavaleiro das Trevas, o mundo passa por uma ameaça nuclear agravada por uma crise internacional entre a extinta União Soviética e Corto Maltese, culminando no lançamento de uma Ogiva Nuclear que ameaça a vida de muitos.

O único capaz de impedir que tal evento tome proporções catastróficas é claro, é o homem de aço, que parte em retirada em direção ao míssil. Superman consegue alterar a rota da ameaça, mas sua explosão, mesmo que a distancia, desencadeia uma série de eventos que traz o caos até as ruas de Gotham.

Batman, Literalmente assume as rédeas para estabelecer a ordem novamente, convocando antigas gangues rivais para que se unam em sua causa, para que se faça surgir uma nova ordem a partir do caos. Feito isso, Batman e seu novo grupo de justiceiros cavalgam até a cidade e impõem com braço forte a ordem sobre uma multidão fora de controle.

A ordem imposta pelo Cavaleiro das Trevas prevalece, mas resta uma batalha épica, um duelo de Titãs, entre Batman e Superman, gerada pelo seu conflito de ideologias.

Bruce Wayne é sagaz, inteligente e usa todos os recursos que seu império lhe pode proporcionar, em um embate homérico contra o Homem de Aço, onde visa incutir no Kryptoniano sua razão através da violência e Humilhação. O morcego atinge seu Objetivo mais uma vez.Após a luta, o coração de Wayne pára, Clark se rende à sua determinação, o mordomo Alfred destrói os vestígios do temido herói e a mansão Wayne seguida de sua morte…

Aparentemente uma boa morte para o nosso herói mas, parafraseando o mesmo, “Não boa o suficiente!”. Bruce Wayne domina químicos como ninguém e forja sua própria morte (não para certo ser de Krypton), buscando em seguida um novo começo para si e seu novo grupo de aliados.

É obvio que Frank Miller criou um universo à parte com uma história que nada tem a ver com a cronologia da até então atual série do Homem Morcego, um futuro alternativo. Mas para muitos, este sim deveria ser o fim da longa luta de Batman, este sim deveria ser levado a sério.

Mas no final, Miller só provou uma coisa, que nem as trevas são capazes de levar este cavaleiro ao encontro do seu fim.

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Como todo herói de quadrinhos de sucesso, Batman teve algumas adaptações de animação para a TV nas últimas décadas. Eis uma pequena restrospectiva do Homem Morcego na tela animada:

Batman with Robin, the boy wonder

Após o grande sucesso da série com Adam West e Burt Ward, em 1968, a rede CBS exibia o programa The Batman and Superman hour onde se passavam 2 episódios: um do Super homem e outro de Batman e Robin;

Em 1969 os episódios foram separados e reorganizados separadamente para programas de meia hora e com isso nasceu a primeira versão exclusiva animada do homem morcego: o programa Batman with Robin, the boy wonder.

A série foi feita pela produtora Filmation (a mesma que nos anos 80 iria nos brindar com He-man) e basicamente contava as aventuras do homem morcego, do menino prodígio e da mulher morcego contra seus inimigos clássicos. O traço dos personagens e a animação lembram muito a da abertura da série dos anos 60 e fez um grande sucesso durante um bom tempo.

The New Adventures of Batman and Robin

Nos anos 70 quem fazia grande sucesso com a dupla dinâmica e todos os heróis da DC eram os estúdios Hanna-Barbera com a série Super Friends (conhecida por nós como Super Amigos).

Para concorrer com o grande sucesso, a Filmation mais uma vez investe na dupla dinâmica e em 1977 vai ao ar a série “The New Adventures of Batman and Robin” que seguiu a mesma dinâmica da série anterior. A única e talvez desastrosa diferença é a presença do personagem Bat-Mirim, um personagem de outra dimensão cujo nome era Ergo e que se auto intitulava o maior fã da dupla.

Foi uma das poucas vezes que o mesmo personagem foi produzido por 2 estúdios simultaneamente e vale lembrar que nessa série em alguns episódios, Batman e Robin eram dublados por Adam West e Burt Ward, os atores da série dos anos 60.

Os Super Amigos

Nesse período mais longo a dupla dinâmica foi mais assistida pelos estúdios Hanna Barbera, como integrantes da Liga da Justiça, Batman e Robin muitas vezes apareciam ajudando super homem, mulher maravilha, chefe apache, os super gêmeos e toda a galera dos Super Amigos. Mas vale lembrar que tiveram direito a vários episódios onde eles eram os protagonistas, e em outros, os únicos personagens a aparecerem.

Batman, The Animated Series e The New Batman Adventures

Com o sucesso dos filmes de Tim Burton, a Warner investiu numa nova série animada. Então, em 1992, era exibido Batman, The Animated Series. Num aspecto bem mais sombrio, traços mais limpos e mais marcantes que seus antecessores a série marcou, remodelou e inspirou todo o design de personagens da DC para animação nos anos 90.

Não demorou muito e essa série rendeu pelo menos 2 longas: Batman, a Máscara do Fantasma e SubZero.

Em 1997 para dar continuidade a série veio The New Batman Adventures. Enquanto que na primeira série, batman estava sozinho, agora aparecia o menino prodígio, a Bat-Moça e Asa Noturna para ajuda-lo na luta contra o crime em Gothan.

Após o grande sucesso, Batman passou a ser um dos personagens dos desenhos da Liga da Justiça produzidos recentemente.

Batman Beyond

No mesmo traço das séries anteriores, a visão futurista de Gotham e o velho Bruce Wayne ajudando um jovem a ser o novo justiceiro da cidade agradou o público e Batman Beyond foi uma série que surpreendeu com seus 52 episódios entre 1999 e 2001.

The Batman

Para preparar o público em mais uma ressurreição do homem morcego para as telonas (Batman Begins), a Warner lança em 2004 a série The Batman.

A história é a mesma: Nas primeiras temporadas Batman estava no início da sua carreira, contando apenas com a ajuda da Bat-Moça (meio a contra gosto), enfrentando os vilões de Gotham, aos poucos aparecem seus parceiros para ajudá-lo na luta contra o crime.

O que muda na série é o design dos personagens. Um pouco mais voltado para a cultura anime que invadiu o mercado americano, mas sem perder a identidade do desenho do Homem-Morcego. Os personagens lembram muito o estilo da série “As Aventuras de Jackie Chan”. A mudança mais marcante foram os vilões: o Coringa por exemplo parece mais um insano mestre das artes marciais do que o clássico psicótico palhaço. Não tem tido o mesmo sucesso que teve a série dos anos 90.

Algumas aparições curiosas em animações:
Gostaria de citar 2 desenhos marcantes: em um Batman participa, em outro é apenas uma referência:

• The New Scooby Doo Movies: “The Dynamic Scooby-Doo Affair”
  Na segunda encarnação de Scooby para a TV, a série mostrava as aventuras de Scooby Dôo, sua turma e convidados especiais: O segundo episódio contou com a presença da Dupla dinâmica para ajudar a turma da máquina do mistério a resolver o mistério.
• Johnny Bravo encontra Adam West
  Nesse hilário episódio, Johnny perde sua mãe (que na verdade foi ao Shopping) e para encontra-la tem a ajuda de ninguém mais ninguém menos que Adam West. Uma grande homenagem ao ator e a série dos anos 60.

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Depois de quatro filmes de Batman, passando do surrealismo gótico de Tim Burton, com o seu Homem-Morcego em miniatura (Michael Keaton), aos absurdos carnavalescos de Joel Schumacher, a franquia parecia estar muito desgastada.

Burton, nos dois primeiros filmes, parecia estar em pleno exercício do seu estilo, moldando a história do justiceiro mascarado de Gotham City à sua maneira de pensar, dando mais destaques aos vilões, reforçando seus lados esquisitos, em cenários sombrios, deixando o Batman sem a devida carga.

Já Schumacher transformou os filmes do Morcegão em vitrine para atores que tinham certa evidência na época, e nisso Val Kilmer e George Clooney vestem o manto do vigilante de Gotham, Chris O’Donnell vira Robin e outros medalhões dão as caras, como Jim Carrey, Tommy Lee Jones, Uma Thurman e Arnold Schwarzenegger.

As histórias não eram atraentes, os roteiros eram fracos, entrecortados de frases feitas e com cenas de ação para tentar sanar as falhas. E não foi só isso: Schumacher chegou inclusive a por mamilos nos uniformes da dupla dinâmica, fazendo com que milhões de fãs xiitas do Cavaleiros das Trevas ficassem à beira de um ataque de nervos.

Para dar mais dor de cabeça aos executivos de produtores e responsáveis da DC Comics, filmes dos heróis da concorrente Marvel estouravam na tela, com X-Men 1 e 2 (2000 e 2003), Homem-Aranha (2002) e Hulk (2003). Em meio a isso, é anunciado um novo filme do Homem-Morcego, sendo dirigido por Christopher Nolan, saído de Amnésia, filme que dirigiu e escreveu, juntamente com o irmão Jonathan. Parecia natural que o público não recebesse a notícia com tanto crédito.

Os fãs pareceram ficar um pouco mais calmos quando a proposta foi apresentada: recontar a história de Bruce Wayne, mostrando como o milionário se tornou o protetor de sua cidade e um dos heróis mais conhecido do universo dos quadrinhos. Surge o título: Batman Begins. Em 2005, o filme estréia, trazendo o ótimo Christian Bale no papel de Bruce/Batman, que deu muito mais credibilidade ao personagem.

O filme realmente cumpre o prometido, recontando toda a origem sombria do herói, começando com a morte brutal dos pais, passando pela peregrinação ao Oriente, onde Wayne é forjado no homem que terá as prerrogativas de vingar a morte de seus pais de uma maneira mais ampla, fazendo com que muitos malfeitores vão para a cadeia. O treinamento se dá por Henri Ducard (Liam Neeson), dentro de uma organização chamada Sociedade das Sombras, que tem como líder Ra’s al Ghul (Ken Watanabe), que prega práticas pouco ortodoxas para resolver os problemas da sociedade.

Anos depois, de volta à cidade onde cresceu, Bruce se depara com uma cidade afundada em crime, com o estado inundado de funcionários corruptos que tendem a beneficiar a pessoas como Falcone (Tom Wilkinson), chefe do sub-mundo de Gotham City, como o Dr. Jonathan Crane (Cillian Murphy). Mesmo as empresas Wayne foram usurpadas. O futuro cavaleiro das trevas precisa retomar o controle da situação.

Com a ajuda e cumplicidade do mordomo Alfred (Michael Caine), o auxílio tecnológico de Lucius Fox (Morgan Freeman) e da própria corporação Wayne, bem como uma parceria com o Sgt. Gordon (Gary Oldman), Bruce assume a alcunha de Batman, e parte para fazer justiça pelas próprias mãos.
Nisso, Crane dá lugar ao Espantalho, que com um gás pretende espalhar o terror nos cidadãos de Gotham City. Em meio ao caos, Ra’s Al Ghul surge como promessa de destruição à cidade, que considera impura e digna da aniquilação, tal qual Sodoma e Gomorra.

Cabe ao Homem-Morcego cuidar das ameaças e trazer um pouco de sossego ao atarantado cidadão, que vislumbra a oportunidade de não ter que temer a todo momento, sabendo que pode contar com um novo protetor.

No fim, Batman recebe a indicação de um novo rival, que deverá fazê-lo concentrar todos os seus esforços em fazê-lo ser apresentado à Justiça…

O filme foi bem recebido pelos fãs e crítica (veja a crítica do Jovem Nerd clicando aqui), de forma geral. Embora aspectos originais dos quadrinhos tenham sido alterados, a alma foi mantida. Bruce Wayne percorre uma longa trajetória até vestir a capa de Batman, e toda a profundidade dramática dos acontecimentos são exploradas.

Tirando certos deslizes (mesmo que fundamentados) como as cenas de luta cheias de corte, que causam certa confusão e até dor-de-cabeça no expectador, Batman Begins, de Christopher Nolan redefiniu o herói nas telonas e deixou seu público cativo com uma expectativa bastante grande, o que só aumentou no decorrer dos últimos meses, com uma campanha maciça que simplesmente martela a marca The Dark Knight na cabeça das pessoas.

E que venha o Cavaleiro das Trevas… E o Coringa!!!

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Chegamos, enfim, ao terrível Batman e Robin.

A destruição da carreira do homem-morcego continuou com essa porcaria de esse filme. Uniformes com mamilos, closes na bunda dos heróis, Robin gritando “Cowabunga” (que aqui no Brasil foi traduzido na época como “Ah, eu tô maluco”), Batgirl, Hera Venenosa que não é gostosa, Bane com máscara de lucha libre e um Mr. Freeze Transformer são apenas algumas das coisas que estragaram toda uma franquia.

Mr. Freeze – interpretado por Arnold Schwarzenegger – tem planos de congelar e dominar Gotham City enquanto procura por uma cura para a doença de sua esposa. No caminho, vemos os conflitos entre Batman e Robin, a doença que ameaça a vida de Alfred, a aparição da vilã Hera Venenosa – interpretada por Uma Thurman – e seu capacho, Bane e a chegada de Bárbara, a futura Batgirl, sobrinha de Alfred (???), interpretada por Alicia “Patricinhas de Bervely Hills” Silverstone.

Dessa vez o intérprete do morcego é o galã George Clooney, que diz ter feito o primeiro papel homossexual de sua carreira no filme do morcego. Vemos também a tentativa de Arnold Schwarzenegger de interpretar e andar de armadura ao mesmo tempo e de Uma Thurman, tentando ser sexy. O resto do elenco dispensa comentários.

O filme é todo repleto das maiores bizarrices. Batman escorrega nas costas de um dinossauro no Museu de Gotham no maior estilo Flintstones, luta contra o Robin e cai numa banheira de sorvete de pistache, beija Hera Venenosa, mostra o bat-cartão de crédito (!?!?!?!), etc. O Robin e Batgirl participam de uma corrida clandestina nos becos de Gotham. Batgirl invade os arquivos “secretos” da mansão Wayne e por aí vai.

No fim, conseguimos uma cura para a doença de Alfred, Batgirl entra para a equipe, Hera Venenosa e Bane são derrotados e nos damos conta de que dominar uma cidade congelada é coisa de idiota.

O diretor, Joel Schumacher, diz que se baseou na série do final dos anos 60, para fazer esse filme. Que bacana, né? Culpar os antecessores é uma ótima saída. Nerds, esqueçam esse filme, por favor! Ou usem como referência do que não se deve fazer em uma adaptação de quadrinhos!

Curiosidades:

• Anthony Hopkins foi cotado para viver Mr. Freeze.
• Hulk Hogan foi cotado para viver Mr. Freeze.
• Sylvester Stallone foi cotado para viver, adivinha quem? Mr. Freeze!

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O filme narra a escalada dos vilões Charada e Duas-Caras, interpretados respectivamente por Jim Carrey e Tommy Lee Jones, rumo à dominação mundial de mentes, através de um aparelho criado pelo Charada.

No meio do caminho está a sede de vingança, tanto de Edward Nigma, o Charada, contra Bruce Wayne, dessa vez interpretado por Val Kilmer, quanto da parte de Dick Grayson, o Robin, interpretado pelo bucha Chris O’Donnel, contra o Duas-Caras.

O que parece é que os dois vilões tornaram-se, cada um, uma metade do cérebro do Coringa, porque os dois usam e abusam das palhaçadas, o que não é e nunca foi característica de nenhum dos personagens. O Charada do filme é um grande palhaço que não se contenta em elaborar apenas seus jogos mentais. Age como louco e é obcecado por vingança, usando de piadas sádicas, dignas do palhaço do crime, no meio da ação.

Já o Duas-Caras de Tommy Lee Jones parece ter sido queimado por xarope de goma de mascar fervente, o que o transformou em um “cara-de-chiclete-mastigado”, afinal, até seu cabelo foi pintado pela substância. Também passa o filme inteiro fazendo piada com seus capangas ridículos e sua moeda riscada, que é a única coisa bem fiel ao personagem dos quadrinhos.

Como se já não estivesse ruim o bastante, vemos Dick Grayson entrar na jogada. O rapaz é adotado, já marmanjo, por Bruce Wayne, após seus pais serem brutalmente assassinados pelo vilão, Duas-Caras. O personagem é um bebê chorão que não convence. Em uma de suas cenas “marcantes”, ele põe a roupa pra lavar com os pés, em uma espécie de ballet doméstico. E mais tarde, com suas acrobacias, tenta invadir a Bat-caverna.

Não há muito a ser falar sobre Val Kilmer nesse filme, já que o cara não faz praticamente nada. Fica calado, com cara de “Estou pensando” o filme inteiro.

Esse filme criou polêmica entre os fãs do Homem-morcego, por causa de um detalhe bem pequeno inserido nos uniformes dos protagonistas. Um não, dois: os mamilos! A trilha sonora também caiu, como todo o resto. Nem “Kiss From a Rose”, do Seal, salvou o filme.

Batman Forever parece uma grande piada do diretor Joel Schumacher, que não conseguiu sacanear uma só vez com o morcego, então decidiu filmar mais uma seqüência, que acabaria com a esperança dos nerds no mundo inteiro, que acharam que a carreira cinematográfica do homem-morcego nunca mais se reergueria.

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Três anos depois do primeiro Batman, em 1992, veio a continuação: Batman – O Retorno, que é bem mais sombrio do que o primeiro filme. Burton se empenhou em corrigir os erros da produção anterior e, mais uma vez, conseguiu sucesso com o novo longa do morcego.

Desta vez vemos um Bruce Wayne mais sério, agora com mais experiência no combate ao crime e com cada vez menos tempo para vida amorosa. Ao investigar descobre uma mega conspiração envolvendo um figurão da sociedade, o empresário Max Shreck – vivido por Christopher Walken – e o recém chegado à civilização, Pingüim – interpretado por Danny DeVitto.

Durante a tentativa de provar à Gothan que Pingüim não é o pária bem intencionado e digno de pena que demonstra ser, o cavaleiro das trevas se vê em meio a um grande esquema para fazer com que a cidade pense que não precisa mais do Vigilante. Para piorar a situação, ainda temos a aparição da Mulher-Gato – interpretada por Michelle Pfeiffer. Uma secretária que após sofrer uma tentativa de assassinato, decide se vingar de seu chefe, Max Shreck.

O longa tem tanta ação quanto o primeiro, mostrando Batman em combate contra uma gangue de palhaços de circo sem contar os inúmeros quebra-paus com a Mulher-Gato.

Não existem muitas críticas negativas a respeito desse filme, tirando o fato do problema com a máscara continuar, e dos capangas do Pingüim serem palhaços de circo.

Alguns acharam que o vilão ficou nojento demais e muitos pais reclamaram que o filme acabou ficando muito assustador para as crianças pequenas. Tirando isso, a caracterização dos personagens melhorou, a atuação também e não tivemos mais piadinhas infames da parte de Bruce Wayne.

O esquema de montar Gotham com maquetes está ainda melhor nesse filme. Se duvidar, é só procurar a cena da entrada no zoológico, o esconderijo do vilão.

A Mulher-Gato está ótima, sensual e perigosa, assim como deveria ser.

Curiosidades:

• Burton não estava feliz com o resultado do primeiro filme e só aceitou dirigir o segundo até que todas suas exigências com o roteiro fossem atendidas.
• Keaton, que também não estava muito feliz com o primeiro longa: só aceitou o papel após receber um gordo aumento de cachê.
• Danny Devito foi proibido de descrever a maquiagem do pingüim para qualquer pessoa, inclusive membros da família.
• Annette Bening estava cotada para interpretar a Mulher Gato no longa, mas foi substituída por Michelle Pfeiffer, quando descobriu estar grávida. Pfeiffer ganhou dois milhões a mais que Bening para interpretar a anti-heroína.
• Sean Youg queria muito fazer a Mulher-Gato. Para isso, vivia rondando os sets de filmagem e até chegou a contratar informantes que se comunicavam com ela por walkie talkies, de dentro dos sets. Tim Burton chegou a se esconder debaixo da mesa para evitar a atriz.

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Todos sabemos que, em se tratando de aparições na televisão e no cinema, o homem-morcego encontra-se entre os grandes recordistas. Foram diversas séries animadas e filmes, desde desenhos próprios até participações especiais em desenhos da Liga e de outros heróis. Mas estou aqui para falar especificamente dos quatro filmes precursores de Batman Begins.

Comecemos com o primeiro Batman, de Tim Burton. Pegamos um diretor conhecido por seus filmes extremamente sombrios e misturamos com um personagem com um histórico tão sombrio quanto, e assim obtemos um filme que faz jus à carreira do herói.

O longa se passa nos primeiros anos do cavaleiro das trevas, quando o herói ainda era encarado como um mito pelos cidadãos de Gotham. Ao mesmo tempo em que a polícia persegue o homem-morcego, vemos o gangster Jack Napier em busca de sua ascensão no mundo do crime. Ao se encontrar no meio de uma cilada, Napier se defronta com Batman e a polícia, e acaba por cair em um tanque de produtos químicos, que o transformariam no “Coringa”. Aí, como já dá pra adivinhar, vemos o vilão insano e apaixonado por Vicky Vale (Kim Basinger), que tentar destruir e dominar a cidade, não necessariamente nessa ordem.

Tim Burton explora bastante o lado sombrio de Gotham, assim como é feito nos quadrinhos. Sua cidade é uma mistura de locações em Londres e maquetes, com imensos prédios cheios de gárgulas monstruosas e ruas molhadas e sujas. Batman usa e abusa de suas gadgets e o Coringa não poderia estar melhor, representado com maestria por Jack Nicholson. O ator arrasou com sua interpretação de um maníaco sádico e explosivo. O palhaço que não encarava bem brincadeiras consigo mesmo. Bem caricato, assim como o personagem dos quadrinhos na época. Não podemos deixar de falar no Alfred: sempre com seus comentários sarcásticos, fez com que o ator Michael Gough ficasse marcado no papel do mordomo mais famoso dos quadrinhos.

Como todo filme, tem seus defeitos. Podemos começar pela escolha dos atores. Não pretendo tirar o mérito dos intérpretes, só acho que existem atores mais parecidos com os personagens em perfil e fisicamente. Michael Keaton não tem o físico de Bruce Wayne. O playboy é forte e sério, enquanto Keaton é magro e vive soltando piadas sarcásticas pelo filme. Se você se incomodou com a escolha para o papel de Bruce Wayne, é porque não prestou atenção em Harvey Dent, interpretado por Billy Dee Willams, o Lando Calrissian de Star Wars! Ainda bem, que não fizeram uma seqüência com o Duas-Caras. Outra escolha foi a do Comissário Gordon. Pat Hingle não é mau ator, só não tem o físico, nem a presença do comissário de polícia de Gotham City.

Um dado curioso é o da própria fantasia do Herói. Nota-se que a máscara era colada na parte dos ombros, que terminava com a capa. Então, Keaton não conseguia virar a cabeça e tão pouco girar a cintura em um ângulo de 90 graus!

O filme é muito bom, sua trilha sonora é sensacional, mas teve seus vacilos, o que fez com que Tim Burton melhorasse na continuação! Mas isso é assunto para o próximo artigo!

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Uma série que mostra um rapaz crescendo e desenvolvendo habilidades enquanto lida com amores e inimigos e se prepara para, no futuro, ser um super-herói.

Se você pensa que eu acabei de resumir Smallville…ledo engano.

Quando os produtores Alfred Gough e Miles Millar procuraram a DC, sua proposta era de criar uma série com um de seus maiores ídolos, trabalhando sua adolescência e entrada na fase adulta. Mas eles falavam do Batman.

O projeto, chamado de “Bruce Wayne TV” e “Gotham”, mostraria Bruce Wayne voltando para Gotham City após anos do assassinato de seus pais, e terminaria com ele se tornando o Cavaleiro das Trevas por completo.

A PROPOSTA

Bruce retorna, próximo de seu aniversário de 18 anos e, a partir daí vai descobrindo os problemas que envolvem a Waynecorp, empresa que herdou quando seu pai foi morto, e a cidade como um todo, onde a violência cresce assustadoramente.

Porém, Wayne acaba fazendo amizades e decide ficar para defender Gotham, usando dos ensinamentos que teve durante o tempo em que esteve fora e aprendendo como melhor atingir os bandidos e corruptos. Ou seja, começa a “aprender a ser Batman”.

Entre seus amigos estariam o Detetive Jim Gordon, o rico e mimado Harvey Dent, Barbara Gordon, que cuida do Abrigo de Jovens, e Susan Dent, irmã de Harvey. Além deles, apareceriam uma psicóloga chamada Harleen Quinzel (que se tornaria a Arlequina), uma repórter de televisão chamada Vicky Vale e um certo comediante fracassado chamado Jack Napier (o futuro Coringa) . Além, é claro, de uma possível aparição de um rapaz vindo de Smallville.

Um roteiro foi escrito, e apresentado à DC. Apesar de sua qualidade, os executivos preferiram trabalhar com o Superman, outro ícone que precisaria ganhar novo público. O projeto foi “enterrado” de vez com a chegada de Christopher Nolan e David Goyer, responsáveis pelo filme Batman Begins. Analisando, é possível ver muitas semelhanças entre o piloto escrito para Gotham e o filme…

O PILOTO

Um Alfred mais velho segura uma foto de jovens felizes, e se pergunta como tudo chegou àquele ponto onde ele se encontrava.

Voltando no tempo, é mostrado Alfred tirando Bruce da cadeia em Londres para se dirigirem a Gotham City, contra a vontade do rapaz. A volta de Bruce é assunto por toda a mídia, que o trata como uma celebridade pop.

Passando pela agora empoeirada Mansão Wayne, e depois seguindo para a cidade, Alfred e Bruce conversam sobre as várias habilidades do mordomo – uma espécie de mistério a ser decifrado. Os dois vão até o Beco do Crime, onde os pais de Bruce foram assassinados. Dois bandidos os abordam, e Bruce os derrota rapidamente com alguns golpes de artes marciais.

Ao deixar os bandidos na Delegacia, Bruce e Alfred conhecem Barbara Gordon, filha do Detetive James Gordon. Ela é retratada no roteiro como uma menina ruiva de treze anos cuja atitude incomoda os policiais, principalmente ao dizer que seu pai um dia será Comissário. Ao ver Jim Gordon, Bruce o reconhece por tê-lo consolado na noite em que seus pais foram mortos.

Bruce conhece Charles Palantine, o homem que controla a WayneCorp, e é o “bad guy” da série (ele seria o Lionel Luthor da série), que deixa claro que o Comissário de Polícia é seu amigo pessoal. Lucius Fox, um velho amigo de Bruce, é um estagiário na empresa, e mostra todos os podres da administração de Palantine, que ficará com toda a empresa caso Bruce a venda ou morra antes de completar 18 anos.

O futuro Batman vai a uma festa com Harvey Dent e conhece sua irmã Susan, com quem rola um flerte. Depois da festa, Bruce e Harvey acabam sendo emboscados por bandidos, e Bruce começa a colocar em prática suas noções de artes marciais para derrotá-los. Depois de muitos problemas, Bruce completa 18 anos, e decide ficar em Gotham, e comandar a WayneCorp.

ESPECULAÇÕES

Um dos nomes mais pensados pelos produtores à época para fazer Bruce Wayne era Ian Somerhalder, que acabou aparecendo na 3ª temporada de Smallville como Adam Knight (Dark Knight?), e foi para Lost para interpretar Boone.

Segundo Millar e Gough, o nome pensado para Harvey Dent era de Michael Rosenbaum, que acabou fazendo Lex Luthor em Smallville. Curiosamente, Rosenbaum acabou, de qualquer forma, fazendo um amigo do herói que se torna um dos seus piores inimigos.

Realmente é uma pena que a série não tenha ido para frente. Quem sabe no futuro?

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“Essa matéria é dedicada a todos os vilões, sem eles Batman estaria desempregado.”

Em 1965, os Estados Unidos eram regidos pelas mãos do presidente Lyndon Johnson. A rede televisiva ABC, uma das maiores do país, projeta, para o nobre horário das 19h30, uma série televisiva baseada em histórias em quadrinhos, tendo uma personagem herói, capaz de seduzir o telespectador a ponto de ele continuar com a emissora até o fim da noite.

Uma pesquisa encomendada mostra cinco candidatos ao seriado. Os personagens quadrinhescos apontados por ordem de preferência pelos entrevistados foram Dick Tracy, Super-Homem, Batman, Besouro Verde e a pequena órfã Annie. Destes cinco, sairia alguém que transformasse o leque de seriados veiculados até então, como Lassie, A Feiticeira, Perdidos no Espaço, Zorro, Bat Masterson, Bonanza e outros que não chegaram ao Brasil, em concorrência desprezível.

O campeão e o vice das pesquisas, Dick Tracy e Super-Homem, acabaram se tornando inviáveis pela dificuldade e preço pela cessão dos direitos de filmagem. Batman foi o eleito. Provavelmente, a National Periodicals, dona do passe, não imaginava o achincalhe que um de seus heróis mais nobres ia sofrer, no ano seguinte. A emissora ABC contratou então o competente produtor executivo William Dozier para tornar o projeto exeqüível. A resposta dele foi um soco no estomago das pretensões.

“Francamente, eu nunca ouvi falar de Batman. Eu não lia quadrinhos quando pequeno, mas topo“.

E, para isso, comprou dúzias de revistinhas, a fim de conhecer melhor o cruzado encapuzado.

A falta de intimidade entre o herói, criado por Bob Kane em 1939, dentro de uma ótica de desenho expressionista, e com argumento de Bill Finger, desentrelaçou qualquer envolvimento afetivo entre o produtor Wiliam Dozier e o mito do herói. O Batman dos quadrinhos era um homem comum, inteligentíssimo, sem poderes paranormais e auxiliado pelo menino-prodígio Robin, um ex-acrobata de circo que traria força extra no combate violento aos vilões e ao mal de Gotham City - cidade fictícia claramente alusiva a Nova York.

Então, qualquer um que gostasse um mínimo da dupla dinâmica, em 1965 fazendo 26 anos de idade, teria escrúpulos em parodiá-la a si própria num seriado televisivo. Foi o que Dozier fez. Brilhantemente. A ponto de provocar o comentário irado de um professor de psicologia da Universidade de Duke, Doutor David Singer, tentando explicar a popularidade do seriado entre adultos:

“O ser humano herói, que eles adoraram nos anos 40, é agora um ridiculozinho, e as risadinhas vêm do possível controle sobre a insegurança e os desejos da longínqua infância“.

Menos acadêmica á do editor da revista “The New Yorker”, Michael Arlen:

“É um programa ligeiro, certinho, cheio de piadas engraçadinhas e com roupas ridículas, e que, no mínimo, um par de gracinhas poderia passar como boas numa noite chuvosa“.

Setores da intelectualidade norte-americana rechaçavam a possibilidade de entender o que a série queria passar. E, para passar essa crítica aos costumes e comportamentos da época, William Dozier tinha uma alternativa, pensada por ele mesmo.

Tirou da casaca a estética camp, ou tudo aquilo que, de tão bizarro e grotesco, torna-se surpreendentemente bom. Tanto Dozier quanto o roteirista Lorenzo Semple Jr. rechaçavam a idéia de adaptar “Batman” para a TV de uma maneira seriíssima. E, para isso, se convenceram de que o camp era a única maneira de “Batman” fazer sucesso. “Seria uma maneira de torná-lo atraente para a gurizada menor, e instigante e divertida para adultos“, disse Dozier, naqueles idos de 65. O roteirista Lorenzo, baseado nas velhas novelas radiofônicas norte-americanas, bolou uma estrutura fixa para a série.

Sempre dois capítulos, sendo que o primeiro episódio terminaria com um clichê barato de armadilha absurda, narrado por uma voz imperiosa e presunçosa, cheia de ironia que, no caso, era a do produtor Wiliam Dozier, que perguntava qual o destino final e convidava a todos para a continuação do episódio.

“Será que nossos heróis morrerão congelados?” – “Um fio de esperança não surgirá de seus cérebros?” – “O mundo se verá livre de seus dois mais destemidos defensores?” – “Não perca o final desse eletrizante episódio na mesma bat-hora e no mesmo bat-canal“.

E quem seriam os atores dessa aventura televisiva?

Para fazer o Homem-Morcego, o primeiro ventilado foi o ator Ty Hardin, especializado em filmes westerns. Em vão, estava indisponível. Surgiu o nome de Adam West, um ex-surfista, ator de segunda linha, com voz e maneiras quadradonas e canastronas o suficiente para destroçar o fenótipo do herói lindão.

Para completar, seu físico era o de um americano normal acostumado a comer hamburgers e cervejas, cheio de excessivas gordurinhas na barriga. West foi avisado pelo produtor Dozier de que não seria nenhum Cary Grant, e sim um idiota engraçado. Apesar do estereótipo intencional, não faltaram críticas, como a do editorial jocoso da revista “Newsweek” durante a exibição da série, que o chamou de “caricatura balofa e débil de um garotão de praia“. Bem-humorado, West escreveu ao órgão de imprensa, dizendo:

“Aceitem meus agradecimentos pelos elogios à minha condição física como Batman. Logo depois de ler o artigo, corri para um vizinho amigo, que é médico, que me garantiu, que eu não tinha um quilinho a mais e ser uma boa base para efeito de vídeo. E, tenham certeza, eu não sou o Super-Homem, e sim Batman. Saudações“.

Já o pequeno e magro Robin, companheiro e parceiro, não teve os mesmos problemas. Vivido por Burt Ward, um ex-lutador de caratê sem experiência televisiva e que, assim que entrou no escritório da produção, foi aceito como o ator procurado, recebeu poucas críticas quanto ao estado físico. Escolhidos os outros papéis, como o do mordomo Alfred, Tia Harriet, Comissário Gordon, Chefe O “Hara e eventuais vilões, era hora de gravar o episódio piloto, que acabou sendo considerado o melhor de todos”. “Hi Diddle Riddle/Smack in the Middle” custou 300 mil dólares, orçamento caríssimo para uma produção televisiva em 1966, e estreou no dia 12 de janeiro.

Paralelo à estréia, um coquetel regado a pipocas, num teatro em Manhattan, recebia, via batgarçonetes, personalidades ilustres de então, como o ator Roddy McDowell - que, mais tarde, participaria de um episódio vivendo o vilão Traça – e o artista plástico Andy Warhol, guru de toda uma década, para verem o primeiro episódio. Adoraram e riram a cada cena clichê, mas como o resto da América reagiria àquela chacota televisiva de um super-herói consagrado? Em menos de um mês, “Batman” era o primeiro em audiência.

O primeiro episódio

Afinal, como não assistir a seqüências geniais, como a do primeiro episódio: começa com o Comissário Gordon e seus inúmeros policiais impotentes recorrendo ao telefone vermelho da delegacia, que esta ligado diretamente à Mansão Wayne, onde vivem Bruce Wayne e Dick Grayson, verdadeiras identidades da dupla dinâmica. O mordomo Alfred atende ao telefone e vai chamar o patrão, que se encontra no meio de uma reunião de doação de fundos, provenientes dos cofres da Fundação Wayne, a alguma causa nobre.

A desculpa utilizada por Bruce para abandonar a sala é incrível: “Desculpem, senhores, acabo de me lembrar que combinei pescar com meu pupilo Dick“, e vai atender ao telefone. Minutos mais tarde, tentando encontrar o vilão Charada, Batman e Robin estacionam o batmóvel defronte a um night-club. Robin é barrado por ser menor de idade, e fica no carro, mas acompanha tudo por um monitor interno no painel.

Ao transpor a porta da boite, Batman vê-se no meio de gente colorida dançando freneticamente o batusi, um ritmo da moda que estava por vir por causa do seriado que estourou de vez. O garçom, solícito, chega perto do morcego e, educadamente, pergunta: “Boa-noite, Batman, gostaria de uma mesa especial?“, e vem então a brilhante resposta de um homem fantasiado de cinza e azul, com uma máscara de orelhinha e uma capa esvoaçante: “Não, muito obrigado, mas eu não quero chamar a atenção“.

Dirige-se então ao bar e, delicadamente, pede um suco de laranja duplo. Mas o barman era o cúmplice do Charada e, segundos depois de sorver alguns goles. Batman sai dançando loucamente o batusi, meio doidão com alguma droga contida no suco, e despenca no chão. Depois de reanimado, volta ao batmóvel e percebe que seqüestraram Robin.

Entra tresloucado e berra para que o guarda saia da frente, raptaram seu companheiro. Mas recebe a advertência: “desculpe, Batman, mas você não pode dirigir nestas condições“. E o herói: “Certo, guarda, tome as chaves“. As gargalhadas que ecoaram de costa a costa nos Estados Unidos seriam responsáveis pelo começo de uma mania. A batmania.

Numa primeira olhada, parece uma série inocente e cheia de mentiras. Mas Batman vem permitindo aos seus fãs releituras das aventuras e mensagens críticas contidas nas falas e personagens. São pratos cheios de códigos e símbolos à espera de interpretações comunicacionais. Brilhante é um bom adjetivo para a série. Ironizando toda a estrutura sólida dos roteiros tradicionais de super-heróis, usa, através de uma linguagem de histórias em quadrinhos personagens caricatas e representativas de vários estereótipos. O cinto de utilidades brinca exatamente com o avanço desenfreado da indústria do consumo descartável.

Há cenas impagáveis, como as leituras nonsense do sabe-tudo Batman em cima de mensagens completamente herméticas do bat-computador. Num momento histórico, onde o medo pelo domínio da máquina sobre o homem assustava puristas, o morcegão demonstrava a superioridade de sua inteligência. A estrutura do roteiro é elogiável, várias cenas foram filmadas sem tripé, e determinadas passagens eram reeditadas, como a saída da batcaverna e a chegada ao Departamento de Polícia.

Propositadamente, a historinha era a mesma em quase todos os 120 episódios duplos que foram ao ar entre 1966 e 68 nos EUA. Começa com algum crime, a autoridade policial inócua, encarnada pelo Comissário Gordon e sua legião de guardas ultrapassados, é informada pelo telefone da ocorrência e, sem pestanejar, ignoram sua impotência, ligando via linha direta – o telefone vermelho (alusão ao telefone que ligaria Moscou a Washington) – para a Mansão Wayne. O mordomo Alfred ou Bruce Wayne atendem, Dick Grayson chega junto, e a pequena estatueta de Shakespeare é degolada, sendo acionada a porta secreta, onde os dois bat-postes personalizados os levarão a batcaverna (o do Bruce era mais grosso do que o de Dick). A música tema, de Neal Hefti, excitava ainda mais os telespectadores, já que era rock, e entrava então a apresentação feita em desenho, como uma reverência aos quadrinhos de Bob Kane.

As críticas

Impossível falar e tudo o que Batman representa. Uma das coisas mais interessantes deixa cinéfilos fascinados. Todas as vezes, sem exceção, em que a locação era no esconderijo de algum vilão, a tomada da câmera era feita com o tripé desvinelado. O eixo era desviado, e a imagem saía torta na tela. Claro, os ladrões eram elementos desnivelantes. Vê-se que nem só a literatura dos anos 60 acoplava psicologia e sociologia a seus elementos de ficção. O cameraman Howard Schwarts, responsável pela série, confirma isso. “Ângulos tortos eram propositais e exclusivos, para dar o efeito na casa dos vilões. E ajudava ainda mais a ressonância das onomatopéias inseridas. Cada ZONC!, ZAP!, POW! Era calculado“, diz ele ao livro “Fantastic Television“, de Carry Gerani.

O sucesso da série foi tanto que, quando a ABC resolveu, um dia, colocar no ar uma transmissão do vôo da nave GEMINI V, choveram telefonemas implorando e exigindo a volta de “Batman“. José Wolf, em 19/02/67, no Jornal do Comércio, comentava o fato:

“É uma psicose coletiva. As aventuras inconseqüentes e delirantes de Batman foi uma opção ostensiva por um tom de glosa, enfocando-o numa linha de sátira caricaturizante, em parte responsável pelo fenômeno psicótico de uma civilização intoxicada pelo ópio do bem-estar sócio-econômico“.

O jornalista Roberto Rios, do Jornal da Tarde, dá uma bofetada no termo “inconseqüente” dado por Wolf.

“Era uma época de desprezo pela violência, as passeatas contra a inútil guerra do Vietnã, os movimentos pelo “Flower Power” e a paz e amor pediam por um super-herói que, de tão sério, se tornasse, na sua veemência, simplesmente ridículo. Foi esse reacionário discurso que Batman fazia em favor das grandes instituições, elogiando o trabalho e a honra pessoal, e moralizando sobre os perigos das más-companhias, que os jovens intelectuais universitários souberam, em poucas semanas, entender. Por trás da verdadeira máscara de Batman estava um violento e engraçado cinismo, pois nosso herói não passava de um palerma fantasiado que, junto com seu pupilo Robin, lutava para manter a ordem e proteger os cidadãos de Gotham City“.

Sobre a tal Misoginia, Sérgio Augusto afirmava convicto, em 1967, no Jornal do Brasil, que :

“Bruce Wayne e Dick Grayson vivem como sibarsitas numa casa luxuosa, cercada de flores. O psicólogo Frderic Wartham extraiu desses pequenos detalhes domésticos algumas conclusões surpreendentes. A Mansão Wayne seria o nirvana do homossexualismo, o paraíso da vida em comum de dois homens que se estimam e se satisfazem“.

O escritor e humorista Jules Feiffer, em seu livro:

“The Great Comic Book Heroes“, revela não acreditar que apenas os homossexuais desprezam a mulher. “Batman e Robin – diz Feiffer – são um legítimo prolongamento daquela masculinidade misantrópica que se manifesta em todas as formas de passatempo na América“.

Tudo isso ficou tão forte no seriado que o Homem-Morcego nunca mais conseguiu se livrar desse fardo. Um raro caso que a piada acabou se tornando uma realidade. O criador Bob Kane morreu com essa mágoa com os produtores da série, que acontece bem no meio de uma revolução sexual. Bruce Wayne é um homem muito bem resolvido. Dá suas tímidas cantadas na Mulher-Gato, por quem nutre uma paixão, vai para a cama com uma milionária – como no episódio em que ele entra num quarto a propósito de comer biscoitos com leite, e se dirige à câmera, dizendo à mulher: “Não posso viver somente na luta contra o crime“, – e tem Robin um aprendiz sexual que pode satisfazê-lo em horas solitárias. É o popular “gilette“, que joga em todas as posições. E não era isso que a revolução sexual achava ideal?

O filme

O sucesso da série foi tão grande que foi ao ar durante 3 períodos (nos EUA os seriados são criados para durar um período de 4 meses, no qual é chamado de “Season” – Estação). Rendeu ainda um longa metragem para o cinema. Por sinal este filme tinha sido programado para ir ao ar antes do seriado. Ele funcionaria como filme “piloto” da série. Entretanto, a rede de TV ABC foi obrigada a colocar a série antes do filme, devido a baixíssima audiência de seus programas. Assim o filme foi arquivado até o fim do 1º período da série.

Mesmo sendo lançado depois do planejado, o filme auxiliou a ABC de duas formas: facilitou a venda da série para outros mercados (países) e proporcionou recursos na construção do Bat-cóptero e da Bat-lancha por ter um orçamento maior.

A construção desses equipamentos era considerada muito cara, por se tratar de uma série televisiva. Tanto que, mais tarde, toda vez que era necessário a presença dos dois artefatos num episódio, os produtores usavam as cenas feitas para o filme. A Bat-cicleta também era para ter tido sua estréia no filme, mas como ficou pronta antes, foi ao ar pela 1ª vez nos episódios 21 e 22 da série (The Penguim goes straight / Not yet, he ain “t”.).

Dois meses depois de completado o filme, começaram a preparar o segundo período da série, com outros Bat-equipamentos e com inúmeros vilões novos. Porém, o enorme sucesso do 1º período não se repetiu. Assustados com a pequena queda de audiência, os produtores resolveram mexer na estrutura do programa. Ao invés de histórias divididas em 2 capítulos, criaram de 3 capítulos. Outra mudança, foram histórias que reuniam vários vilões ao mesmo tempo, já que tinha dado certo no Longa. No começo do 3º período os produtores resolveram mudar ainda mais a série.

Tentando recuperar o prestígio criaram a personagem Batgirl (Yvonne Craig). Ela ajudou a afundar de completo a série (a mesma coisa que o diretor Joel Schumacher fez com os longas dos anos 90). Era sem graça e irritava os batmaníacos. A personagem “Tia Harriet” – a atriz Madge Blake - só apareceu uma vez durante o 3º período por razões econômicas e médicas (ela morreu em 19/02/69). A história passou de duas vezes por semana para uma. Assim a tensão criada de um capítulo para o outro terminou. Com essa mudança radical os roteiristas foram limitados ao máximo de 13 personagens por episódio.

Então, depois de Batman, Robin, Batgirl, com seus respectivos alter-egos Bruce, Dick e Bárbara (cada um contava como um personagem separado), Alfred, Chefe O”Hara e Comissário Gordon, restava apenas espaço para um vilão e sua quadrilha. A audiência caiu tanto que a ABC cancelou a série. Duas semanas depois, a NBC ofereceu aos produtores e ao elenco um contrato para a realização de uma nova série, com a condição de que os equipamentos estivessem intactos. Mas era tarde demais. A ABC já tinha destruído os cenários e a Bat-caverna. Só uma nova Bat-caverna custaria para os cofres da NBC $800.000,00.

Infelizmente o atraso da NBC acabou de vez com as esperanças de um 4º período da série. Como o novo seriado em um outro canal se sairia? Ninguém sabe. Provavelmente teria sido restaurado o seu formato original e duraria mais alguns anos no topo, ou talvez piorado, transformando-se num fiasco. Entretanto, em setembro de 1969, os 120 episódios de “Batman” foram reprisados com sucesso de público. Até hoje a série é reprisada divertindo pessoas do mundo inteiro. Atualmente ela é transmitida por 217 países espalhados pelo planeta.

Toda vez que se fala na figura do Homem-Morcego, a primeira imagem que chega à nossa cabeça é de um homem gordo, de canelas finas e canastrão. Mas que sempre terá um lugar todo especial no coração dos amantes do puro e bom divertimento. Seriados como “Batman” permanecerão até o final dos tempos por duas razões bem simples. Primeiro por sua inovação técnica e pioneirismo. Segundo, devido a qualidade dos seriados atuais.

Atualmente as séries são um amontoado de clichês numa produção eficiente, em que a violência gratuita ou a comédia descartável e artificial tomaram conta do mercado (com raras exceções). Assim, enquanto esse marasmo mental permanecer nas mentes de nossos roteiristas a única alternativa que temos é assistir aos geniais e criativos episódios do passado. Como diria o “Cruzado Embuçado” ao seu fiel pupilo “O Menino Prodígio“: – Aos Bat-postes, Robin ! Tãnãnãnãnãnãnãnãnã – BATMAN !!!

Como o mundo recebia Batman?

Falar do seriado “Batman” sem situá-lo no tempo e no espaço é diminuir brutalmente sua importância, do ponto de vista da contribuição cultural que representou e de quanto influenciou gerações posteriores responsáveis pela criação na cultura de massa.

A década de 60 já foi vista e revista pelos teóricos e estudiosos. Não restam dúvidas de que foi um período da Humanidade em que borbulharam delírios e idéias sensacionais que viriam a transformar o mundo e o jeito de se viver nele. Em certo capítulo, por exemplo, é simulado o seqüestro de uma banda de rock, gênero explodindo na época, e que, na verdade, eram dois irmãos com cabelos e roupas idênticas, numa crítica à uniformização pasteurizada de tal música de protesto. Os cabelos, claro, eram “á la Beatles“.

A seguir, exponho fatos históricos que influenciaram o seriado. Assim como costumes que foram automaticamente incorporados pela sociedade norte-americana, a partir de seu aparecimento em “Batman“, criando uma verdadeira batmania.

Os fatos abaixo tanto apareceram implícita e explicitamente durante o seriado. Algumas vezes os nomes das personalidades e países são trocados e aprecem bem disfarçados. Um exemplo: a revolta universitária francesa em Nanterre. Num episódio, a Mulher-Gato ingressa na faculdade e chefia uma revolução de alunos contra as autoridades. O legal é ler os itens abaixo e procurá-los nos episódios.

• Fundada a UNITA em Angola. Bruce Wayne ensina a Dick Grayson que a boa vizinhança com os países amigos da América Latina é a melhor opção para os Estados Unidos.
• Começa a intervenção direta dos EUA no Vietnã. Batman é contra este tipo de ato político, apesar de que ele sempre faz isso discretamente.
• A Inglaterra esta avante no modernismo cultural e teatral com o Living Theater. Aliás, em certo episódio, Mulher-Gato entra no Consulado Inglês e, no meio do papo, diz ao cônsul: Não são os ingleses que gostam do modernismo?”.
• A Pop Art, que esta muito ligada à estética colorida e surreal do seriado e seus cenários, insere ou transforma objetos preexistentes em obras de arte, ou propõe a mobilização estética de fenômenos atuais e populares substituindo a sacralidade tradicional da obra de arte eterna pelo conceito novo do objeto perecível, fruto da moderna indústria de consumo. Liechenstein é o artista que mais se aproxima das alusões às histórias em quadrinhos. Batman também, tanto que usurpou a onomatopéia para suas batalhas - BAM! POW! BRIFF! CAPOFF! SOC!.
  
  No desenho industrial, a escola alemã Bauhaus estuda as relações individuo / ambiente, procurando objetos os mais práticos possíveis. O cinto de mil e uma utilidades, com suas especificidades de artefatos, é uma alusão.
  
  A idéia é mais importante do que a expressão. Land-art, body-art, performance e high-tech, neo-realismo, hiperrealismo, minimal-art e arte conceitual. Batman conseguiu um realismo fantástico, high-tech.
• O cinema, gradualmente, vai se tornando inconformista, focalizando temas desagradáveis para a sociedade burguesa, como o conflito de gerações, injustiça social, sexualidade e preconceitos. Batman mexe com tudo isso sob um prisma cruelmente irônico.
• Pululam discotecas. No primeiro episódio da série, Batman cria a bat-dance. Os jovens incorporam o estilo nos EUA.
  
  A estilista Leslie Hornby (Twiggy) escandaliza o mundo com a mini-saia, vestuário sempre presente nas mocinhas de Gotham City.
• Em San Francisco, as primeiras aparições hippies, e que também foram citadas de forma caricata, já prevendo o que a indústria cultural faria mais tarde com o fenômeno.
• Foi a década que glorificou o consumismo e o kitsch. Basta assistir a um episódio de Batman e ver que isso esta muito bem inserido e refletido.
• O dadaísmo ressurge. É a prática de elevar objetos sem valor à dignidade artística, numa atitude de repúdio às normas estéticas e sociais vigentes.
• As artes plásticas ainda estão sob o efeito do surrealismo.
• Numa boite americana, Carol Doda se torna a primeira garçonete a servir os fregueses homens. Sinais da tal revolução sexual.

UMA LEITURA MAIOR NA FICHA TÉCNICA:

BATMAN – 1966 / 68 - ABC Television / NY

120 capítulos de 30 minutos cada
Produção Executiva: William Dozier
Produtor: Howie Horwitz
Roteiro: Lorenzo Semple Jr.
Diretor de Fotografia: Howard Schawrtz
Maquiagem: Bem Nye
Música: Neal Hefti
Orquestra: Nelson Riddle

ELENCO:
Batman / Bruce Wayne (Adam West)
Herói que dá nome à série. Gordo, meio desajeitado, canastrão e dono da verdade. É a segurança em pessoa, tem soluções para tudo e tem suas falas carregadas de ironia.

Robin / Dick Grayson (Burt Ward)
Menino-prodígio, inseguro, entrando na puberdade, ágil e escada teatral para Batman. É o público fiel para o Homem-Morcego.

Comissário Gordon (Neil Hamilton)
É a personificação da crise da polícia nesse século. Velho, medroso e vive pedindo conselhos. Não faz nada contra o crime, apenas agradece a Batman.

Chefe O’Hara (Stafford Repp)
É o marajá da história. Velho e encostado em Gordon, Chefe O’Hara esta ali para legitimar a insegurança do Comissário. Sãos dois bolhas policiais.

Mordomo Alfred (Alan Napier)
Silencioso e sutil, sustenta os furos que a dupla dinâmica eventualmente comete. Chegou a bancar Batman em certos episódios. Encarna o cinismo e detém o poder do conhecimento. Só ele sabe quem são Batman, Robin e Batgirl.

Tia Harriet (Madge Blake)
É a bobona da série, personalizando a própria ingenuidade das pessoas que acreditam em super-heróis. Além disso, tem tudo para saber a verdade, mas não sabe.

Batgirl / Bárbara Gordon (Yvonne Craig)
Só entrou para tentar resgatar o índice de audiência em 68, e foi a heroína mais chata que já surgiu. Não era nem um pouquinho sensual.

Mulher-Gato (Julie Newmar, Lee Meriwether, Eartha Kitt)
Aquela que era mulher de verdade. Sensual, sexy, dominadora e esperta. Corpo perfeito, dona de um esconderijo que mais parecia um quarto de motel, personifica o crime, e de quão ele é atraente para homens e mulheres. Uma mulher livre em plena revolução feminista. E era meio masoquista, já que disse: “Não importa ser presa por aqueles braços fortes dizendo ao meu ouvido – Estás presa”.

Coringa (César Romero)
Era o componente clown, cínico e malvado, ria das próprias maldades. Personificava o sadismo, já que, mesmo preso, não perdia o bom humor. Tinha muito de teatro em sua interpretação.

Pingüim (Burguess Meredith)
Maníaco por guarda-chuvas, tinha inteligência meticulosa e traiçoeira.

Era o mais vingativo.

Charada (Frank Gorshin)
Esse era genial. O próprio Narciso. Feliz com seus belos planos e odiando o amor de todos por Batman. Chegava a ser neurótica a sua interpretação vaidosa. O ponto de interrogação na blusa é uma bela idéia de questionamento da existência humana. Cultuava sua inteligência e só fazia se comunicar por charadas (por mais estúpidas que fossem).

Rei Tut (Victor Buono)
O primeiro faraó bicha velha gorda da história do Egito. Sua interpretação com uma voz melosa e tiques afeminados era hilária. Parecia que ele tinha ciúmes de Batman. Em um dos episódios ele hipnotizava Batman, forçando-o a dançar o batusi, dando uma idéia de sodomia. Podemos notar claramente os figurantes morrendo de rir na cena.

Com o sucesso da série, toda a elite do cinema queria aparecer no seriado. Atores como Gloria Swanson, Steve McQueen, Clint Eastwood, Kim Novak, Jose Ferrer, Frank Sinatra, Elizabeth Taylor, Gregory Peck e até Robert Kennedy, que nem era ator, queriam fazer algum tipo de participação. Mas não havia espaço para todos eles, por isso foi criado um novo quadro, o da janela. Quando Batman e Robin escalavam um prédio para chegar de surpresa até o esconderijo dos bandidos, eles encontravam-se com alguma personalidade da época, que abria uma janela e conversava com eles.

Ao todo foram 16 pessoas, Jerry Lewis, Dick Clark, Besouro Verde e Kato (respectivamente Van Williams e Bruce Lee), Sammy Davis Jr., Bill Dana, Howard Duff, Werner Klemperer (Coronel Klink na série Guerra, Sombra e Água Fresca), Ted Cassidy, Andy Devine, Art Linkletter, Edward G. Robinson, Susie Knickerbocker, Rei dos Carpetes (que era dono de uma rede de lojas de tapetes) e Papai Noel.

O resto da lista dos vilões, sempre com participações muito especiais de atores famosos que, por muitas vezes, ganharam cachês maiores do que os de Batman e Robin:

O Arqueiro (Art Carney), Viúva Negra (Tallulah Bankhead), O Traça (Roddy McDowall), Drª Cassandra (Ida Lupino), Cabala (Howard Duff), Chandell (Liberace, o pianista), Coronel Cola (Roger C. Carmel), Cabeça de Ovo (Vincent Price), Face Falsa (Malachi Throne), Lord Fog (Rudy Vallee), Louie the Lilac (Milton Berle), Ma Parker (Shelley Winters), Chapeleiro Louco (David Wayne), Márcia (Carolyn Jones), Minerva (Zsa Zsa Gabor), Menestrel (Van Johnson), Senhor Gelo (George Sanders, Otto Preminger e Eli Wallach), Enigma (Maurice Evans), Sandman/Dr. Sonâmbula/João Pestana (Michael Rennie), Shame/Vergonha (Cliff Robertson), Sereia (Joan Collins), Leslie Gore (Gatinha), Rei Relógio (Walter Slezak), Lola Lasanha (Ethel Merman), Nora Clavícula (Bárbara Rush) e Zelda (Anne Baxter).

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Desde a década de 70, com o surgimento da crise de energia, de petróleo e, principalmente, do papel, os quadrinhos não conseguem repetir os números do passado. Os Super-heróis, que sempre desempenharam o papel de protetores da sociedade, tinham como seu instrumento de trabalho superpoderes que os mantinham fisicamente superiores aos seus inimigos. Portanto, o estigma, portanto, da força é o que sempre acompanhou a vida desses heróis. A razão pela qual sem ela de nada adiantaria os montes de músculos de nossos justiceiros, e a violência, dada como única maneira de se tratar os delinqüentes.

Dois dos primeiros heróis dos gibis – Super-Homem e Batman – tinham como principal arma a força bruta. É claro que Batman dependia bastante de sua capacidade intelectual, tanto que é considerado o maior detetive dentre todos os seus companheiros. Porém, de nada adiantaria uma pista certa se, na hora de enfrentar o bandido, ele não utilizasse seus punhos. O mesmo ocorre com o Homem de Aço que, sem precisar de todo aquele aparato técnico do Batman – cinto de utilidades, Batmóvel, Batcomputadores, etc. – concentrava nele próprio, toda a capacidade tecnológica do mundo contemporâneo. Trata-se, precisamente de encontrar um ser humano – ou kriptoniano, como queira – que tenha todo o poder da máquina, sem ser máquina.

A forma de trabalho do super-herói é a aventura, e seu resultado espiritual é aquilo que todo Estado, que se considere eficaz, deveria promover: a felicidade social. Portanto, tudo gira em torno da idéia da preservação da Lei e da ordem nem que, para isso, seja necessária a mais drástica das violências, como um trecho de uma história de Aquaman de 1970, em que ele próprio narra: