Se existe um jogo com uma história intensa e bem profunda, esse jogo é Assasssins Creed. Na sua 4ª iteração canônica, com Assassins Creed: Revelations (PC, PS3 e Xbox 360), somos levados a mais um local histórico recriado com detalhismo que a Ubisoft empregou nos games anteriores, na esperança de acabar com o embate milenar de Templários e Assassinos, que pretende se estender até a data do fim do mundo em dezembro de 2012.

ACR nos leva à cidade de Constantinopla, no meio da disputa pelo trono do império bizantino, entre o príncipe Suleiman (Salomão) e seu tio, o príncipe Ahmet, que definiria que será o sucessor para governar a Turquia. E no meio desse turbilhão, Ezio estará à procura das “Chaves de Masyaf”, artefatos que abrem a biblioteca da cidade de Altaïr ibn La-Ahad, o protagonista do primeiro game, onde supostamente está escondida uma poderosa arma que tem a chance de acabar com a guerra contra os templários.

E Ezio não será o único personagem jogável desta vez. Desmond Miles, o sucessor atual da linhagem dos assassinos, retorna ao controle do jogador, mas desta vez sem nenhum Animus 2.0 para controlar ou monitorar suas ações. Depois dos eventos de Brotherhood, Desmond caiu em coma, e embora seu corpo físico esteja inerte, sua mente continua acessando livremente os mundos de Ezio e Altair, além de abrir suas próprias memórias esquecidas.

Outro que retorna, e com bastante destaque, é Altair. Como grande responsável pela manutenção da Irmandade dos assassinos após a crise do final do primeiro game (após a descoberta do Piece of Eden, e da traição do grande mentor da confraria), e um dos assassinos mais respeitados de todos os tempos, Altair tem boa parte de sua história posterior desvendada, chegando à quase toda a sua vida dedicada à irmandade, protegendo seus mistérios e acatando suas decisões.

Como era de se esperar, Ezio está mais velho. Passados quase 20 anos do final de Brotherhood, Ezio se encontra mais experiente e mais respeitado. Em Constantinopla, ele conta com a ajuda de Yussuf, um dos mais talentosos assassinos da região, e Sophia, uma escrivã italiana que terá um papel importante desvendando as localizações que Ezio encontrará para recuperar as Chaves de Masyaf.

Tanto a receptividade de Yussuf quanto a tensão romântica entre Ezio e Sophia servem de bons alicerces de construção narrativa, lembrando ao já cansado guerreiro italiano que amizade e até paixões podem despertar no campo de batalha.

ACR traz algumas boas novidades. Uma delas é a “hookblade”, um upgrade à sua lâmina escondida, que serve tanto para deslocamento quanto para combate. Basta acionar o comando correto, e Ezio usa a hookblade para se aproveitar das cordas interligadas pelas ruas da cidade para deslizar de um ponto a outro, ou derruba inimigos durante uma corrida com uma investida simples.

Uma outra boa novidade é a inclusão de bombas, que são podem ser montadas com materiais simples achados pela cidade. Elas podem ser de 3 tipos diferentes: evasivas, distração e impacto, e o material que você usa pra montar altera efeitos, área de impacto e força de impacto. Se a hookblade acrescenta variedade ao deslocamento, com certeza as bombas acrescentam estratégia às suas aproximações.

Graças ao turbilhão de emoções políticas de Constantinopla, os assassinos precisam cuidar dos guerreiros imperais romanos, e dos bizantinos, que disputam o poder na fronteira da Europa com a Ásia, e que geram conflitos em toda parte, inclusive contra os assassinos. E aí entra mais uma novidade.

Em algumas ocasiões, você precisara comandar defesas em frente ao seus quartéis, num mini-game de “Tower Defense”, de sistema simples, mas que não chega a entediar, já que aparece somente poucas vezes. Ezio se posiciona no telhado, e organiza seus assassinos para atacar os invasores enquanto artilheiros mandam suas balas de canhão contra os exércitos inimigos.

Após terminada a batalha, o Covil recebe seu líder, que terá liberdade de comandar um pequeno grupo de assassinos enquanto Ezio e Yussuf partem em busca de outras pistas. E para criar esses líderes, entra em ação o sistema de recrutamento e treinamento melhorado do game anterior.

Você ajuda um civil que tenha potencial para ser um assassino, ele entra pra sua irmandade, e pode participar de missões em outras localidades, até que a influência dos templários seja eliminada. E quanto mais participar das missões, mais facilmente esse novo assassino pode ser tornar um líder.

Mas o grande ápice do jogo fica na busca das tais chaves de Masyaf, que bebe da fonte dos games anteriores, como os templos secretos de Assassins Creed II e os templos de Romulus, em Brotherhood. Estas seções são basicamente sistemas de cavernas subterrâneos interligadas, onde os templários estão em busca das chaves, e que somente Ezio e sua Visão de Águia conseguem localizar as próximas etapas. Aqui toda a parte de movimentação vira o foco do jogo, entrelaçado com algumas partes de combate.

Sophia ganha sua importância na hora de encontrar a entrada de tais cavernas. Enquanto procura pistas, Ezio descobre que Nicolo Polo, pai do explorador Marco Polo, havia localizado várias dessas cavernas. Pistas destas cavernas foram registradas em livros que, após serem encontrados por Ezio, são traduzidos e cartonados pela Sophia. Sem querer, ela foi uma das conspiradoras mais importantes da trama.

E em todos os momentos você sente que a parte gráfica subiu mais um pouco seu próprio nível. As texturas da cidade (que na minha opinião é a mais bonita de todos os jogos), os rostos dos personagens, as cores e os materiais presentes nas feiras de rua, tudo parece que mais bonito, mais definido, e com mais nitidez.

O modo multiplayer também retorna, e mantém o nível dos seu anterior. É uma das inovações mais legais em termos de multiplayer no mais autêntico mata-mata possível (com trocadilho). Basicamente, você é agrupado contra um outro pelotão, e deve acertar alvos pre-determinados da maneira mais discreta, e te rende pontos que liberam armas, modos de matar e artefatos para se esconder mesmo na multidão. De todas as vezes que joguei não tive muitos problemas de lag, e mesmo você só começando a jogar agora, não se sente inferior aos demais que já jogam à muito tempo.

O que talvez seja mais preocupante é que Assassin’s Creed tenha seu maior dom e seu maior problema no mesmo preceito: a mecânica de jogo. Eu realmente esperava que Revelations fosse encerrar toda a história do jogo, mas segundo a própria Ubisoft, na verdade ele encerra a cronologia de Ezio (e talvez a de Altair, mas essa ainda não foi confirmada).

E é aí que está o problema, já que embora o jogo a esta altura seja sacramentado como sendo de um tipo único, ele começa a dar sinais de cansaço, e somente uma história realmente renovada pode impedir a mesmice daqui pra frente.

Mas como fazer isso sem descaracterizar o que os anteriores já mostraram? Essa talvez seja a questão pra Ubisoft este ano, já que segundo a produtora, teremos sim Assassin’s Creed III ainda este ano, com uma data lançamento já marcada e rumores sobre a nova ambientação.

Mas de qualquer forma, Assassin’s Creed: Revelations é uma experiência que vale a pena. Não só pelo refinamento que recebeu em áreas técnicas como gráficos e jogabilidade, mas por encerrar um arco de história de alguns od personagens mais interessantes dos últimos games.

Isso sem considerar que todo o trabalho envolvido para recriar com grande semelhança algumas das cidades mais bonitas do mundo, como Roma, Vaticano, Veneza e Florença, em AC: Brotherhood, e Constantinopla, em Revelations (isso sem considerar o Acre, em Assassin’s Creed 1). E agora resta à Ubisoft manter as expectativas sobre o que pode acontecer em Assassins Creed III, e com novos personagens e novas tramas.

Garanta já o seu Assassin’s Creed: Revelations para PC, PS3 ou Xbox 360!

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

De jogo desconhecido à uma das séries mais respeitadas nos games, Uncharted pavimentou seu caminho no PS3 como poucas conseguiram até hoje, e as expectativas eram altas para a terceira parte da franquia. Principalmente por causa do segundo jogo da série, que elevou a barra para games de aventura que misturam ação e roteiros cinematográficos, o desafio era bem alto, e a sensação geral ao jogar Uncharted 3: Drake’s Deception (PS3) é de um jogo familiar, mas que em nenhum momento parece uma simples repetição do anterior.

A história de Uncharted 3 segue uma trama de mais de 20 anos na vida do protagonista, Nathan Drake, e sua relação com seu parceiro e mentor Victor Sullivan. Na busca de mais uma aventura de seu suposto antepassado Francis Drake, Nathan descobre uma expedição secreta, que desta vez tinha objetivos claros e coordenação da própria rainha da Inglaterra.

Partindo para a península Arábica, Drake (o original) descobriu os segredos que cercam a cidade conhecida como “A Atlântida da Areia”, ou Ubar, que misteriosamente foi engolida pelo deserto de Rub’al Khali, e segundo a lenda local, isso se deu devido à grande riqueza (que virou ganância) por toda a cidade.

Se Uncharted 2: Among Thieves foi bem criticado por causa de sua estrutura de roteiro que girava entrelaçada à fase do trem (começa nela, volta nela e termina nela, na primeira metade do jogo), em Uncharted 3 o mote principal está realmente na relação fraternal entre Sully e Nate.

Em vários momentos Nate precisa ponderar seus atos, principalmente nos que afligem seu velho amigo, e como Elena bem diz em determinado momento, Sully iria até o inferno por causa de Nate, mas Nate não pode fazer com que ele vá para lá. E essa relação vai nortear várias das empreitadas do protagonista, mesmo que sozinho, para ter certeza que ele consiga alcançar seus objetivos, e que Sully esteja sempre por perto.

Para criar Uncharted 3, a desenvolvedora Naughty Dog apostou numa coisa, e acertou: Uncharted 2 seria somente um parâmetro, e não uma base onde o terceiro jogo seria uma simples expansão.

Começando pela maneira como a história é contada, e pela participação dos coadjuvantes na parte principal, muitas partes fazem com que você remote ao game anterior, e até acredita que sabe o que vai acontecer, mas que desta vez saem com diferentes resultados de antes.

E adicionou boas novidades também, a começar pelo combate. O sistema “mano-a-mano” agora é uma versão bem básica daquele presente em Batman, mas sem nenhuma coreografia, ou impacto presente nos games do Homem-Morcego.

Ao contrário do game anterior, agora você pode mudar de oponente durante um combo sem perder o foco no combate, e mesmo numa situação de estar cercado, o contra-ataque é acionado apertando somente um botão. Mesmo que represente uma evolução, essa parte é ainda bem simplória, e funciona bem quando necessário, eliminando a sensação de que as lutas são meramente um “quick time event”. Mas em Uncharted, é no tiro que muita coisa se resolve.

Na parte do combate armado, pouca inovação (que inovação poderia existir em tiroteio?), mas uma nova seção aparece: o tiroteio “vertical”. Funciona quando você está escalando algumas paredes, invadindo bases adversárias, e eles estão no topo atirando contra você. É um tipo de combate interessante, mas não chega ser “inovador”. A opção do jogador será ou ficar pendurado enquanto elimina seus inimigos, ou desvia das balas enquanto escala a parede.

Mas uma das ações que a Naughty Dog prometeu expandir do segundo jogo foram as partes com cenários dinâmicos. Funciona assim: você está de boa na lagoa, atirando em uns inimigos, trocando socos com piratas num navio, e de repente, o navio começa a virar. Se tudo parecia complicado antes, adicione um navio girando com água entrando pelas janelas, e o tiroteio vai ficar bem mais intenso, e eventualmente você vai ter que nadar por sua vida. E ainda atirar nos inimigos que restaram. E se isso não for o suficiente pra você perder a cabeça, quando avançar pela fase, você vai ver que os inimigos atirando era a parte mais tranquila.

O mesmo acontece com outras fases, mesmo aquelas que você pode ter visto em vídeos de divulgação, e jogar realmente faz a diferença. Fazia um certo tempo em que eu não me via em situações desesperadas sem realmente saber o que fazer, e com a clara noção de que se eu não me mover, seria o fim. E quando tudo parece terminado, eu descubro que ainda nem cheguei a metade.

Especificamente, a parte do Chateau na França, pegando fogo, é uma de tirar o fôlego, principalmente na metade final, seja pelo desespero de sair daquele lugar, seja pela beleza em detalhes que você assiste serem consumidos pelas chamas.

Falando nisso, me pareceu que a parte gráfica recebeu um revamp agressivo. A nova engine desenvolvida pela produtora tem boa parte da “culpa” nisso, e o resultado ficou muito bom. Até mesmo nos rostos dos personagens, dá pra ver que a quantidade de texturas aumentou consideravelmente, dando força às expressões que Nate, Sully, Elena e Chloe demonstram.

As variações de cenários vistas pelo game também impressionam, seja na cidade antiga no Iêmen, nas fortalezas da Siria, no deserto da Península Arábica, ou nas florestas do interior da França. A floresta por sinal consegue ser mais impressionante que nos games anteriores, mais viva, com mais variações de cores, e com detalhes de sombra e luz do sol em harmonia quase natural. Andar nas ruas antigas do Iêmem é quase que realista, inclusive porque você pode pisar em artigos expostos no mercado local, ou se esgueirar por vielas escuras para fugir dos bloqueios policiais.

E a cereja no bolo veio como forma na premiação da VGA ocorrido em dezembro, como melhor gráfico de games de 2011, que é uma forma simples de mostrar que sim, a Naughty Dog sabe onde está se metendo.

Existem ainda alguns puzzles pelo jogo, mas eles não parecem tanto um desafio, mas sim uma quebra na parte frenética do jogo. Alguns mais bem elaborados, que envolvem quase um sala inteira posicionando tochas, alterando curso de cachoeiras, e posicionado raios de luz em locais certos para descobrir a próxima pista, ou o próximo caminho. A grande função dos puzzles é realmente ajustar o ritmo do jogo, aparecendo de maneira meio disfarçada entre uma parte e outra de combate.

As seções de plataformas do jogo não tem grandes mudanças e é basicamente o mesmo sistema de antes. Uma pequena novidade é que em algumas seções, principalmente dentro de cidades, você tem 2 ou 3 maneiras de chegar no seu objetivo, mas essa mudança infelizmente fica restrita as partes urbanas, o que é até fácil de entender.

Uma parte interessante a se notar é a questão dos vilões. Uma das maiores implicâncias que tive com o jogo anterior foi o clichê do super-vilão com poderes místicos. Ok, o jogo todo apontou para essa parte, assim como Uncharted 1, mas a solução prestada para o 3º game me surpreendeu.

Você está lidando com pessoas inescrupulosas que sabem o que querem e tem condições financeiras pra conseguir seu objetivo. E toda a áurea de “mistério” dada ao subtítulo Drake’s Deception vai de encontro à esse combate. Afinal, Nate será capaz de se superar, incluindo aí suas vontades por um bem maior, ou será que Francis Drake se arrependeu de alguma coisa que encontrou em suas jornadas?

É tão simples e empolgante jogar o modo história, graças a fluidez que um capítulo desembarca no outro, que você pode jogar por horas a fio. E quando você se cansar disso, ainda temos todo o lado multiplayer disponível. Aclamado com o seu lançamento no game anterior, o multiplayer de Uncharted não fica atrás de grandes sucessos online.

O modo Coop, particularmente, é um dos mais divertidos, por trazer de volta cenários dos games anteriores misturados com cenários atuais, e mais alguns vilões anteriores, como Lazarevic, Flynn, e Navarro. Você passa por alguns cenários cumprindo tarefas simples, enquanto avança até uma batalha final com o “chefe” da fase. Derrubar inimigos rende dinheiro que pode comprar melhoramentos e armas novas, sistema velho conhecido dos gamers.

Já no modo team deathmatch, o famoso “mata-mata” representa uma boa transcrição da jogabilidade do modo single player para o multiplayer. Você passeia por vários mapas baseados no modo história, ou em games anteriores, escala janelas e muros, pode surpreender inimigos em beirais, ou derrotar um adversário somente no mano-a-mano. Ganhar posições no ranking te rende dinheiro para armas e melhorias no seu arsenal, assim como skins para seus personagens.

Uncharted 3 viveu além de suas expectativas. Mesmo que ele não consiga passar o mesmo impacto que o 2, principalmente pela discrepância que este teve com o primeiro jogo da série, é digno de constar nas listas de melhores do ano, dado à sua beleza gráfica, variação de cenários, maturidade dos personagens, e todo o ambiente familiar pavimentados nos games anteriores.

É um jogo bem acabado, que te dá uma experiência “sessão aventura” como em grandes filmes de Holywood, mas com um bom game time (perto de 8hs, fora os modos online), e que se confirmado como final de trilogia, deixa poucas pontas soltas para um próximo capítulo.

Não que eu queira que Nate e Sully sumam dos games, mas acredito ser hora de deixar a franquia descansar. Até porque depois de tudo que eles passaram no 3º game, é bom que Nate tenha umas férias.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Batman: Arkham Asylum (PC, PS3, Xbox 360) foi lançado em 2009 e é considerado o melhor jogo do Homem Morcego de todos os tempos. Desde o seu final, já tinhamos pistas de que uma sequência era esperada, e dia 18 de outubro foi lançado Batman: Arkham City (PC, PS3, Xbox 360), que promete expandir as idéias do primeiro game, além de te levar ao encontro de mais personagens memoráveis das histórias do Batman. E pra grata supresa dos fãs, a nova aventura do morcegão melhora o que já era bom no game anterior, e expande muito mais o que você pode fazer por Arkham City.

A premissa do jogo é interessante: logo após os eventos de Arkham Asylum, o seu antigo diretor Quincy Sharp ganha os créditos por contornar a rebelião criada pelo Coringa, e lança seu projeto mais ambicioso, na forma da cidade-presídio Arkham City. O projeto leva Sharp ao status de Prefeito de Gotham, e ele aponta o psiquiatra gênio Hugo Strange como diretor do novo complexo presidiário. Todas as peças estavam prontas para o grande show: capturar o Homem-Morcego.

O jogo começa bem diferente de Arkham Asylum, já que Bruce Wayne escolheu combater o novo presídio na frente política, e está fazendo um discurso contra a própria existência de Arkham City. Durante o comício, a empresa de segurança contratada por Strange, chamada TYGER, leva o bilionário preso. Você começa o jogo já dentro do grande “viveiro” de criminosos de Gotham. A DC Comics lançou um quadrinho especial, contando vários detalhes desta trama, assinada por Paul Dini, o mesmo roteirista de Arkham Asylum e de várias histórias memoráveis do Morcegão.

O ponto mais interessante de Arkham City com relação ao seu antecessor, é a total quebra de linearidade que as paredes do asilo impunham em você. Claro, você podia mudar de direção durante uma missão e procurar por alguns troféus do Charada, ou atacar alguns bandidos, mas sua rotina era basicamente fechada, quase linear.

Em Arkham City, isso mudou, e pra melhor. O resultado é que podemos viver um dia na pele do Batman realmente, com algumas missões mais prioritárias na sua vista, mas com vários case files diferentes para cumprir na forma de missões secundárias. É quase que um sandbox do Homem-Morcego, mas que em nenhum momento você perde o foco na situação ao redor. Mesmo se você se fixar somente aos objetivos principais, basta uma mudada para o detective mode para aguçar sua curiosidade sobre o que mais acontece em Arkham.

A história corre ao redor do grande embate entre Hugo Strange e Bruce Wayne, mas com várias outras ao redor, e o que mais vai te desvirtuar é sobre o Coringa e sua doença fatal. Alguns meses depois de injetar em si mesmo uma overdose do soro TITAN (final de Arkham Asylum), o Palhaço Príncipe do Crime começa a ter sua saúde debilitada, e descobre que está morrendo aos poucos, graças ao efeito do veneno.

Mesmo sequestrando vários médicos e levando eles para dentro de seu esconderijo, não parece haver uma cura, e então ele e Arlequina resolvem incluir Batman nesta equação em busca de uma solução. E tudo isso no meio de uma cidade que está em estado de tensão, dados seus principais líderes de gangues, sendo eles o Pinguim, Duas-Caras e o próprio Coringa.

Ao contrário do game anterior, Batman está armado desde o início, assim como prometido pela Rocksteady, mas não quer dizer que as opções param por aí. Muitas novas opções podem ser desbloqueadas em menos de 2 horas de jogo, no mesmo sistema de upgrades do game anterior. A diferença agora é que por causa da organização mais “orgânica” dos inimigos pelo meio da cidade, você pode arrumar XP facilmente, bastando procurar por grupos e aplicar todos os conhecimentos de combate do game anterior, que são bem semelhantes.

Das novidades dos dispositivos (gadgets), muitos são conseguidos derrotando vilões, ou em parcerias com antigos inimigos, como Mr Freeze, por exemplo, ou em entregas feitas por Alfred quando solicitado. São muitas as opções de upgrades, que criam um verdadeiro senso de recompensa, e que você ainda vai gastar algum tempo coletando mesmo após terminada a história principal.

Na movimentação, Batman pode planar pelos céus de Arkham, recuperando altura com seu arpéu, e fazendo verdadeiros mergulhos para logo em seguida planar por mais tempo, ou para afundar a cabeça de um adversário na nova versão do seu chute planando. E quando entra em combate, novos inimigos aparecem.

Adversários armados com facas e bastões elétricos já são velhos conhecidos por te obrigar a usar uma tática especial, mas agora temos inimigos com armaduras e alguns com escudos improvisados, outros que são resquícios do projeto Titan, além de grandes inimigos de um braço só armados com marretas, e cada um leva sua parte de estratégia para ser derrotado.

Nos combates deste game, vários inimigos podem te atacar ao mesmo tempo, e seu counter pode funcionar com até 3 inimigos, impedindo que seu free-flow seja perdido por estar sendo cercado por mais de 15 adversários ao mesmo tempo. Ainda foram acrescentados alguns golpes especiais como o atordoamento que atinge vários adversários ao seu redor, e mais movimentos de finalização foram adicionados.

No game anterior, o batarangue e a bat-garra podiam ser acionados para dar continuidade ao seu combo, e esse sistema ganhou mais inclusões dos seus dispositivos para infernizar a vida dos inimigos. Transformar a cara dos adversários em purê já era bom antes, só que agora chega a ser ainda mais divertido e não fica repetitivo.

Ainda temos vários inimigos armados com fuzis e rifles de elite (os velhos snipers), mas eles recebem o mesmo tratamento do predador mostrado em Arkham Asylum. Circulando e se escondendo dos inimigos, Batman consegue retirar um a um com os golpes sileciosos, ou simplesmente desativar remotamente as armas sem que seus inimigos percebam, somente para ver a cara de perplexidade deles ao tentar atirar e descobrir uma arma falha.

E se tudo der errado e você se encontrar no alvo de vários tiros, as bombas de fumaça (uma muito bem-vinda adição por sinal) simula um ambiente de fumaça te dando a chance de derrotar seus oponentes, enquanto eles estão cegos. Vale salientar, não existe mais distinção entre “áreas de mano-a-mano” e “áreas de stealth” como havia anteriormente. Em Arkham City, qualquer lugar é bom para se ter uma briga, assim como qualquer topo de prédio é bom para se ter um alvo.

Vários personagens das histórias do Batman aparecem no jogo, e assim como no game anterior, nenhuma aparição soa forçada, ou incluída por “”pressão dos fãs”. Aliás, essa inclusão de personagens algumas vezes age contra você, seja ao procurar pistas sobre alguém e inadvertidamente entrar no território inimigo (o que ocasiona uma chuva de balas ou um pelotão de inimigos raivosos), seja sendo desviado do seu objetivo por causa de um outro chamado, que muitas vezes pode representar uma armadilha.

Mas um ponto onde realmente ficou falho foi o pouco desenvolvimento dado para alguns dos vilões mais memoráveis das histórias, como o Duas-Caras, que aparece numa animação, e depois leva um soco da mulher gato e nunca mais aparece de novo na história principal. Acontece com alguns outros personagens também, mas vamos nos abster de spoilers.

Outro ponto negativo é a batalha com chefes. São poucos pela cidade, assim como Arkham Asylum, mas desta vez elas estão bem mais fáceis, e você consegue descobrir o padrão de ataque depois do segundo ataque. Mesmo jogando no modo mais difícil, em vários momentos achei mais fácil os chefões do que lutar contra um grupo de 20 inimigos variados.

Cada vez que temos um encontro com novos personagens, ou quando coletamos os troféus do Charada, novas informações são desbloqueadas, que você pode conferir na tela do Bat-computador. Alguns toques te levam ao sistema de upgrades e aos desafios do Charada, que mapeiam onde você encontrou ou marcou os troféus, onde viu os reféns dele ou onde estão objetos quebráveis.

O Charada vai te dar mais dor de cabeça dessa vez, mas uma mudança boa na jogabilidade adicionou estratégia ao seu combate, já que alguns inimigos na cidade são também informantes do Charada. Deixa-los por último te garante a chance de um interrogatório, revelando todas as localizações desses ítens colecionáveis numa determinada área, substituindo os mapas do jogo anterior.

Você coleciona os troféus, tira fotos com o detective mode de cenas para responder às questões dadas pelo vilão, e encontra os grandes pontos de interrogação pintados pelo cenário. A novidade são alguns troféus dentro de armadilhas que requerem algumas pequenas tarefas para serem abertas, utilizando seus gadgets.

Ainda sobre personagens, uma inclusão muito bem vinda neste game é a Mulher-Gato. Não somente ela tem sua própria história (inclusa num DLC, que vem nas versões em pré-venda gringa ou na versão básica brasileira), ela tem seus próprios movimentos e objetivos. Caso você tenha o código pra ativar a personagem logo de cara, faça isso.

Uma das primeiras missões do Morcegão é descobrir o que está realmente havendo dentro de Arkham City, e ninguém melhor do que uma espiã pra saber disso, já que a Mulher-Gato usa Arkham como seu quintal.

Habilitando a personagem, você terá acesso à uma trama paralela somente dela, o que incluiu seu próprio sistema de movimentação e combate. Do alto dos prédios, Selina Kyle mergulha para as profundezas de Arkham contando somente com seu chicote e suas habilidades felinas. Basicamente, basta mirar num ponto e acionar o chicote, e mesmo que você não alcance o local exato do pulo, uma mira surge, para ela se deslocar aos seus comandos, em timing perfeito até atingir seu objetivo.

O mapa de Arkham City está pelo menos 4x maior do que o asilo, o que era mais uma promessa da Rocksteady bem cumprida. Mas não é somente uma mapa maior, é realmente caracterizado em diversas áreas, como partes industriais, museus, a antiga delegacia de polícia de Gotham, e o antigo Tribunal de Gotham, que cada cabeça do crime toma cada área como base de operações.

Ainda temos uma seção subterrânea graças ao antigo sistema de metrôs, além de alguns quilometros de tubulação e áreas secretas que podem ser exploradas. Localizada ao Norte de Gotham, os detalhes de decoração e os cartazes já precários devido ao tempo imprimem uma sensação de história ao ambiente, que eventualmente sucumbiu e foi usado às pressas como esse mega-presídio.

Todo o visual do jogo assusta. A Gotham criada para esse jogo, representada pelos cenários de Arkham, é uma dissociação de qualquer outra, seja dos filmes anteriores, seja dos quadrinhos, seja das animações. Toda a cidade tem aquele aspecto cinzento, sombrio e depressivo, com exceção do terreno do Coringa, que leva algumas pinturas florescentes, mantendo o mesmo nível de insanindade do seu principal habitante. Existe uma grande área central, inacessível até perto do fim da história principal, mas que ficou sub-utilizada por ser quase 1/5 do terreno que você acessa por menos de 30 minutos.

Posso afirmar sem dúvida que a espera valeu a pena. Batman: Arkham City é grande, é diversificado, eleva todos os bons aspectos que tínhamos em Arkham Asylum, inova em boas partes, e mesmo com uma crítica ou outra, o jogo parece ser bem fechado, como uma autêntica experiência na vida do Homem-Morcego. Mesmo que você queria se concentrar só na história, você vai investir algo como 10 horas de jogo, e pode expandir esse número até 3 vezes buscando cada detalhe que a cidade tem pra oferecer.

Combater inimigos ficou maior e mais complexo, mas ao mesmo tempo mais gratificante quando você engata aquele combo de 30+ hits. Caçar e neutralizar seus inimigos também ficou mais variado graças aos novos aparelhos, e você terá chance de colocar tudo em prática nos challenges (que chegam em maior quantidade e muito mais variados) após terminada a história principal.

Para quem é fã do Homem-Morcego, e que realmente mergulha no universo criado nos quadrinhos, Arkham City é um verdadeiro fan-service, por respeitar os mais de 60 anos de história do Batman. E pra quem curte games, é um balanço ideal entre uma história densa com vários objetivos e um free-play responsável com horas de opções. Definitivamente, é o melhor jogo de super-herói já feito.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Para quem jogou Portal, não existe nenhum mistério. Para quem não jogou, aconselho parar esta leitura e ir jogar; você está perdendo um dos melhores games da geração atual. O game é um “FPP”, ou First Person Puzzle, baseado num sistema de portais, onde o azul dá caminho pro laranja e vice-versa, ambos provenientes da sua arma, e por essa mecânica você resolve vários quebra-cabeças dentro das intalações da Aperture Science. Tudo sendo observado pela inteligência artificial chamada GLaDOS (Genetic Lifeform and Disk Operating System), que comenta sobre sua performance, avalia suas ações, e te promete bolo quando acabarem os testes.

Portal 2 começa com uma cena interessante, com seu personagem sendo acordado por uma inteligência artificial, que vem a ser um novo integrante do jogo. Um “core” chamado Wheatley tem a função de te acordar para uma Aperture Science que realmente está bem diferente daquela do final do jogo anterior, e você muito provavelmente tem alguma coisa a ver com isso. O jogador volta ao controle da personagem muda do game anterior, Chell, e logo é posto de volta a mesma rotina de avançar por salas com plataformas, mecanismos e cubos de peso para resolver como se abre a próxima porta.

Não é nenhuma novidade, mas GLaDOS também está de volta. Mais ácida, mais irônica, e mais mandona do que no game anterior, a inteligência artificial não faz nenhuma questão de esconder que está magoada porque você quase a destruiu. O grande lance deste ressurgimento é que por mais inevitável que seja, você vai querer fazer.

E assim você começa a sua jornada por novos cenários da Aperture Science, ainda sofrendo com os avanços do tempo depois da sua última aventura por lá, mas com a mesma áurea do game anterior. O grande diferencial desta vez é que você passa a conhecer um lado da empresa que você nem fazia idéia, e pela sua jornada temos a impressão que viajamos no tempo por toda a história da Aperture Science. Numa clara demonstração de que a Valve conhece seus jogos e o universo onde eles se apresentam, passamos por locais abandonados de experimentos não comercializados, sob a voz de Cave Johnson (dublado brilhantemente por JK Simmons), conhecemos um pouco do lado empreendedor do figurão da Aperture Science, e da voz dele você percebe como que GLADoS recebeu sua personalidade passiva-agressiva, ainda que robótica.

Uma das coisas que você vai perceber logo de cara é a dublagem dada a cada personagem. GLaDOS, Wheatley, Cave Johnson e até mesmo a voz de anúncio das instalações são bem personificadas, e o destaque também vai para Wheatley. É possível imaginar como ele seria, caso fosse humano, somente levando em consideração sua voz (com sotaque britânico), e suas “expressões faciais”, mesmo sendo ele somente um core que se assemelha à um olho gigante.

A mecânica do game se mantém fiel às origens, mas levam no pacote boas adições, sendo algumas delas na forma de fluidos. Durante o jogo, ao passar pela invenções que acabaram não sendo distribuídas, você tem novas formas de resolver quebra-cabeças. Temos o fluido azul, o laranja e o branco. Explicando de maneira bem simples, o fluido azul é de repulsão, o laranja é de impulsão, e o branco é um “fluido portalizante”. Ao aplicar cada fluido nas superfícies, você consegue pular mais alto, correr mais rápido e abrir portais onde quiser. Em nenhum momento você carrega ou guarda estoques destes fluidos, e eles só aparecem em determinados momentos do jogo. Mas mesmo assim, não é só porque você sabe onde eles estão que será fácil usar ou resolver os puzzles onde eles entram.

Outros detalhes que mudaram foram os diversion cubes, que mudam trajetórias de raios, os block cubes, que servem de “chave” para algumas balanças, e a volta dos companion cubes, com seus distintos corações no meio da caixa. Ainda surgem como novidades as pontes de luz, que também podem ser manipuladas por portais, ou usadas como escudos, e alguns pontos de flutuação que podem levar cubos, fluidos e até você para outras partes das salas onde você está no momento, enquanto estiver dentro do feixe de luz.

Não houveram muitas mudanças nos controles com relação ao game anterior, até porque somente 3 ou 4 botões são realmente fundamentais para todo o jogo no modo singleplayer, mas com uma nova função: a inclusão do zoom. Fica bem mais fácil usar as armas com essa função, principalmente porque o tamanho médio das salas e dos locais por onde você passa aumentou bastante com relação ao game anterior, principalmente nos 2 terços finais.

Portal 2, assim como seu antecessor, se baseia num sistema de erros-e-acertos para chegar ao fim de uma determinada seção, e pra isso o game confere o mesmo autosave que já vinha presente anteriormente, para evitar voltar muitos passos a cada tentativa frustrada.

Falando no cenário, a parte gráfica também dá show, mas com certas ressalvas. Portal 2 não é conhecido por ser um explorador da sua placa gráfica, e os cenários são realmente bonitos, mas ter usado a engine de Half Life 2 talvez foi um pouco puxado. Não existem grandes momentos onde a parte gráfica é realmente exigida, mas os sinais de cansaço da engine estão ficando um pouco claros. Ainda assim, visualmente o jogo é bem representado, com destaque para as partes escuras onde Wheatley ilumina o seu caminho por uma seção praticamente sem vida.

E quando você acha que já viu tudo sobre Portal 2, ainda temos o modo multiplayer, que por si só já é uma grande novidade, mas vem com mais brindes do que o esperado. Nesta seção, você joga com 2 novos personagens ao mesmo tempo, sendo que um controla o Atlas, e o parceiro controla o outro personagem P-Body. O grande diferencial desta parte fica na resolução dos puzzles. Muitas vezes, você estará numa seção da sala, enquanto seu amigo estará em outra localização, e a dependência entre os dois é fundamental para avançar no jogo. Neste modo, você também pode expressar suas emoções através de gestos, o que só provoca raiva na GLaDOS, já que este robôs são subprodutos dela numa tentativa de substituir o uso de cobaias humanas, e em tese não podem demonstrar emoções.

A jogabilidade deste modo sofre algumas alterações, mas que são mais focadas em facilitar o trabalho em equipe. Agora quando você quiser indicar um local para seu amigo atirar seus portais, você olha pra tal local e aciona um indicativo, que aparece na tela do seu parceiro, e ele executa a ação. Ainda é possível acionar uma contagem regressiva na tela para que você e seu parceiro sincronizem as ações pedidas durante o jogo.

A resolução dos puzzles nesta seção me pareceu mais próxima ao game anterior, mas com um pouco mais de evolução levando em contas os adicionais de jogabilidade desta nova versão, como os fluidos. O mais interessante é a quebra de linearidade da parte multiplayer, o que faz você passar por algumas salas mais de uma vez, numa espécie de labirinto entre puzzles.

Uma das diferenças que temos no modo multiplayer é realmente a ausência total de storyline, e que confere um caráter exclusivamente puzzle pro modo de 2 jogadores. Não que isso seja ruim, mas neste caso um detalhe passa a incomodar bastante: os loading times, já que basicamente você passeia de sala a sala, e entre cada um temos um loading até demorado.

Ainda neste modo, os donos da versão de Playstation 3 e de PC levam uma pequena vantagem com relação aos donos de XBox, já que quem compra o jogo pro PS3 podem linkar seus perfis com suas contas no Steam e baixar o game no PC de graça, e ainda usar seus amigos do Steam como parceiros para jogar em qualquer um dos dois sistemas. E em qualquer sistema, o modo multiplayer pode ser jogado online e offline.

O que mais me agradou ao jogar Portal 2 foi realmente ter certeza que a Valve sabe o que tem nas mãos. Seja por momentos irônicos da GLaDOS (“Your test results are back: You’re stupid. And we were not testing for that!”), seja pela passagem no tempo promovida nas viagens da história da Aperture Science, você se sente envolto no universo do jogo e percebe a expansão que foi dada ao mesmo.

Portal 2 não é somente um segundo jogo de um grande game (que já é um clássico pra mim), é uma das melhores representações de como uma sequência deve ser feita, expandindo idéias, adicionando novidades e otimizando o que já era bem feito. Jogar o modo single-player já é uma experiência nova, e a adição de um modo multiplayer é mais do que bem-vinda. A Valve não caiu na fácil armadilha do “tudo de novo”, e entregou um jogo grande, divertido, bem feito, e que respeita os fãs da franquia. E mais uma vez, cumpriram seu papel.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Com uma ambientação incrível, uma jogabilidade diferente, um clima cinematográfico bem aplicado, e uma tecnologia que promete chacoalhar os MoCaps em games a partir de agora, LA Noire (PS3, Xbox 360) chegou aos consoles com vários elementos que chamam a atenção para o título, e em embaixo dessas várias camadas, um jogo que vale muito a pena ser jogado. Infelizmente, alguns elementos entraram no caminho de uma nota 10, mas mesmo assim temos uma confirmação: a Rockstar não brinca em serviço, e a Team Bondi realmente fez um bom trabalho.

LA Noire tem uma atmosfera Noir, como o próprio nome já diz, com muitos toques emprestado à uma das categorias mais distintas do cinema mundial. Seu clima sério, pesado, em tons de cinza ou com pouca cor coloca o jogador numa cidade ambientada aos seus detalhes mais fiéis e com uma boa narrativa a ser contada.

A história roda em torno de Cole Phelps, desde seu início como policial de patrulha, até sua mudança para as áreas investigativas da Polícia de Los Angeles dos anos 40. Após seu retorno da Segunda Guerra Mundial, e contando com seu instinto detetive, Phelps acerta em cheio alguns pequenos casos que nem recebem a atenção dos departamentos investigatvios competentes, e ele se vê a caminho das mesas dos 4 “desks” especializados da polícia. O pontapé de uma jornada Noir está para começar, e você está no comando. Ou em parte dele.

Assumindo o controle do personagem, você avança naquela que seria uma simples carreira de policial de ronda, mas que passa a investigar para os 4 departamentos, um em cada tempo, e cada um com seu designado parceiro, sendo eles Traffic (Tráfego), Homicide (Homicídios), Ad Vice (Vícios) e Arson (Incêndios). Embora a idéia de um game Sandbox viesse quase estampada na capa, a verdade é que os casos são passados pra você pelo seu chefe de departamento, e a única liberdade que você tem é escolher qual próximo local irá investigar dentro do mesmo caso. E em muitas vezes, fazer de uma maneira ou de outra interfere no seu resultado.

Após receber o caso, você se desloca até seu primeiro ponto de interesse, numa cidade recriada com detalhes bem interessantes. Segundo vários sites americanos, a reconstituição da cidade de Los Angeles perto de 1947 (ano em que rola toda a ação do game) é digna de admiração, não por somente constar com os detalhes mais importantes, como o Chinese Theater e o letreiro escrito “Holywoodland” (que durou até 1949), mas sim por mais detalhes que realmente passariam despercebidos dos mais desatentos, como locações menos famosas, o que mostra o grau de preciosismo que a Rockstar coloca em seus títulos.

Ao chegar no local indicado para o início das investigações, você começa a perceber um dos motivos pelo qual o jogo foi ambientado em 1940. Quando entra numa cena de crime, você pode mexer em objetos, alterar posições de ítens suspeitos, e tocar corpos sem usar luvas, já que as técnicas de identificação por impressões digitais só foram aceitas como prova criminal bem depois dessa época. E neste momento é que você percebe o real propósito do jogo, ao analisar pistas, descartar inutilidades, e ter olho atento em possíveis detalhes que farão diferença mais a frente. Não se trata de um “GTA policial”, mas sim de um game investigativo. E isso será importante daí pra frente.

Achar as pistas nem é tão complicado, graças ao sistema de detecção do jogo. Quando você passa perto de algum objeto de interesse, o controle vibra. Assim, tudo o que você tem que fazer é olhar ao redor e caminhar pela cena do crime o suficiente até achar todas. Mesmo que não seja um sistema compatível com a temática do jogo, é um pouco melhor do que termos ítens piscando na tela, ou mais coloridos que os demais, ou qualquer outro artifício usado até hoje, porque pelo menos obriga o jogador a procurar. Um equilíbrio foi dado nesta situação colocando alguns ítens inúteis para não ficar fácil demais, mas assim que Phelps pega um destes, já avisa que é inútil, para você também não perder tanto tempo com ele. Achadas as pistas, é hora de passar aos interrogatórios.

A Team Bondi, da Austrália, desenvolveu um novo tipo de Facial MoCap (Captura de Movimentos Facial) que envolve mais de 10 câmeras somente para as feições de cada personagem, e o resultado é uma fidelidade quase real. Até games que têm uma boa dublagem parecem “velhos” devidos aos detalhes dados à essa seção em LA Noire.

E o resultado você vê ao questionar seus interlocutores, com as reações quase naturais às suas perguntas, demonstrando ódio, raiva, indiferença, surpresa, dúvida, e simpatia. Infelizmente, a transição entre os diálogos normais e o momento de avaliação das respostas (quando você decide se seu interrogado está sendo verdadeiro ou não), não ficou perfeita, e neste ponto ocorre uma quebra na imersão do game, já que o comportamento do interlocutor muda abruptamente, para se acomodar ao que foi programado de qual seria sua resposta. Ou seja, se ele está falando a verdade, o rosto fica sereno, não mostra incerteza, mas se ele está mentindo, ele mostra dificuldades de encarar Phelps, e contorce a boca por várias vezes, e não necessariamente ele estava fazendo estes gestos anteriormente.

Outro ponto que me desagradou muito foi a variação dentro dos casos. Na verdade, a quase “não-existência” de variação. É claro que você pode chegar num mesmo resultado por algumas maneiras diferentes, mas um caso terá sempre o mesmo culpado, os mesmos suspeitos e as mesmas pistas. Eu até entendo que o jogo realmente ficou pesado (no XBox são 3 DVDs, e no PS3 é 1 BD cheio) e este tipo de variação poderia ocupar espaço e comprometer outros pontos de qualidade do game, mas vários casos são ambíguos o suficiente para ter uma pista a mais ou a menos que mude o destino final, principalmente nas carreiras mais avançadas.

E para chegar a um resultado perfeito, cabe a Phelps ser o mais detalhista possível ao investigar um crime, ou analizar objetos suspeitos na residência de um investigado. Uma das poucas variações que citei diz respeito às pistas fundamentais que você recolhe e que podem colocar um suspeito numa cena de crime ou acabar com um álibi falso, mas caso você não tenha, as coisas podem complicar. Num determinado caso, eu acusei um personagem de estar num determinado local, mas me faltava provas para confirmar a suspeita, e tive que deixar o mesmo ir. Isso mudou a minha aproximação do fim do caso, já que caso confirmasse a participação deste suspeito, já tinha um endereço, e da maneira que ocorreu precisei seguir o suspeito.

Esse é outro detalhe bem interessante do jogo. Você persegue vários suspeitos, seja a pé, seja de carro, chega a trocar tiros com eles e em alguns momentos é necessário partir pro mano a mano, e cada seção tem sua jogabilidade específica que responde bem aos seus comandos. Somando estas às seções de investigação, de análise de pistas e de interrogação, você entende o porque do tamanho do jogo.

Claro que existem alguns problemas em alguns detalhes de cada jogabilidade, mas eles nem são tão graves assim. A mais grave reclamação que tenho é que mesmo tendo essas seções de “ação”, elas pareceram estar presente só para cumprir uma cota, e pra evitar comparações com games só de investigação, notadamente a série CSI, e a epítome dessa sensação esá na possibilidade de pular as cenas de ação para se concentrar somente na investigação e nos interrogatórios. Num dos momentos que mais me irritei, foi quando percebi que dirigir numa perseguição é realmente muito fácil, já que o carro basicamente só faz curva em 90º, e depois de um certo tempo o seu perseguido reduz a velocidade para que você possa alcançá-lo.

Outra falha é a transição entre os modos de jogo, já que se uma perseguição muda para um combate corpo a corpo, a atitude dos personagens muda completamente, a exemplo do que acontece nos diálogos. Além disso, você não tem tanta liberdade nos controles como em outros games da Rockstar, como GTA IV e RDR, por isso você só opera naquilo que o game deixa você fazer no momento (não é possível sacar a arma numa cena investigativa ou numa perseguição de carro, por exemplo). Essa limitação me deixou um pouco frustrado, mas como já sabia que não se tratava de um GTA, joguei conforme o game pedia.

Já que estamos na seção de críticas, vale mencionar um problema que me atrapalhou muito nos interrogatórios. Quando estava em dúvidas sobre as respostas de um determinado personagem, acionava a opção “Doubt”. O que esperava era Cole duvidar das respostas e conseguir mais alguma coisa, mas na maioria das vezes ele aumentava o tom de voz e falava como se o interlocutor estivesse mentindo.

Depois da 3ª ou 4ª vez que isso rolou, comecei a imaginar que as opções de decisão sobre a fala do seu interrogado estavam erradas, e deveriam ser “Verdade”, “Mentira” e “Mentira e eu posso te provar o contrário”. O mais absurdo é que essa mudança de atitude de Phelps rolava até com uma criança que acabou de receber a notícia de que a mãe está desaparecida. Achei que poderia ter sido mais bem elaborada a questão desta decisão, indicando o que Phelps poderá dizer, caso escolha tal ação.

Com o avanço do game, você começa a perceber que o projeto LA Noire era grandioso. Cada caso representa uma pequena porção de narrativa, mas somente nos casos mais complexos de cada desk é que vemos que sim, existe um grande plot por trás de cada evento. Uma coisa que me incomodou bastante durante o início é a falta de profundidade do personagem, sendo jogado na suas mãos com pouca informação, e sem nenhum background, fora a participação dele na 2ª Guerra (você só descobre que ele é casado e tem filhos depois da metade do jogo).

E perto do fim, as coisas correm tanto que me pareceu que somente o último Desk concentrou todas as informações vitais e revelações necessárias para desvendar o grande plot. Poderia ter sido mais bem difundido pelos outros casos, e até pelos momentos de diálogo entre Phelps e seus parceiros enquanto dirigiam para ajudar na montagem do clímax. A construção do personagem é falha, pois suas atitudes, que nos levam a acreditar que se trata de um real “bom samaritano”, são ignoradas e totalmente contrariadas perto do fim do jogo, sem que nenhum real motivo convincente seja apresentado ao espectador.

Sem dar spoilers, LA Noire é realmente um jogo interessante na sua relação com a jogabilidade, mas quanto à história ele fica devendo. E muito. Como todo bom filme Noir, o fim do enredo é bem aberto, e conta até com cenas de deixar o espectador certo de que não existe “justiça”. Mas pequenos detalhes somados àqueles que já citei, poderia ser revistos. Alguns personagens da trama entram e saem da sua carreira sem qualquer grande evento marcante (embora não seja importante), mas aqueles que deveriam ser aprofundados também ficam bem superficiais, e no fim você fica com a sensação de que algo faltou na narrativa.

Apesar do seu lançamento aguardadíssimo e de suas boas críticas, LA Noire talvez não veja uma continuação tão cedo. A Team Bondi recebeu vários processos por abuso de poder de alguns funcionários após o término do jogo, e a Rockstar já avisou que não vai participar de projetos com os australianos novamente.

Ainda é cedo afirmar que a propriedade intelectual de LA Noire, principalmente com relação ao Facial MoCap está em standby, mas depois de todo o alvoroço feito pelos processos, é capaz de termos alguns meses até que a tecnologia empregada seja comercialmente aplicada em games de maior impacto. Basicamente, LA Noire serviu de laboratório e marketing para este novo MoCap, e espero que realmente novos games venham a se utilizar dela num futuro próximo.

E em resumo, se você tiver a oportunidade, jogue LA Noire, mas sem querer de cara comparar com os grandes sucessos da Rockstar, como GTA IV e Red Dead Redemption. Jogue LA Noire como um game de investigação, pense como um detetive e você vai se divertir bastante com o game. Afinal, a Rockstar não brinca em serviço.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Existe uma grande dose de responsabilidade em ser considerado como carro-chefe de um console, e cada sistema tem o seu. Se o XBox se sustenta em grandes pilares como Halo e Gears of War, o Playstation 3 se sustenta em Uncharted, God of War e Killzone. Neste caso, Killzone 3 (exclusivo do PS3) ainda recebe um pouco mais dessa responsabilidade do que as aventuras de Nathan Drake e de Kratos, por englobar algumas das funcionalidades que a Sony quer vender a seus consumidores, como o 3D e o PS Move. Só que no fim das contas, os gamers querem jogos épicos, surpreendentes, de qualidade e com algo a mais. E nestes pontos, Killzone 3 cumpriu sua missão.

Para aqueles que não conhecem, Killzone é uma série que nasceu ainda no PS2, e fez um relativo sucesso, mesmo já quase no fim da vida do sistema. Teve sua estréia no PS3 com Killzone 2, em 2009, passou pelo PSP como uma versão isométrica contando side-stories da mesma época dos demais games, e teve seu “terceiro” capítulo lançado em fevereiro de 2011 também pro PS3.

O plot principal vem desde a época em que o Império Helghast se recuperou de sua derrota, na Primeira Guerra Helghan,  e lançou um ataque contra a ISA (Interplanetary Strategic Alliance, do qual faz parte a Terra) na colônia do planeta Vekta, ainda no primeiro game.

Os helghast são uma espécie descendente do grupo humano que colonizou o Planeta Helghan há gerações, mas desde a colonização não são mais considerados humanos: eles são mais fortes, mais rápidos e mais resistentes do que os seus semelhantes humanos e possuem um irracional ódio pela humanidade, além de um senso de superioridade. E se você achou esta história um pouco familiar, você não está errado.

Toda a áurea do jogo remota fortemente aos acontecimentos da Primeira Guerra Mundial (1914 – 1918), do surgimento e ascensão do nazismo, e à segunda grande Guerra (1939 – 1945). Seja pelos principais personagens da “etnia” Helghast, contando com o general assassino, o líder fervoroso, e os comandantes com suas características próprias, ou seja pelo símbolo que se assemelha fortemente à suástica, a tônica de Killzone é uma re-leitura dos eventos das guerras já sofridas pela Terra, numa roupagem espacial em ficção científica. E Killzone 3 pode ser considerado o Dia D para a humanidade nesta outra guerra.

Você assume o papel de Tomas “Sev” Sevchenko, que tem a “pequena” missão de terminar a ação militar começada no game anterior. Para quem não jogou Killzone 2, no final deste game a situação não era boa pra ISA: o Imperador Scolar Visari havia sido abatido, e seus principais comandantes militares Helghast derrotados, mas a organização estava longe de se dar por vencida, e, pelo contrário, preparava uma grande ofensiva contra a Terra, último local de resistência humana conhecido.

Contando com alguns poucos soldados, Sev, seu parceiro Rico e seu comandante Narville tem a quase impossível tarefa de invadir a sede do poder militar adversário e destruir suas últimas invenções, antes que tudo isso seja transportado pra Terra, e se possível, acabar com o comando dos Helghast.

Infelizmente, a história começa bem, mas é deixada de lado quando os objetivos já estão claros a sua frente, e por quase toda a etapa final não existe mais desenvolvimento, plot-twists ou grandes revelações. Muitas pontas soltas ficam pra trás, e a criação de um “Killzone 4” é praticamente necessária para fechar o plot.

Graficamente, o jogo realmente impressiona. Os cenários são muito bem trabalhados, e dão ênfase à  criação de um universo inédito, peça fundamental na criação de histórias sobre planetas desconhecidos. Os locais são bastante amplos, e embora o personagem siga por um caminho relativamente fixo (como a maioria dos FPSs), é possível ter uma noção da grandiosidade que a Guerrilla Games quis dar ao gráfico do jogo.

Para um mesmo objetivo (ir de A até B), você tem pequenas variações para adaptar ao seu estilo de jogo (mais combativo, se movendo pelos covers, ou mais furtivo, passando por corredores laterais e cercando os adversários). Mas em resumo, o caminho geral é um só, como a maioria dos FPSs.

E em quase todas as partes é possível ver os mínimos detalhes sobre cada elemento, seja na floresta nativa de um dos refúgios militares da ISA, seja nas geleiras da prisão improvisada mais ao norte da capital, seja nos símbolos Helghans em cada uma das caixas dentros dos galpões militares, e tudo isso com uma gama de cores ampla que não destoa do que poderia ser verdade. A modelagem dos personagens também merece destaque, sendo possível identificar cada aliado no meio do fogo cruzado, e cada classe de inimigos no campo de batalha.

A violência da guerra não foi menosprezada. Cada golpe arranca sangue dos inimigos, tiros de grosso calibre abrem rombos nos corpos adversários, e uma bala de um rifle sniper transforma uma cabeça numa poeira de sangue e destroços com uma fidelidade impressionante. Os ataques corpo a corpo ganham detalhes mais agressivos, e mesmo numa situação envolvendo tiros, fumaça, fogo e explosões, o grau de definição não perde nem um quadro. Mesmo em batalhas campais, com 10 inimigos de cada lado, mais tanques, mais mechas, além da ambientação, o jogo roda sólido.

Cada cenário parece sentir os efeitos de devastação sofrida devido à guerra, e o visual corresponde muito bem. A Guerrilla Games tinha a “pressão” de tirar o máximo de proveito sobre o que o PS3 poderia fazer, e conseguiu cumprir, deixando o jogo leve, sem parecer que sobrecarregou o sistema. O resultado é impressionante.

A trilha sonora cumpre bem seu papel, e dá o tom certo em cada uma das partes. Já na tela de abertura, pode-se sentir sobre o que o jogo trata, somente ouvindo a composição clássica que acompanha o vídeo inicial. Durante o jogo, o som de cada arma é diferenciado, ajudando a identificar o tipo de armamento dos aliados e dos inimigos, assim como o som do impacto nos adversários ajuda a identificar o tipo de inimigo, se ele é orgânico ou não, se ele tem armadura ou não.

Falando nisso, você vai enfrentar novos inimigos. Depois da morte de Scolar Visari, um grupo de militares fiéis a ele assume o poder, e entre eles consta Stahl, CEO da maior fornecedora bélica do regime imperial, que secretamente almeja o poder. Além dos já conhecidos soldados Helghan, entram em ação droids voadores não tripulados, robôs articulados semelhantes a tigres armados com metralhadoras, e veículos de combate pesado, sendo um deles semelhante a um AT-AT, só que de 3 pernas e com um canhão capaz de derrubar o maior dos cruzadores espaciais da ISA com um tiro.

Dos inimigos orgânicos, a nova classe a aparecer é a dos Stealth Snipers, com capacidade de se camuflar totalmente, e dos Strikers, soldados mais rápidos e resistentes, especializados no combate corporal, capazes de te dar calafrios somente aparecendo na tela. Alem destes, retornam ao jogo os soldados Helghan dos games anteriores, com seus rifles de combate, suas shotguns, granadas, e a mais recente invenção das Indústrias Stahl: um raio esverdeado que reage à movimentações bruscas e simplesmente implode seu alvo.

A Guerrilla Games anunciou que colocaria mais veículos nos jogos para diferenciar um pouco o gênero de FPS, e cumpriu a promessa. Você pilota tanques, snow-mobiles, e dois veículos que merecem destaque: o JetPack armado, e as naves espaciais. Destes últimos, as naves espaciais são as menos inesperadas, já que um jogo que trata de invasões planetárias passa pelo espaço eventualmente. O destaque aqui fica por conta do cenário que realmente remota à grandes guerras já mostradas no cinema, notoriamente Star Wars. O cenário é recheado de naves inimigas, de todos os tamanhos, e você precisa derrubar um cruzador que tem só 500 vezes o seu tamanho, e a jogabilidade dessa seção não deixa a desejar em nada mesmo se tratando de um outro gênero dentro de um FPS.

Já os JetPacks são a grande novidade mesmo. Não só eles realmente são divertidos de se jogar, eles acrescentam estratégia no seu gameplay. Na fase onde eles aparecem, você precisa invadir uma base, e ter os JetPacks ou não muda a forma com que você executa a infiltração. Embora sejam fáceis de manejar, eles exigem atenção por ter um estoque de combustível limitado, e você conta com uma metralhadora para derrotar os inimigos em terra, além dos outros em JetPacks.

Fora do modo principal, Killzone 3 ainda reserva o modo Multiplayer, que foi um dos mais consagrados à  epoca do seu lançamento, rivalizando com Modern Warfare e Bioshock 2. Os mapas retornam com cenários tirados desta versão do game, e mantém a proporção do anterior, ou seja, espere por mapas grandes com várias opções de refúgio, bases inimigas e pontos de respawn. Nos modos de jogo, estão presentes os mais conhecidos, como Guerrilla Warfare, nome dado ao Team Deathmatch, Warfare, que é o simples Mata-Mata, e o modo mais diferenciado, chamado Operations, onde os objetivos vão mudando dentro do mesmo jogo, por prazos de tempo ou de vitórias. É um pouco mais dinâmico porque engloba as demais fases e objetivos do modo multiplayer. Ainda há um modo cooperativo, mas o fato dele ser somente offline acaba com qualquer motivação de jogar. Claro, enfrentar as tropas Helghans acompanhado é melhor, principalmente quando se é abatido, mas a tela dividida agride aos que estão acostumados a jogar numa tela só.

Podemos dizer que Killzone 3 cumpriu com honras muito do que prometeu, embora tenha algumas falhas. O jogo é belíssimo, se utilizando bem da potência do PS3, porém a falta de atenção dada à história (principalmente na parte final) poderia ter sido revista. O modo multiplayer consegue se manter além do seu anterior, e é um dos mais divertidos que temos nessa época, cativante e de fácil aceitação.

Escolher uma classe e juntar pontos para que esta mesma classe se desenvolva é fácil, e logo você estará num ranking bem alto, apesar da dificuldade dos modos online. Ao exigir bastante do PS3 em termos gráficos, e mesmo assim mostrar um jogo fluido, a Guerrilla Games garante seu lugar nas desenvolvedoras de respeito da nova geração, e Killzone 3 pode descansar sabendo que seu papel foi cumprido.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Poucas franquias passam pelo que Mortal Kombat passou e conseguem se salvar. De ícone de violência de uma geração — responsável em parte pela criação do órgão regulador de idades ESRB — a esquecimento e descrença nas gerações posteriores, a franquia de lutas mais violenta da história dos games viu seu fim bater à porta quando a Midway anunciou sua falência, em 2009.

Ela foi salva graças à perseverança de um dos seus criadores, Ed Boon, e de uma nova casa, a Warner Bros. Interactive Entertainment. O cenário e as expectativas estavam montadas para o próximo título da série, e para representar essa nova fase, nada melhor do que um novo começo.

Mortal Kombat passava por maus lençóis. Desde MK4, ainda na época do PS1 e N64, nenhum lançamento da franquia era realmente capaz de reanimar a crença naquela história e naqueles personagens, principalmente pela confusão na já complicada trama do jogo. Mais recentemente, lançamentos no XBox 360 e no PS3 nem eram vistos com bons olhos, dado o grau de cansaço da marca.

Um dos últimos suspiros de “inovação” foi o crossover com a DC Comics (Mortal Kombat vs DC Universe, PS3 e Xbox 360), numa tentativa patética de recriar algo no padrão que Marvel vs Capcom atingiu, e que ficou bem aquém do esperado, por descaracterizar tanto o lado Mortal Kombat quanto o lado DC Comics.

Mas Ed Boon não desistiu. Comprando todo o share da franquia de sua antiga dona, e fundando um novo studio (chamado NetherRealm Studio, desenvolvedor do novo jogo), Boon achou uma maneira de trazer MK de volta a cena: ser bom como antigamente. E nessa tônica, ressurgiu.

Existe um motivo, explicado pelo próprio Ed Boon, sobre o porque deste jogo se chamar somente “Mortal Kombat”, e não Mortal Kombat 9, 2011 ou o que quer que seja: Mortal Kombat (PS3 e Xbox 360) é realmente o primeiro jogo de uma nova geração.

Eliminando tudo o que atrapalhava nos anteriores (com uma bela desculpa de “linha de tempo”), a desenvolvedora entrega um jogo sólido, simples, nostálgico e ainda sim surpreendentemente novo. Você vai se ver em várias situações familiares, vai passar por uma história que até faz sentido (dentro do universo do jogo), vai re-encontrar personagens do passado, e se surpreender com novas feições das caras já conhecidas, tudo embalado numa jogabilidade simples e bem mais fácil de utilizar do que aqueles que fizeram fama nos arcades dos anos 90.

Seu ponto inicial nesta nova jornada por Outworld deve ser pelo modo história. Se nos games originais, notadamente MK 1, 2, 3 e Ultimate a história era sub-entendida, nesse novo jogo ela merece um lugar de destaque. Esse Story Mode está disponível para ensinar aos jogadores (principalmente os mais novos) tudo o que a mitologia Mortal Kombat engloba.

Num sistema de combate 2D com cenários remodelados diretamente dos games iniciais, você conhece a história por capítulos, e joga cada um deles com um personagen fixo designado. Você utiliza quase todos os jogadores do lado da Terra, e aprende a melhor forma de jogar com eles, e muito da importância sobre a renovação da série está aí: a NetherRealms queria que você esquecesse suas “pré-conceitualizações” sobre o personagem A ou B, e tivesse uma cabeça aberta para jogar de novo com aqueles que você não gostava em épocas passadas.

Assim, sua opinião muda, e você se sente instigado a testar todos os personagens, mesmo aqueles que você achava fraco, ou de combos difíceis.

Claro que temos algumas inovações, e elas foram bem colocadas. A jogabilidade de todos os personagens foi revisitada, alguns mais fortes perderam o poder, e alguns mais fracos ganharam combos mais fáceis de executar.

Como adição, uma barra de poder está presente, e você tem 3 níveis para melhorar ou modificar seus golpes e suas ações. O primeiro nível, chamado Enhanced, faz com que determinados golpes especiais fiquem mais fortes, tirando mais vida dos adversários, e consequentemente engatando combos mais poderosos. O segundo nível ativa o Breaker, onde uma sequência do adversário pode ser interrompida por um “combo breaker” da sua parte; e a terceira barra ativa uma outra novidade: o X-Ray Combo. Acionado de maneira simples, esses golpes são tão mais devastadores que somente uma visão de raio X ativa pode mostrar o que acontece com o corpo do seu adversário na hora dos golpes.

No final de cada luta seu personagem tem na pele marcado o que aconteceu com ele, no sistema de danos físicos aplicados no modelo de cada personagem. E cada tipo de machucado corresponde à uma “marca” diferente, entre elas queimaduras com fogo ou com ácido, choques, escoriações, cortes e fraturas. O resultado final pode até ser grotesco, mas estamos falando de Mortal Kombat.

Outra inclusão bem vinda ao jogo é  o sistema Tag Team, onde você escolhe dois personagens e pode trocá-los a qualquer momento da luta, inclusive dentro dos combos. Cada modo de combate solo agora é pareado pelo modo Tag, e o jogo permite até 4 jogadores por console jogando quase ao mesmo tempo.

Por falar em combos, estes estão mais fáceis de engatar, devido à uma nova configuração de botões e um tempo maior de comando nos controles. Uma coisa que ainda me deixou frustrado é a área de encaixe dos golpes, que me pareceu bem ampla, o que permite ao game interpretar ações de maneiras bem esquisitas, como uma voadora que passou acima do seu personagem te derrubar mesmo agachado. Mas mesmo assim são partes tão incomuns que não chega a interferir com o andamento do jogo.

Sobre os personagens dos jogos anteriores, estão incluídos Baraka, Cyrax, Ermac, Jade, Jax, Johnny Cage, Kabal, Kano, Kitana, Kung Lao, Liu Kang, Mileena, Nightwolf, Noob Saibot, Quan Chi, Raiden, Reptile, Scorpion, Sektor, Shang Tsung, Sheeva, Sindel, Smoke, Sonya, Stryker e Sub-Zero.

Os donos de PS3 podem jogar com Kratos, da série God of War, e sua inclusão ficou realmente bem feita, e quase não há diferenças entre ele e os demais personagens; já estão confirmados Kenshi e Skarlet como personagens DLC, e Cyber Sub Zero (aparentemente o único personagem novo, junto com a Skarlet), que é desbloqueado dentro do Story Mode. Ainda temos Goro, Kintaro e Shao Kahn, mas somente Goro pode ser jogado brevemente no modo Challenge.

Além dessas formas, cada personagem ainda tem sua forma alternativa (que muitas vezes é somente uma troca de roupas), e o desenvolvimento de cada um deles chega a ser contado dentro do jogo. Como Jax perdeu os braços, como Kabal virou aquele ser mascarado, quem é Noob Saibot, quantos clãs lutam no torneio, e quantos são os Sub-Zeros, todas estas histórias são englobadas num ponto só, e encaixam bem dentro da trama.

Os cenários remotam aos primeiros jogos também, como a luta sobre a ponte de pedra (The Pit), a floresta assombrada, e lago de ácido e outros, mas ao contrário de alguns jogos da série, aqui a paisagem não interfere. É possível inclusive ver outros lutadores combatendo nos planos de fundo, e até alguns easter eggs estão presentes, da mesma maneira que os jogos anteriores (sim, fazer um Stage Fatality no cenário The Pit, com duas Flawless Victories te dá direito à um segredo. Mas desde que o trenó do Papai Noel apareça em frente à lua). Como a nostalgia está levando uma boa parte da diversão, os famosos Kombat Kodes estão de volta no modo versus, e descobrí-los habilita opções bem diferentes no jogo, como por exemplo lutas sem braço, lutas sem pulo ou sem usar especiais.

Dos modos de jogo, fora o Story já citado e o Versus, ainda temos mais novidades. No Challenge Tower, você deve conseguir objetivos específicos, não sendo possível escolher personagens ou adversários. Ainda inauguram alguns modos mais cômicos, no estilo “passatempo”, entre eles o Test Your Luck, onde o adversário, uma condição contra e uma a favor são sorteados na roleta; o Test Your Might onde basicamente você aperta dois botões até a força do seu golpe atingir um certo valor, e depois desfere o golpe na barra de medidas (visto desde o primeiro MK); temos o Test Your Sight, onde você precisa advinhar onde está a bola, depois de ser embaralhada embaixo de algumas cabeças; e o Test Your Strike, semelhante ao Might, mas dessa vez com limite inferior e superior, e com uma exigência de tempo também.

É uma maneira interessante de dar fator replay pro jogo sem cair muito na mesmice. Ainda temos a cripta (The Krypt), onde as moedas conseguidas nos demais modos de jogo são trocadas por fatalities, roupas, concept arts e outros, e tudo isso, depois de liberado, fica disponível na cidade de Nekropolis.

A área online, que tem se tornado mais importante nos últimos jogos de luta, também vem com algumas novidades interessantes, sendo a principal delas a chamada King of The Hill, onde basicamente o vencedor das partidas se mantém nas próximas, numa sala com até 10 jogadores.

Outros modos específicos como partidas 1 a 1, Ranked ou Private também estão disponíveis, mas o principal atrativo fica por conta da velocidade com que tudo acontece. Basta escolher um modo e em poucos minutos você está na luta. Em geral, não existe lag durante as partidas, mas quando a lentidão ataca fica praticamente impossível jogar. Cada combate te gera koins para serem usadas na Krypt, e você vai querer gastar lá.

É seguro afirmar que Mortal Kombat se redescobriu. Ao voltar às origens, e tentar dar um rumo à sua complicada história, MK chega na nova geração (finalmente) com um jogo que não é cansativo, e que explora todos os arredores que um jogo de luta pode ter. Ao trazer de volta os personagens consagrados, garante a familiaridade dos jogadores, e com os cenários remodelados, a nostalgia entra em ação, e tudo isso envolto numa jogabilidade simples e objetiva, recheada com modos alternativos e um Story Mode decente.

Seja por detalhes que remetam ao Mortal Kombat 1, 2 ou 3, seja pelo fato do Shao Kahn ser ainda um apelão (mas um pouco mais fraco), ou seja pela sua curiosidade em conhecer este jogo (caso não conheça), acredito ser seguro dizer que Mortal Kombat ganhou mais um pouco de confiança dos gamers, e que a franquia não acabou de vez. Ou, em termos práticos, ela ganhou um “Kontinue”.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

O maior crossover de lutas de todos os tempos apresentou sua mais recente versão no dia 15 de fevereiro de 2011. Marvel vs Capcom 3 chegou para PS3 e XBox 360 com grande estilo e com algumas mudanças. No encontro da Casa de Ideias com uma das maiores produtoras de jogos, a pancadaria rola solta num sistema já velho conhecido dos gamers, com algumas novidades, novos personagens, nova engine e novos cenários, mas com a mesma diversão e o mesmo desafio habituais.

Circulando nas mesas de criação da Capcom há pelo menos 2 anos (e na cabeça dos gamers há mais de 10), a expectativa criada para a nova empreitada no mundo dos crossovers concernia quem estaria no jogo, como seria seu sistema de combate (principalmente com relação às críticas recebidas após os dois jogos anteriores), e principalmente, como o visual se comportaria nos consoles de última geração.

Marvel vs Capcom 3 desembarca nos controles mainstream, com uma diferença principal com relação à jogabilidade. Nesta nova versão, contamos com somente 4 botões, e eles são bem diferentes do que esperávamos.

Estão mapeados o golpe fraco, golpe médio e golpe forte, além de um botão chamado “special” (que não aciona o golpe especial, por sinal). Sim, é isso mesmo que você leu, não há botões específicos para chutes e socos, mas todas as funcionalidades estão presentes, e aí começam as mudanças.

Basicamente, para acionar um golpe, você deve executar o comando necessário (por exemplo um Hadouken, com meia lua pra frente e “soco”), decidir qual potencia você quer (fraco, médio ou forte), e o sistema vai traduzir isso no golpe. O mesmo vale para outros golpes, já que em tese não existem combinações repetidas no jogo (como meia lua pra frente com soco e com chute), e por isso o sistema se encaixa muito bem.

Não é exatamente uma novidade, já que é o mesmo sistema de Tatsunoko vs Capcom, e de uma maneira geral, facilita na hora de criar combos, já que a quantidade de botões foi virtualmente reduzida. No caso, somente irão importar a posição dos adversários, movimentação no direcional e potencia do golpe.

O quarto botão, chamado special, pode acionar combos aéreos, ou trocar de parceiro no meio dos combos em andamento, dentre outras funções. Já para os shoulder buttons restam as funções de auxilio (partners), como o L1/LB e R1/RB, que acionam o parceiro para uma assistência num toque, ou trocam de personagem ao serem segurados por alguns segundos, e os gatilhos L2/LT e R2/RT que ficam com funções distintas, sendo os primeiros para acionar especiais de Gauge MAX (com todo seu time), e os segundos com a função de três potências combinadas (L+M+H, para especial do seu lutador no nível 3).

Caso os controles estejam atrapalhando, o jogador tem uma opção: os modos de controle “Normal” e “Simple”. Trocando em miúdos, o modo simple reduz a dificuldade de engatar combos, por fazer combinações mais simples nos golpes mais famosos. Não é exatamente um modo mais fácil (embora realmente facilite as coisas), porque você pode colocar no modo simples e ajustar a dificuldade para Hard, e terá dificuldades em passar das fases já que seus inimigos ainda serão mais espertos e ficarão mais na defensiva e nos contra golpes.

Um outro detalhe do modo simple, é que a quantidade de combos disponíveis cai, e seu personagem só pode executar um Hyper Combo. Após a atualização do jogo para a versão 1.01, essa escolha poderia ser feita antes da seleção de personagens, mas agora se encontra dentro das opções.

O combate segue da forma convencional, com times de 3 personagens se enfrentando no 1 contra 1, podendo ser trocados a qualquer momento. Dois pequenos detalhes voltaram em Marvel vs Capcom 3: o primeiro deles é a troca de comentários antes da luta, que ocorre com alguns personagens específicos (Ryu x Akuma ou Chun-li, DeadPool x Homem Aranha ou Homem de Ferro, e assim vai).

Embora não diferencie em nada na jogabilidade, é sempre divertido ver a interação entre os lutadores (ou as piadas esdrúxulas do Deadpool). O outro detalhe é a volta dos finais individualizados por personagem, que pode elevar muito o fator replay. Cada lutador tem seu final contado em quadrinhos com diálogos curtos, que ajudam a “explicar” um pouco como eles se envolveram naquela batalha, num esforço notável da Marvel em criar um “universo” específico para este game. Aliás, quem conseguiu comprar a edição especial, lançada dia 15, ganhou uma HQ com uma seção introdutória sobre os porquês do combate estar acontecendo, o que ajuda a entender até alguns dos finais.

A quantidade de personagens está  bem variada, porém um pouco menor do que Marvel vs Capcom 2 (que apresentava 56 personagens de início, contra 36 atuais), mas com alguns estreantes bem-vindos.

Um bom exemplo é a incorporação de personagens com jogabilidades bem diferente das originais, como Crimson Viper (proveniente de Street Fighter IV) e seus golpes em diagonal, e Amaterasu (do game Okami), um lobo que tem menos da metade da altura média dos outros personagens, dificultando a execução de combos diretos.

Dos lutadores “Eu já sabia”, Ryu, Akuma e Chun-li marcam a série Street Fighter; Capitão América, Homem de Ferro, Thor e Hulk representam o time dos Vingadores; e Wolverine, Tempestade e a Fênix entram como os X-Men. Aparecem também Chris Redfield, Albert Wesker e Jill Valentine (esta obtida por DLC) representando os figurões de Resident Evil, além de outras novidades interessantes, como Mike Haggar (Final Fight), Viewtifull Joe, Arthur (Ghouls & Ghosts) e Trish e Dante (ambos de Devil May Cry).

A Capcom teve um certo cuidado com a aplicação dos golpes em cada personagem, principalmente depois das reclamações do desequilíbrio dos games anteriores, e agora Marvel vs Capcom 3 consegue mostrar mais equilibrio entre os lutadores.

Algumas medidas extras foram tomadas, como, por exemplo, counters aéreos, evasões e o X-Factor. Este X-Factor nada mais é do que um modo “beserk” do seu personagem em algumas condições específicas, para dar maior recovery, mais força e mais velocidade e tentar virar a mesa numa situação ruim. Cada time pode acionar seu XFactor somente uma vez, e quanto menos membros tiver o time, mais forte será o efeito desta habilidade. Assim, se caso seus dois personagens iniciais caíram, ainda será possível derrotar os oponentes mesmo no seu último lutador com esse pequeno boost.

Quanto ao balanceamento dos golpes, alguns dos mais “apelões” tiveram força reduzida (como no caso de Ryu, Akuma, Wolverine), outros mais lentos tiveram sua força um pouco aumentada (Hulk, Thor, Haggar), e aqueles personagens considerados fracos ganharam golpes mais devastadores, ou especiais mais impactantes (caso da Tempestade e da Fênix).

Em todo caso, a aplicação de golpes consequentes e a criação de combos realmente foi diferenciada para cada personagem, e somente cumprindo as “missões” é que você terá domínio de todos os golpes do seu lutador favorito.

Falando nisso, o modo “tutorial”  recebeu uma modificada, ao apresentar “missões” ao invés de um tutorial simples e direto. Você escolhe um personagem, e a cada sessão um golpe é requerido, até você cumprir e ser apresentado ao próximo.

Não difere essecialmente dos modos anteriores, porém, desta vez só o nome do golpe (e não a combinação) é mostrado, forçando o jogador a conhecer muito bem cada combinação a fim de executar as missões (ou pausar e entrar na opção onde mostra qual a combinação requerida). Eu acredito que essa foi uma mudança desnecessária, e mostrar as combinação exigidas junto com o nome (como sempre foi) daria mais fluidez ao modo Mission.

Ao completar um determinado número de missões, você adquire uma quantidade de bonus features, como modelos tridimensionais, sons, artwork e outros.

O modo online tem sido o mais problemático até agora, e a Capcom está ciente disso.

Desde o primeiro dia, ocorre uma dificuldade absurda de conseguir realizar algumas partidas. A produtora japonesa afirmou já estar trabalhando num patch para corrigir o sistema de conexão, que em tese faz uma tentativa de conexão, e caso ocorra falha, ele retorna ao menu, saindo do modo online.

Um diferencial colocado no modo online, vai tentar escrotizar a vida daqueles que “fogem” quando estão perdendo. Caso isso role repetidamente com um jogador (e desde que não seja problema de conexão), o jogador será “marcado”, e só irá jogar contra outros jogadores “amarelões”. Fora destes detalhes, o modo online fica muito aquém de outros jogos recentes da Capcom, como Super Street Fighter IV, por exemplo.

Entrar num lobby com 8 pessoas pode ficar tedioso muito facilmente, já que você fica assistindo inúmeras partidas antes de entrar em ação. Existem modos de Player Match e Rank Match, mas a experiência em geral é abaixo do esperado. Ainda é boa, mas bem abaixo.

Mas o maior atrativo à curiosidade dos fãs com relação à este novo lançamento, era com certeza, o visual do game. Após a grata surpresa que foi a engine usada em Street Fighter IV e Super Street Fighter IV (além daquela mostrando o lado menos realista em Tatsunoko x Capcom), a decisão de usar a mesma Engine de Resident Evil 5 e Lost Planet 2 (chamada MT Framework Game Engine) se encaixou como uma luva, porque respeita os traços dos personagens que tem tendências “realistas” (como Wesker, Chris, Ryu, Wolverine), ao mesmo tempo que destaca as cores de personagens mais cartunescos (como Amaterasu, Viewtiful Joe e Zero), criando uma boa harmonia entre visual e jogabilidade.

Os golpes Hyper Combo, como de praxe na série, enchem a tela de luz e cores, e em vários momentos é difícil saber cadê seu personagem (se ele está apanhando ou conseguiu se defender). O frame-rate fica impecável rodando a sólidos 60 fps, mesmo com um grupo acabando um Hyper Combo e outro começando, sem que nenhuma falha seja notada. Os traços dos personagens está muito bem definido, em contraste com o visual de “sprites” do jogo anterior, mostrando que realmente houve uma melhora na série, um avanço, com relação ao gráfico e a tridimensionalização.

Em resumo, Marvel vs Capcom 3 é um excelente jogo de luta em modo arcade, com um visual muito bom, com novidades que te farão pensar um pouco antes de pegar o ritmo, mas que compensa (e muito bem) os 10 anos que o separam de seu antecessor (graças à uma disputa judicial que impediu a Capcom de usar a marca da Marvel no título).

Espero que o modo online seja melhorado e que sejam lançados pacotes de DLC com personagens adicionais. Não me incomodaria com isso, até porque acho que a quantidade inicial está de bom tamanho, mas personagens novos são sempre bem vindos. Marvel vs Capcom 3 retornou aos holofotes, cumprindo muito do prometido desde a E3 do ano passado, e devolveu a diversão e a jogabilidade Arcade aos jogos de luta.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Você pode até  não ter ouvido falar deles (o que é praticamente impossível hoje em dia). Pode ter feito de conta que não ouviu o comentário de algum amigo seu, fã de música eletrônica. Aposto que até deve ter dançado “One More Time” em alguma festa por aí sem saber, mas se você é nerd, não pode negar a existência da dupla francesa Daft Punk.

Desde que surgiu em princípios da década de 1990, o duo formado por Thomas Bangalter e Guy-Manuel de Homem-Cristo (sim, este é o nome dele) vem integrando boa parte das trilhas sonoras das grandes produções hollywoodianas, sejam elas filmes nerds ou não.

O mais recente feito da dupla foi compor integralmente a trilha sonora de Tron – O Legado (2010), sendo os responsáveis por dar ritmo às corridas de moto, batalhas de disco ou cada quadro que compõem a película.

Outro exemplo? Lembra de Homem de Ferro 2? Recorda-se da cena em que Robert Downey Jr. e Don Cheadle – ambos trajando seus trajes específicos – metem porrada um no outro destruindo boa parte da mansão do primeiro? Um dos ingredientes para o bom desenvolvimento de tal pancadaria foi a faixa “Robot Rock” do disco Human After All (2005), e você sabe de quem é a canção? Daft Punk. Agora imagine Tron e Homem de Ferro 2 sem suas devidas composições sonoras?

A dupla chegou inclusive a participar de um comercial de uma marca famosa de tênis reencenando Star Wars. Junto estavam outras celebridades como o jogador David Beckham e os irmãos Liam e Noel Gallagher da extinta Oasis. Quer mais nerd do que isso?

Então que tal o visual futurístico dos músicos. Capacetes negros (Darth Vader?) e roupas que parecem ter saído de um filme de ficção científica fazem a dupla parecerem mais dois robôs do que seres humanos em si. Durante muitos anos ninguém teve acesso aos rostos do duo sendo “reconhecidos” unicamente através de suas vestimentas cibernéticas.

O primeiro álbum da dupla só veio em 1997, após anos fazendo pequenas apresentações ou discotecando pelos clubes noturnos de Paris. “Homework” introduz o público ao brilhantismo do duo em meio a faixas repletas de batidas eletrônicas secas e os sintetizadores que comporiam boa parte das futuras canções do Daft Punk. De cara, a dupla nos entrega hits como “Da Funk”, “Rolling‘ & Scratching”, “Around The World” e “Alive” que acabaram indo direto para as pistas do mundo todo.

Em 2001 a dupla nos apresentaria Discovery, aquele que é o disco mais popular do duo. Com 14 faixas do mais puro virtuosismo eletrônico o álbum serviu como trilha sonora do verão daquele e dos anos seguintes através da pegajosa “One More Time”, além de outros hits como “Harder, Better, Faster, Stronger” e “Digital Love”.

Se alguém desconfiava que o Daft Punk eram na verdade dois robôs disfarçados (embora eles não tentassem esconder isso) Human After All (2005), o terceiro trabalho do grupo é a comprovação disso. Boa parte das faixas demonstra o lado “robótico” da dupla, como a faixa título, a também já mencionada “Robot Rock”, “On/Off” e “Technologic” (com um clipe inteiro cantado por um… robô). Há até uma tentativa da dupla em buscar pelas emoções humanas em “Emotion”. A trilha sonora perfeita para a vida robótica, ou para os homens-máquina que pretendem virar humanos.

Após algumas compilações e um disco ao vivo, em 2010 a dupla anunciou que integraria a trilha sonora do remake de Tron. O resultado é mais um excelente disco repleto de elementos no melhor estilo Daft Punk. Boa parte das cenas de ação do filme se desenvolve graças ao brilhantismo da trilha, sobrando até para a dupla “aparecer” na cena em que Sam Flynn se encontra com Zuse/Castor em sua festa particular.

A sonoridade proposta pela dupla vai muito além da musicalidade eletrônica convencional. As faixas conseguem atingir um grau de excelência e perfeição tão alto que fica até a dúvida: Seria a dupla que compõem o Daft Punk robôs ou apenas meros humanos?

Derezzed (Trilha sonora de TRON: Legacy)

Tudo é monumental na saga As Crônicas de Gelo e Fogo. Seu primeiro volume, A Guerra dos Tronos, que acaba de ser lançado no Brasil pela LeYa, é uma calhamaço de quase 600 páginas – e olhe que é apenas o primeiro de uma série prevista para sete livros. Estima-se que os quatro já publicados até agora venderam, lá fora, mais de sete milhões de exemplares, sendo que o mais recente, A Feast for Crows, chegou ao topo da lista de best-sellers do jornal The New York Times. A revista Time chamou seu autor, George R. R. Martin, de “o Tolkien americano”. O produtor David Benioff definiu Game of Thrones, a vindoura série da HBO que vai levar a saga para as telinhas, como “Os Sopranos na Terra Média”.

Ironicamente, esse caráter épico da obra, que promete ser fielmente transposto para a televisão, é justamente uma resposta à frustração que fez com que o escritor abandonasse um emprego de dez anos como roteirista de tevê. Depois de iniciar sua carreira com livros bem recebidos entre os fãs do gênero fantasia, George R. R. Martin migrou para Hollywood, onde nos anos 80, esteve à frente de, entre outros, o seriado A Bela e a Fera, estrelado por Linda Hamilton (a Sarah Connor de O Exterminador do Futuro) e Ron Pearlman (já se acostumando com a maquiagem pesada bem antes de Hellboy), e o remake da clássica série sobrenatural Além da Imaginação.

“Meus roteiros eram sempre longos e caros. Eu sempre tinha que enxugá-los. Havia personagens demais, cenários demais. [Os produtores diziam:] ‘Não podemos ter todos esses cenários, não podemos ter essa cena de batalha que você escreveu porque só podemos bancar 12 extras’. Então, acabei voltando para os livros. Eu disse: ‘Não me importo com mais nada daquilo. Vou escrever a maior história que eu puder. Vai ter centenas de personagens, batalhas gigantescas, castelos magníficos e paisagens maravilhosas – todas as coisas que eu não podia ter na televisão’”, disse Martin em uma entrevista para a jornalista Maureen Ryan, do Chicago Tribune.

E Martin, de fato, tem hornado o compromisso, apresentando um enredo complexo desde o primeiro volume. A Guerra dos Tronos é ambientado em Westeros, um reino bem parecido com a Europa medieval – com a diferença de que lá o verão e o inverno duram décadas e, num passado não muito distante, criaturas fantásticas como lobos gigantes e dragões realmente existiram. Ou será que ainda existem?

A trama principal gira em torno de Eddard “Ned” Stark, nobre protetor das terras do norte, que é convocado pelo rei Robert Baratheon a ocupar o cargo de A Mão do Rei – uma espécie de chanceler, que governa em nome do monarca. Amigo pessoal de Robert, Ned relutantemente aceita a incumbência, movido pelo objetivo de proteger seu rei e investigar uma possível conspiração arquitetada pela própria rainha, a ambiciosa Cersei Lannister, e seu irmão gêmeo Jaime.

A Rainha Cersei (acima) e seu irmão Jaime (abaixo)

Aos poucos, no entanto, descobrimos que nem tudo é simples como parece: Robert é, na verdade, um usurpador – anos antes, com a ajuda de Ned, ele havia destronado Aerys II, o chamado “Rei Louco”, representante dos Targaryen, a antiga dinastia que havia unificado os sete reinos que outrora formavam Westeros.

A construção dessa intriga palaciana é claramente influenciada pela Guerra das Rosas – o período da história inglesa, na segunda metade do século XV, que foi marcado pela disputa de poder entre as casas York e Lancaster, e que inspirou algumas das peças mais famosas de William Shakespeare, como Ricardo III. Trazer alguns elementos do romance histórico (gênero explorado por autores contemporâneos como Bernard Cornwell) para a fantasia é, aliás, um dos grandes trunfos da obra de Martin. Além dos jogos políticos na corte, o escritor cria um detalhado universo em que não faltam, por exemplo, o complexo relacionamento entre senhores e vassalos, os torneios de cavaleiros e o subestimado poderio dos povos estrangeiros.

“Romances históricos são maravilhosos de ler, mas o único problema é que eu sei muito de história. Então, eu sempre sei o que vai acontecer. Se você está lendo um romance sobre a Guerra das Rosas, não importa o quanto ele seja bom ou ruim, você sempre sabe quem vai vencer. Com este tipo de coisa [o estilo adotado em As Crônicas de Gelo e Fogo], você pode surpreender as pessoas. É escrito como romance histórico, parece romance histórico, mas você não sabe o que virá a seguir”, disse Martin em entrevista para a jornalista Linda Richards, da January Magazine.

Também contribui para esse cunho surpreendente da trama o fato de que os personagens-chave são ricamente elaborados. Quem está mais próximo de ser alguém totalmente íntegro é Ned, e mesmo ele tem uma mancha em seu passado – um caso extraconjugal que resultou num filho bastardo, chamado Jon Snow. De resto, em ambos os lados, tanto entre os Stark quanto entre os Lannister há personagens dúbios, que não se encaixam na dicotomia mocinhos-bandidos – e o melhor exemplo disso é Tywin, o anão, irmão de Cersei e Jaime Lannister.

Jon Snow, filho bastardo de Stark

É preciso, ainda, destacar a engenhosidade da narrativa. A divisão em capítulos curtos, cada um focado em um personagem, evidencia a influência dos scripts televisivos na escrita de Martin, ao mesmo tempo em que torna a leitura ágil e fluida. E a forma como as subtramas – a marcha (ou melhor, a cavalgada) dos irmãos Viserys e Daenerys Targaryen para reclamar o trono, e a ameaça sobrenatural representada pelos Outros, no norte do reino – são conduzidas, paralelamente à trama principal, permite que elas culminem em um desfecho meticulosamente planejado para deixar o leitor em suspense.

Bom, eu perdi boas horas de sono, sem conseguir largar o tijolo de quase 600 páginas, e não vejo a hora de repetir a dose no próximo volume, A Fúria dos Reis. E também aguardo ansiosamente pela estreia, em 2011, da série da HBO, que terá no elenco, entre outros, Sean Bean (o Boromir de O Senhor dos Anéis) como Ned, e Lena Headey (a rainha Gorgo de 300) como Cersei. Que venha logo o inverno!

A mais nova versão de um dos FPS mais aclamados dos últimos tempos foi lançada no dia 9 de novembro; e pela quatidade de unidades vendidas nos primeiros dias, já sabíamos que seu antecessor, Modern Warfare 2, estava prestes a perder seu reinado.

Call of Duty: Black Ops (PC, PS3, XBox 360, DS e Wii) aborda temas ainda hoje considerados tabus dentro do exército e do governo americano, como missões secretas de espionagem no Vietnã, e tentativas de assassinato de líderes comunistas em plena Guerra Fria, vista pelos olhos de um dos seus melhores combatentes.

A linha de tempo que separa os dois grandes sucessos da Activision, Modern Warfare e Black Ops, foi longe de ser calma e tranquila. Em janeiro deste ano, quando a Activision e a Infinity Ward ainda contabilizavam lucros sobre a venda de Call of Duty: Modern Warfare 2, e anunciavam seus resultados felizes na mídia, nos batidores a coisa era bem diferente.

Reuniões tensas à portas fechadas, acusações de desvio e não-cumprimento de pagamentos referentes à royalties, e troca de e-mails ameaçadores marcaram aquele que seria o fim de uma parceria de mais de 3 anos, que gerou frutos como a saga Modern Warfare, uma das mais lucrativas na história recente dos games, e rendeu a demissão dos dois líderes da produtora Infinity Ward, retirados da sede escoltados por seguranças da Activision. No fim das contas, ameaças de processos, discussões vindas à tona, e apenas uma certeza: o próximo Call of Duty não seria feito pela antiga produtora, o que lançou uma sombra de dúvida sobre a qualidade a ser mantida.

E foi nesse cenário que a Treyarch, antiga parceira da Activision (Call of Duty 2, Call  of Duty 3 e Call of Duty World at War), retornou ao palco principal e mostrou um bom trabalho. Criou um enredo que fascina e intriga os que se interessam pelas histórias de guerra, e ainda é capaz de trazer os jogadores mais novos ao lado obscuro das operações militares de uma época onde nem o mundo sabia o que o futuro aguardava.

Você assume o papel de Alex Mason, um agente secreto da unidade conhecida somente como SOG (Special Operations Group), e que participou de algumas das maiores operações secretas do exército, que envolviam planos de eliminação de Fidel Castro, a sabotagens ao programa espacial russo, todas elas pertencentes à um objetivo maior.

Diferente dos games anteriores da série, você é apresentado ao enredo através de memórias do agente, que se encontra preso e sob “interrogatório” a respeito de uma ameaça de ataque iminente aos EUA. Se em Modern Warfare 1 e 2 os soldados iam de um campo de batalha à outro em operações sequenciais durante meses, a quebra de linearidade narrativa em Black Ops permite ao enredo saltos temporais relativamente curtos por um período de 7 anos em localizações distantes, como Cuba, Vietnã e Sibéria, sem que dê a impressão de que a mudança de ambientação foi forçada ou não muito clara.

A jogabilidade apresentada em Black Ops segue o mesmo esquema já conhecido, mas a dificuldade parece mais baixa, se comparada com Modern Warfare 2. Claro, agora temos 4 níveis de dificuldade (onde o modo “Veteran” irá testar suas habilidades ao máximo, enquanto que o “Extreme” diz simplesmente “você vai morrer.”), mas mesmo assim, em modos semelhantes nos dois jogos, Black Ops me apresentou menos desafio.

Houve algumas adições muito bem vindas, como a inclusão de veículos militares como tanques, botes, jipes e helicópteros, mas o jogador deve controlar tanto o veículo quanto a artilharia, e em algumas partes a quantidade de alvos na tela pode te deixar lutando com os controles.

A Treyarch prometeu incluir inovações dentro do ambiente conhecido dos jogos FPS, e cumpriu. Numa fase em específico, o jogador é colocado como monitor aéreo de uma equipe, e em seguida passa a controlar a equipe que monitorou momentos antes, apresentando ao jogador a sincronia que existe dentro de uma operação militar.

Em outra, você está dentro de uma HazMat Suit (Hazardous Material Protection Suit), e precisa avançar até um determinado ponto sem que sua roupa sofra muitos danos e você seja exposto ao componente químico que está no ambiente. Se durante o jogo a tela ficar vermelha, você está em risco de vida, e repousar em algum lugar seguro retorna sua life ao máximo, mas no momento em que você está na HazMat Suit os danos não se recuperam, por isso estratégia e observação do ambiente passam a desempenhar um papel maior.

Algumas novidades vindas de MW2, como as invasões em rapel ou em tirolesa, foram expandidas, e as armas utilizadas no jogo, como Napalm, bestas de ponta explosiva, AK-47 com lança-chamas e escopetas com munição incendiária, lembram bastante o tipo de combate da época, que vemos nos documentários.

A imersão foi repaginada nesta nova versão. Seja pelas cenas interativas, onde você precisa reagir à um ataque inimigo cara a cara, ou para salvar seu companheiro num momento de desespero, seja pela preparação para entrar numa sala e em câmera lenta eliminar seus opositores, os truques simples utilizados pela Treyarch te dão a sensação de participar da guerra e dos seus momentos mais intensos.

Como você participa de uma boa quantidade de missões com o mesmo grupo de aliados, é inevitável sentir empatia por aqueles que serão seus companheiros de batalha por um longo período, e isso aproxima o jogador do ambiente do game.

Os visuais do jogo são baseados na mesma engine de World at War, que segura muito bem o frame-rate mesmo em situações de vários inimigos em tela com explosões e fumaça em todos os lugares. E são estes gráficos incríveis que vão te mostrar cenas brutais retratadas à precisão dos horrores de guerra, seja ao mutilar seus inimigos, seja explodindo suas bases com Napalm.

Como sabemos, a Guerra do Vietnã foi a mais “suja” e cruel de todas as guerras, empurrando os limites das convenções humanitárias ao máximo, e você vai passar por isso no jogo, em cenas de tirar o fôlego e capazes de te fazer refletir sobre os eventos passados no campo de batalha. Um destaque visual de destaque ficou para as seções de “interrogatório” de Mason, que vem na forma de uma verdadeira convulsão de imagens sendo formadas a medida que soldado acessa suas memórias e reconta suas batalhas.

A trilha sonora segue bastante o mesmo patamar das outras edições do jogo, com suas composições orquestrais que se adaptam aos eventos em tela, mas apenas o diferencial da presença de músicas que marcaram época durante a Guerra do Vietnã, como Credence Clearwater Revival e Rolling Stones; este último com o sucesso Sympathy for the Devil.

Outro destaque da parte de som é a dublagem dos personagens, que em nenhum momento deu a impressão de ser falsa, ou fora de sincronia.

O multiplayer também está presente, com pequenas modificações que vieram à atender as opiniões dos gamers. Mais modos, mais armas, maior variação de combates e equipamentos enriquecem a experiência online, e uma mudança bem vinda na liberação destas armas veio na forma “comercial”: agora, seus pontos em cada partida são revertidos em dinheiro, e você escolhe quais equipamentos quer desbloquear primeiro, não ficando mais dependente do nível que é preciso atingir para desbloquear o attachment que você quer.

Com essa simples mudança, você poderá montar sua “Custom Class” ideal em apenas alguns níveis de jogo.

Para aqueles que querem começar nos combates em rede, a Treyarch incluiu um modo tutorial com bots para que os iniciantes se familiarizem com as armas, movimentação e controles, antes de cair nos servidores principais e disputar com jogadores mais experientes.

Já no multiplayer, dentre as inovações em modos de jogo, temos uma disputa onde cada jogador tem somente uma bala e a faca, e consegue mais munição acertando os outros inimigos e tomando suas armas.

Além disso, todas as modalidades dos games anteriores (Team Deathmatch, Demolition, Sabotage, Headquarters, etc) estão presentes, e além dos challenges já mostrados na versão anterior, temos nesta versão os Contracts, onde determinados objetivos específicos podem ser escolhidos. Quando completados, liberam pontos para serem trocados por armas, perks, munições e equipamentos para as armas.

Assim como em Call of Duty: World at War, Black Ops também tem um modo cooperativo para até 4 jogadores enfrentando zumbis, mas o diferencial fica para os personagens que lutam contra os mortos-vivos.

São suas opções o ex-Presidente americano John Kennedy, o ex-Presidente Richard Nixon, o secretário de segurança nacional do governo Kennedy Robert McNamara, e o ex-ditador cubano Fidel Castro. É um modo de jogo simples, onde cada zumbi te dá uma recompensa em dinheiro que pode ser trocada por armas e unições. É mais divertido jogar online, ou com um amigo em split-screen, e serve como alívio cômico para todo o clima pesado representado no game.

Em resumo, Call of Duty: Black Ops segurou toda a apreensão que foi lançada quando o futuro da série ainda era acreditada somente no nicho Modern Warfare. A Treyarch retornou aos holofotes e “desviou” o foco do game sem sair da época relativamente moderna da história das guerras, e ainda explorou um nicho interessante e que sempre atraiu a curiosidade dos gamers.

A quantidade de modos de jogo, diferenciações e opções dá a impressão de que o preço pago no jogo chega a ser baixo, pelas horas de diversão capazes de ser obtidas, seja no modo story ou no multiplayer. E no fim das contas, entregou um jogo sólido, imersivo, atraente e desafiante, melhorado nos pontos de crítica e ampliando nos acertos anteriores. Num ano em que tivemos lançamentos de peso como God of War 3, Heavy Rain e Halo Reach, Call of Duty: Black Ops está certo de figurar como um dos melhores do ano. E com muita razão.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Um pedaço de fragmento místico em exposição no Museu de História Natural de Nova York chama a atenção de um dos mais conhecidos inimigos do Homem-Aranha, o Mysterio. Óbvio que o herói aracnídeo aparece para impedir o crime.

Mas o que nenhum dos dois sabem é que estão prestes a embarcar numa viagem interdimensional visitando locais no presente indesejado, no futuro desconhecido e passado não existente. E com essa trama, que conta com a ajuda da Madame Teia, tem início a nova aventura do Cabeça-de-Teia mais querido do mundo dos quadrinhos em Spider-Man: Shattered Dimensions (Wii, PS3, XBox 360, DS e PC).

A trama se desenvolve logo após os eventos do museu, onde o Homem-Aranha recebe a visita da Madame Teia, e fica ciente do que acabou de ocorrer ali. Na verdade, a tábua que foi quebrada (“Tablet of Order and Chaos”) nada mais é do que a chave de um dos vários portais dimensionais que telepatas poderosos como a própria Madame têm acesso restrito, de tão distantes e perigosas que essas dimensões são.

Os fragmentos foram parar em 4 dimensões distintas: a presente, onde o Amazing Spider-Man deverá se concentrar em recuperar as partes; a futura, com Spider-Man 2099 no posto de vigilante da vez; num passado que nunca ocorreu, com um Spider-Man Noir enfrentando versões gângsters dos seus inimigos mais famosos nos anos 30; e no presente alternativo, com um Ultimate Spider-Man no uniforme negro (contido pela Madame Teia) para ampliar sua força e agilidade.

Independente da sua dimensão, o Teioso conta com sua famosa agilidade e super força combinadas com sua teia para derrotar os capangas do chefe da vez, e recuperar os fragmentos do artefato – a Tábua da Ordem e do Caos, que nas mão erradas, é devastadora.

Desde o lançamento de Batman: Arkham Asylum, os games de heróis de histórias em quadrinhos (ou até mesmo baseado em filmes) têm sido colocados à prova a cada lançamento, principalmente devido ao roteiro bem costurado e verossímil na trama do Homem-Morcego.

Em Shattered Dimensions, a pressão não foi diferente, mas este game talvez tenha sido uma das poucas exceções que conseguiram se sobressair frente aos novos jogos. Claro, por questões de roteiro e de história, nada como um local central (como o Arkham Asylum) poderia ser concebido, pelo simples fato de que não existe somente um lugar onde todos os vilões do Aracnídeo se encontram. Mas a explicação dada pela trama é até convincente: se um artefato tão poderoso se torna “público”, é lógico que a maior quantidade de malucos possível irá tentar tomar posse. Agora, os detalhes de como cada um deles teve acesso ao seus fragmentos não ficaram realmente claro.

O jogo é dividido em 3 atos, e em cada ato um dos Aranhas tem a sua vez na ação. Além disso, estão presentes alguns dos maiores vilões do Aracnídeo (e outras figuraças da Marvel), como Kraven, Abutre, Homem-Areia e Carnificina, além do Fanático e Deadpool.

Independente do vilão ou da dimensão, você enfrenta o mesmo chefe pelo menos duas vezes na fase, uma na sua forma normal, outra ampliada pelos poderes do fragmento. Na minha opinião, faltou um Venom, por ser um dos vilões que eu mais acho desafiador para o aracnídeo. Porém, dada a quantidade de personagens, a ausência dele não é tão sentida.

Claro que a “divisão dimensional” afeta vários aspectos, sendo que o mais chamativo deles é o visual. Além disso, cada Spider-Man tem atributos diferenciados, uniformes e combos específicos, e em cada seção a exploração é diferenciada.

Um exemplo simples: enquanto que Spider-Man Noir é muito mais voltado à furtividade, com poucas partes de ação e combate, Ultimate Spider-Man (no uniforme negro) é mais voltado à quantidade de inimigos em tela te atacando ao mesmo tempo. Enquanto em 2099 passamos por cenários com suas torres altas e carros voadores (e consequentemente seções de queda livre), e Amazing Spider-Man, que apresenta a jogabilidade mais balanceada entre todos os atributos.

Destaque para o clima da seção Noir, toda baseada e ambientada nos filmes da categoria, e que apresentam bastante sombras e tons de preto e branco, propício para ataques silenciosos; e para a fase 2099, com seus carros voadores e luzes de neon suficientes para matar todos os civis de ataques epiléticos.

A jogabilidade também é afetada de acordo com qual personagem você está jogando, e de novo, a diferença mais notável fica por conta do Noir. Nesta dimensão, é muito mais simples (e necessário) se esconder nas sombras e derrubar os inimigos desavisados do que sair trocando socos com os mesmos.

Já no Ultimate, o lance é mesmo partir para cima dos inimigos e colocar todos pra dançar. Um detalhe é que tanto Ultimate quanto o 2099 apresentam uma função diferenciada, sendo o Rage Mode para o uniforme negro (que coloca o Aranha com mais força e agilidade por determinado tempo), e o Accelerated Vision para o 2099 (que diminui o tempo ao seu redor e te deixa mais livre para agir).

Ambos são ativados pelo L1 ou LB, e duram um certo tempo, até serem esgotados e preenchidos novamente com seus combos.

Estão presentes no jogo todos aqueles componentes que os fãs de ação e aventura gostam, sejam colecionáveis, sejam troféus e achievements ou sejam itens secretos. Ainda existe a famosa tela de “upgrade” de habilidades de combate e do aumento de vida, mas esse jogo ainda conta com o sistema de challenges integrado aos demais.

Para cada fase que você entra, você recebe um número de challenges a serem cumpridos dentro daquela fase, como por exemplo derrotar tantos inimigos, desarmar alguns outros, obter um determinado número de itens secretos (as aranhas douradas), ou derrotar um determinado chefe dentro de uma certa quantidade de tempo. Quando você completa um número de desafios, mais um lote de upgrades fica disponível para aquisição, em troca de pontos obtidos usando combos variados nos inimigos comuns das fases.

Voltando ao comparativo (não necessariamente fundamental) com Arkham Asylum, existe uma quebra no ritmo do jogo que aparece constantemente em Shattered Dimensions. A cada fase que você termina, você é levado de volta ao menu de seleção de fases e escolhe qual próximo vilão vai enfrentar.

Se por um lado esta estratégia te permite jogar na ordem que mais gosta, por outro transmite essa sensação de quebra no ritmo — que não necessariamente é ruim, visto que entre as dimensões existem mudanças gritantes de cenário e jogabilidade. Como existem 3 atos durante o jogo, não é possível percorrer o caminho do Spider-Man Noir (por exemplo) para depois começar o do Spider 2099, o soa um pouco falho. Seria mais plausível se pudéssemos trilhar pelas dimensões separadamente (ao invés de paralelamente), para minimizar a troca de ambientação e a quebra no clima do jogo.

Uma coisa notável durante os jogos foi a arquitetura de cada cenário. Claro, como dito, cada dimensão tem seu próprio tipo de cenário, mas em alguns casos a integração com as paredes ficou muito prejudicada em algumas fases, e simplificada nas outras.

Nas fases Noir, que praticamente exigem que você fique pelas paredes, é relativamente simples se aproximar da parede e colar nela. Agora, se você quiser fazer isso em outras fases, vai ter mais dificuldade, já que o cenário não foi “projetado” para isso, especialmente o do Spider 2099.

Para piorar, em algumas seções, mesmo dentro da fase Noir, o Homem-Aranha não consegue atravessar um parapeito no meio de uma parede, enquanto que em outras situações a câmera fica perdida quando você tenta passar por um vértice da parede. E algumas vezes isso é mais do que suficiente para você ser localizado e abatido.

O combate merece um certo destaque: dentre as 4 dimensões, o melhor tipo fica com Ultimate, pela facilidade de ligar combos terrestres e aéreos, pelo tipo de inimigos e pela quantidade deles em tela.

Em algumas fases é tanto adversário junto que pelo simples fato de você apertar os botões de luta no controle você já está atingindo combos de 10x ou 20x. Por outro lado, o pior fica com Noir, até porque nesta fase todos os inimigos estão armados (com exceção das 2 ou 3 partes durante a dimensão toda onde o combate é obrigatório), e aqui, ao contrário das demais dimensões, 3 tiros de rifle você morre.

É uma maneira um pouco forçada de obrigar o jogador a se manter oculto, e acaba diferenciando demais a jogabilidade deste universo para os demais.

Mesmo que você não seja fã do Homem-Aranha, Shattered Dimensions é um excelente jogo de aventura. As variações que as dimensões trazem são bem conectadas à história real do herói, e mesmo na dimensão “criada” para o jogo, Noir, a adaptação dos seus inimigos como Abutre e Norman Osborne ficou bem agradável.

Se você é fã, ou se já jogou games anteriores do aracnídeo, a curva de aprendizado cai drasticamente, e quase que por instinto você já pode sair encaixando combos e se balançando pelas cidades virtuais. E para aqueles que nunca jogaram, temos sempre os conselhos da Madame Teia para nos guiar.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

O mundo das corridas virtuais é  repleto de opções variadas para aqueles que procuram por velocidade no mundo dos games. Desde simuladores reais de direção como Gran Turismo até corridas com batidas espetaculares como Burnout Paradise, os pilotos virtuais tem um campo bastante amplo para deslizar seus pneus virtuais. E é nesse terreno que Split Second (PS3, XBox 360 e PC) consegue entrar e se destacar.

Desenvolvido pela Black Rock Studio em parceria com a Disney Interactive, a temática do jogo envolve um reality show de corrida, numa cidade abandonada que é ignorada pelo mundo. Tudo está pronto pra explodir a qualquer momento. Você corre por cidades, aeroportos, portos marítimos, shoppings, represas, usinas nucleares e cadeias de montanhas, mas o diferencial do jogo é que te obriga a prestar mais atenção na paisagem do que apenas pela beleza do cenário em si. Calma, eu explico.

Se por um lado os jogos de corrida convencionais (como Burnout) te incentivam a brigar diretamente com seu adversário por posições, Split Second se diferencia por colocar o cenário como opção para destruir seus opositores, devido à dinâmica do jogo e seus sitema de cenário interativo.

Funciona assim: a corrida começa, você  assume posições, faz manobras como drifts, drafts e jumps, e vai enchendo sua barra “Power Play”. Assim que acumula uma certa quantidade de poder, você pode ativar certos gatilhos no cenário (como barris explosivos, caminhões-tanque, ou até mesmo dinamite em colunas de prédios), e tentar acertar o seus adversários com os escombros, com a força da explosão, ou até mesmo com um prédio todo caindo em cima deles.

A sua barra de Power Play possui níveis diferentes, e quando você completa todos os 3 níveis, o poder mais forte fica disponível. Com ele, você ativa os Routes Changes, onde a destruição é tão grande que a rota da corrida é alterada a ponto de 25% do trajeto ser novo a partir dali, retornando ao antigo antes do fim da volta.

O jogo não se resume somente à  corrida entre adversários, mas também apresenta alguns outros tipos de gameplay. São 6 opções no total, sendo elas

• Race, Detonator (o básico time trial);
• Elimination (onde o último de cada setor de tempo é eliminado);
• Air Strike (espécie de time trial onde um helicóptero incoveniente atira mísseis pelo seu caminho);
• Air Revenge (semelhante ao Air Strike, mas desta vez seu Power Play redireciona os mísseis de volta pro helicóptero);
• Survival (onde você corre por uma pista fechada com caminhões soltando barris explosivos), e em cada um deles sua função é bem determinada e seus limites são postos à prova, seja por tempo, seja por dificuldade.

Um aspecto bem diferenciado ficou por conta da interface do jogo em si, que é todo tratado para ser realmente um programa de televisão. Cada “temporada” contém um determinado número de “episódios”, e no último de cada temporada você compete com os mesmos corredores “Elite” em busca da maior pontuação no campeonato geral.

Entre as Seasons, até rola um preview do que poderá ser visto na próxima, no melhor estilo “cenas dos próximos capítulos”, e você até tem uma pequena opção de qual temporada irá correr a seguir. Mas no fim das contas não existe realmente caminhos diferentes, e sim algumas maneiras de passar pelas fases.

A rotina do jogo é bem equilibrada. Você já começa com carros rápidos em pistas velozes, e a sensação de evolução é bem clara por sempre ter uma pista nova desbloqueada (chega quase a uma nova por temporada, sendo 16 pistas no total), e um carro novo à espera daqueles que conseguem sempre os primeiros lugares.

Durante a competição, você vai voltar às pistas das primeiras corridas com um carro mais rápido, e vai perceber que realmente dá pra diminuir o tempo das suas voltas, dado à diferença entre os modelos e sua maior habilidade em controlar carros mais rápidos nas curvas, ou o conhecimento sobre os pontos de perigo da pista.

Se existe alguma crítica, fica exatamente na parte “engessada” dos gatilhos durante a corrida. Quando você termina uma pista, já sabe exatamente onde cada um dos pontos-chave estarão nas próximas vezes que passar por ela de novo.

Além disso, só existe 1 Route Changer por pista, o que diminui as suas opções estratégicas durante uma corrida mais acirrada, pois você passa quase 1 volta completa enchendo o seu Power Play, e se por acaso perder a chance de usar no ponto do Route Changer, ou se seu adversário estiver muito longe para sofrer os impactos, sua chance praticamente caiu a zero.

O jogo ainda conta com algumas opções de multiplayer, seja offline com Split Screen ou online contra corredores do mundo todo, e quase todas as opções de corrida estão disponíveis no modo online. Com quase todos os jogos tendendo a migrar somente para o multiplayer online, ter essa opção é realmente uma grata surpresa.

O modo de vários jogadores online ainda conta com um ranking de partidas, o que aumenta o grau de desafio, já que ficar numa posição inferior à sua mesma da corrida anterior retira pontos do seu ranking, enquanto que derrotar adversário em melhores posições no ranking soma preciosos pontos para sua “carreira”.

De um modo geral, Split Second traz um sopro de inovação ao gênero de corridas, por trazer o cenário como mais um inimigo potencial, ao invés de focar somente nas batalhas entre adversários, a exemplo de outros games do gênero.

Split Second apresenta gráficos bem trabalhados, e o jogador chega a prender a respiração quando se depara com uma torre de controle de aeroporto caindo exatamente à frente do seu carro, e ser acertado por essas toneladas de concreto transformam seu carro num empilhado de metal retorcido com detalhes bem interessantes, dado o trabalho que a Black Rock teve com sua parte gráfica.

Claro, seria melhor se tivéssemos carros licenciados para correr, mas dificilmente as fabricantes iriam querer ver seus nomes juntos à um jogo que promove a destruição de uma cidade inteira!

Em resumo, Split Second é uma excelente opção para os que curtem corrida, destruição, ou corrida e destruição juntos. Ao colocar o cenário como potencial perigo para os corredores, a Black Rock inovou num pouco espaço que tinha dentro do gênero de corrida, e obrigou os jogadores a prestar atenção não só em quem estava à frente, mas também em quem vem logo atrás, pois é a presença de um carro a frente que te permite ativar os power plays (e esse carro pode ser você).

A jogabilidade é fluida e o controle dos carros corresponde bem aos seus atributos (alguns carros são mais rápidos e com melhor drift, e outros são mais pesados e resistentes à impactos). E mesmo quando o modo carreira termina, o modo multiplayer garante uma sobrevida ao jogo. Se você está procurando por um game de corrida em alternativa à simulação real, ou às batalhas automobilíscas já bem fundamentadas nos consoles, Split Second é a sua pedida.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

O que você faria para salvar a vida de quem você ama? Quais sacrifícios você é capaz de suportar para provar que merece o respeito e o amor de alguém importante para você?

Essas são apenas algumas das questões envolvidas em Heavy Rain (exclusivo para PS3), jogo desenvolvido pela Quantic Dreams, que coloca você na pele (e nos movimentos) de Ethan Mars, que teve seu filho desaparecido e supostamente é a mais nova vítima do Assassino do Origami.

Além de Ethan na trama central, você também controla outros 3 personagens que se tornarão fundamentais no desenrolar do enredo. São eles Norman Jayden, um agente do FBI especializado em investigações de sequestro; Scott Shelby, um detetive particular contratado para resolver os casos do Assassino do Origami; e Madison Paige, uma jornalista investigativa que sofre de insônia crônica.

Como estes personagens se relacionam, e qual a importância de cada um deles é o que fará você seguir para o próximo capítulo, e conhecer toda a fascinante história de Heavy Rain.

O objetivo de qualquer mídia que pretende prender a atenção dos seu espectador é envolve-lo num ambiente realista, e trazer as emoções do jogador para dentro do cenário proposto pela história. Heavy Rain pode dizer que conseguiu atingir esse objetivo ao criar um mundo e um roteiro que lhe faz pensar como os protagonistas, agir como eles, e sentir suas emoções.

Embora a trama não mude de direções na maioria das suas decisões (com exceção dos 7 finais do jogo), a narrativa do jogo se adapta às suas ações e o atrai para dentro do enredo com um jogo de emoções e decisões. Existem também alguns pequenos bugs que podem rapidamente te tirar do envolvimento do jogo, mas em questão de minutos você já está familiarizado com tais problemas.

JOGABILIDADE

Tido como uma das maiores revoluções no conceito de games como forma de arte da nova geração, Heavy Rain desembarcou no Playstation 3 cercado de expectativas, que misturavam emoções relativas ao enredo, aos gráficos e ao conceito de jogabilidade diferenciada, presente em jogos da produtora Quantic Dreams.

E é essa jogabilidade que torna Heavy Rain único, superior inclusive ao seu antecessor Fahrenheit (Indigo Prophecy nos EUA). Comparativamente, podemos dizer que Heavy Rain leva em consideração mais movimentos naturais, ao invés de somente apresentar botões na tela para serem apertados no momento certo. Se um personagem precisa abrir uma porta ou uma torneira, não basta somente apertar X ou O na hora certa, mas sim representar no controle analógico direito o movimento que ele precisa fazer.

Até mesmo dentro da jogabilidade existem diferenças que precisam ser mencionadas. Dependendo da ação que você precisa representar, será preciso apertar um botão dentro de um tempo limite, ou segurar um botão, depois outro e depois outro sem largar os dois primeiros, ou sacudir o controle com força em determinada direção.

As opções são bem variadas, mas seguem uma regra fácil de perceber, até porque para abrir a porta de uma geladeira você não precisa de movimentos bruscos (ou seja, sacudir o controle), e sim de movimentação suave (analógico direito). O grau de imersão que o jogo quis dar à todos os seus aspectos é notável, já que em situações de estresse ou medo, os prompts (com instruções de comando) podem sacudir, ou aparecer tão tremidos na sua frente que podem chegar à atrapalhar na sua tomada de decisões.

Ao contrário do que se acredita, Heavy Rain não é um jogo somente feito em cima de Quick Time Events (como Shenmue ou, em parte, God of War), já que não existe um certo ou errado nas suas ações, e sim uma árvore de consequências baseadas no caminho que você tomou. Em algumas cenas de luta, por exemplo, errar um comando não gera uma animação que te leva ao ponto onde você pode tentar de novo, mas sim gera mais um pouco de dificuldade de vencer aquele oponente.

Por isso, é obvio que você pode perder algumas lutas e mais decorrer no jogo ou até morrer.

GRÁFICOS

O visual é assustadoramente real, tanto que nas cenas onde chove (ou seja 90% do jogo) você pode chegar a sentir frio, dado o som das águas e das poças, a movimentação rápida dos personagens para sair da chuva, e do tom sombrio que a cena toma.

Outro ponto importante do poder gráfico utilizado é a respeito dos cenários e suas interações. Em vários momentos você está no meio de uma multidão, como em shoppings, estações de trem e até discotecas, e não existe um movimento repetido por qualquer um dos mais de 100 NPCs na cena.

É bem impressionante, porque inclusive nestes locais você precisa andar pelo meio destas pessoas, e a interação é bastante variada. Tomando Assassin’s Creed como exemplo, ao andar pelas ruas de Veneza ou Toscana, você podia usar um comando (B ou O) para andar entre eles sem esbarrar ou se chocar contra ninguém.

Em Heavy Rain, essa seção vai além, visto que a interação pode ser com um outro personagem que pode estar dançando, carregando uma mala, ou lendo jornal. E para cada encontro desses, ocorre uma reação diferente. Ande na contramão do fluxo no shopping e você será empurrado lateralmente pelos passantes, procure passagens apertadas entre duas pessoas conversando, e você verá o seu personagem usar as mãos para afastar seus obstáculos, sem que necessariamente você esteja restrito à um comando somente, deixando esta ação para a CPU e ganhando em naturalidade.

Outro ponto importante é a cena de loading que ocorre quando você está trocando de personagem, com um close no rosto de cada um, e é possível perceber vários detalhes com uma nitidez impressionante. Embora seja uma cena rápida, ressalta bem o cuidado que a Quantic Dreams teve com a modelagem dos personagens para que eles fossem os mais reais possíveis.

TRAMA

O roteiro é um grandes trunfos de Heavy Rain. O envolvimento de cada personagem, o desenrolar da história, e até o título do jogo, que é tratado mais como um filme interativo, tem uma ligação direta com a história. Há um Serial Killer à solta, que está sendo chamado de Assassino do Origami pela polícia e pelos repórteres, por deixar o corpo de suas vítimas abandonado sempre com um origami de algum animal.

Ethan, por acreditar que o desaparecimento de seu filho pode ser mais um caso, parte com tudo para resolver por si só essa situação. Neste ponto, o jogador embarca num thriller bem escrito, onde os acontecimentos fundamentais ocorrem no tempo certo, sem que dê a sensação de entregar o final muito facilmente, e que todas as histórias dos demais personagens se juntam para compor um fio bem trançado, sem espaço para acreditar que algum deles seja supérfluo, ou desnecessário.

A sensação de imersão é maior do que em qualquer outro jogo, e chega a ser maior do que muitos filmes. Isso se deve em parte aos controles e a sua constante necessidade de atenção para não perder um comando. O roteiro foi muito bem escrito, e quase nunca perde o suspense, mesmo quando você passa a controlar outro personagem em um ponto diferente da história. Existem algumas reclamações relacionadas ao tempo para a trama engrenar, mas quando finalmente ganha velocidade você fica mais e mais interessado no que vai ocorrer a seguir.

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Heavy Rain chegou com muito hype no PS3 e mostrou a que veio. Gráficos, jogabilidade, som, roteiro, imersão, são todos pontos positivos. Claro que existem falhas, e a principal delas é a movimentação. Você faz seus personagens andarem ao segurar o R2, e muda sua direção com o analógico direito (girando a cabeça do personagem).

Em teoria, é um sistema simples e eficiente, porém na prática, a precisão fica bem arruinada, principalmente se você precisa pegar algum objeto dentre vários, ou se mover por partes estreitas dentro de uma casa. Existem rumores de que Heavy Rain deverá ganhar suporte ao Playstation Move, e particularmente neste caso parece uma excelente idéia.

Como o jogo todo é baseado em movimentação, e inclui alguns trechos com Quick Time Events, a aplicação no PS Move ficaria bem natural, e daria uma boa noção sobre o que os jogos com captura de movimentos poderão fazer daqui pra frente. Mas de volta ao controle convencional, realmente ainda é um pouco frustrante até você se acostumar.

Outra crítica gira em torno de algumas pontas soltas. No início, Ethan acredita estar sofrendo de esquizofrenia, e em geral sofre alguns apagões, somente voltando a si mais tarde em locais que não conhecem. Essas cenas são impactantes, mas não ganham sequer uma menção posteriormente.

Ainda existe a crítica de que os personagens “secundários” não tem sua história aprofundada, explicando possíveis comportamentos por parte dos mesmos, mas como todo o roteiro é voltado para o plot central, possivelmente ficaria deslocado trançar uma fiação tão extensa sem que fosse acrescentar nada realmente.

Podemos ter em Heavy Rain um jogo que vai ser lembrado por anos a fio, seja por qualquer um dos motivos explicado aqui. Mas pelo momento, é definitivamente um dos mais surpreendentes em um bom tempo, ao lado de games de peso como Braid, Linger in Shadows, Ico, Shadow of the Colossus e poucos outros. Se você têm um PS3, não deixe de experimentar jogar esse filme de suspense!

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

O maior agente secreto que a Third Echelon já empregou está de volta, e nada irá impedir Sam Fischer de obter as respostas para suas perguntas. Splinter Cell: Conviction (XBox 360, PC) conta a história de um homem amargurado e revoltado com os rumos que os outros tomaram para sua própria vida. Fischer retorna com seu mau humor característico, sempre sucinto nas palavras, mas com uma fúria contida que é rapidamente percebida no início do jogo.

A história se desenvolve nos dias atuais, com Fischer aposentado (e foragido) de sua rotina militar, mas que se vê arrastado de volta quando sua antiga agência ameaça sua vida. Envolvido num plot que passa pela morte supostamente acidental de sua filha e indo até os planos de assassinato do homem no mais alto cargo do governo americano.

Sam retorna ao seu habitat natural, agindo como um agente das sombras e eliminando os seus inimigos silenciosamente, ou interrogando seus interlocutores “delicadamente” para descobrir respostas.

Toda a trama conta com as características presentes nos romances de espionagem de Tom Clancy, sempre ambientados nos bastidores do poder e na constante ameaça de revoltas e golpes de estado. Desta vez, a Third Echelon, uma das maiores e a mais antiga organização ultra-secreta do governo americano, em aliança com o grupo de mercenários Black Arrow se apresenta como rival de Fischer, forçando-o a sair de seu esconderijo.

Fischer, que havia abandonado seu cargo após ter que participar do assassinato do seu antigo chefe (como parte de seu disfarce de agente duplo) e de saber que sua filha havia sido atropelada por um motorista bêbado, retorna à ativa para evitar que um grupo rebelde dentro de sua ex-agência tome o poder e coloque um governante-fantoche, abrindo caminho para maiores golpes dentro dos EUA.

Para isso, terá que enfrentar vários de seus discípulos (agentes da divisão Splinter Cell), aqueles mesmos que agora usam as técnicas criadas ou aperfeiçoadas por Fischer, no tempo em que era o mais condecorado agente da organização.

A Ubisoft conseguiu criar uma boa integração entre história, gráficos e apresentação de objetivos. Quando você  inicia uma missão, letras garrafais projetadas nas paredes em frente ao agente mostram o que você deve fazer, ou qual próximo passo tomar.

Além disso, algumas cenas (em geral memórias) também podem ser projetadas para que o jogador tenha mais detalhes sobre eventos, pessoas ou locais pelos quais deve passar, sem que essa projeção fique estranha ao ambiente.

Acabou sendo uma boa saída levando em conta as mudanças na série, já que agora você não conta mais com a tecnologia e inteligência da sua agência para lhe manter informado. Outra mudança é quanto à sua camuflagem, já conhecida dos fãs da série. Agora, ao invés de radares, ou barras de intensidade luminosa, são os gráficos que te dizem se você está “invisível”.

Se você está na luz, o ambiente fica colorido. O preto-e-branco indica que você sumiu da vista de qualquer pessoa, mesmo que ela esteja a um palmo de distância de você. Outra mudança interessante foi a quebra na linearidade da história, que passa a ser contada com flashes que variam entre passado, presente e futuro, somente sendo costurada quando você chega perto das fases finais.

Fischer não terá mais acesso às tecnologias bélicas do seu tempo de agente de campo (ou seja, jogos predecessores), mas isso não quer dizer que não poderá adquirir armas e gadgets avançados para enfrentar seus adversários. Sejam entregues por seus aliados, ou retiradas das mãos dos inimigos abatidos, todas as armas podem ser equipadas e atualizadas, graças à uma opção de upgrade de equipamentos adicionada.

Completar desafios apresentados no jogo garantem pontos para melhorar suas armas e equipamentos.

Mas as maiores mudanças na parte de jogabilidade respondem por dois nomes: “Mark and Execute” (marcar e executar) e “Last Known Position” (última posição conhecida). O primeiro deles funciona assim: quando você derrota um inimigo no mano-a-mano, você ganha a habilidade de executar outros adversários. Quando encontrar seus alvos, você terá um número de “marcações” (determinado pela arma, variando de 2 até 4) e colocará um alvo sobre esse inimigo.

Quando não tiver mais “marks”, ou inimigos para marcar, poderá executar todos eles em sequência, desde que todos estejam desobstruídos e perto de seu alcance, somente apertando um botão (Y). Para conseguir tal habilidade de novo, terá que derrotar algum inimigo em silêncio novamente, e marcar novos adversários.

Já o segundo nome se refere ao comportamento dos seus perseguidores quando sua presença é detectada: uma sombra é projetada na posição onde seu adversário te viu, e todos eles passam a mirar e flanquear aquela posição. Cabe a você circundar esta última posição e eliminar seus inimigos antes que eles cheguem a perceber que você não está mais lá.

Alguns dos fãs mais antigos da série podem achar estranho, mas alguns dos movimentos mais comuns do agente foram removidos. Não é mais possível carregar corpos para escondê-los, e isso gera uma preocupação a mais na hora de eliminar um adversário, já que se o mesmo for abatido em local visível, poderá ser visto pelos demais guardas e ter um alarme a mais para se preocupar.

Outras duas características removidas eram usadas quando Fischer precisava chamar a atenção dos guardas para um outro local, seja assoviando ou jogando algum objeto. Não é mais possível usar estes artifícios, e agora os jogadores terão que usar exclusivamente os gadgets para desviar a atenção de seus adversários.

Apesar de muito elogiado, Spliter Cell: Conviction acabou sendo taxado por muitos críticos de extremamente fácil, mesmo no modo hard. E isso em parte se deve à mudança na jogabilidade. Agora, Fischer pode planejar seu próximo passo sem sair das sombras, e ao encostar em um objeto, automaticamente as opções para onde se mover aparecem, e você, ao apertar o botão A, faz a transição.

O problema é que fazer essa transição embaixo da vista de seus inimigos não representa muito perigo, pois seus adversários levam um curto tempo para perceber que você está ali. E isso mesmo passando por fachos de luz, deixando a sua situação oculta comprometida. Os fãs mais veteranos na arte da guerra de Sam Fischer não terão muito problema ao se adaptar às novidades de movimentação e logo estarão infiltrados nas bases inimigas.

Splinter Cell: Conviction ainda tem mais algumas novidades fora do Story Mode. Jogando o multiplayer, você encarna um agente da Third Echelon de codinome Archer, ou um agente da Voron (agência equivalente russa) de codinome Kestrel, e passa pelos eventos que antecederam os acontecimentos presentes no modo Prologue.

Outros modos estão presentes, como o Deniable Ops, onde 4 tipos de missão são apresentados (Hunter, Infiltration, Last Stand e Face-off), e podem ser jogados sozinho ou com um parceiro, seja ele online ou em tela dividida. Poucas diferenças estão presentes comparadas com o modo single player, entre elas o Dual Execution, que ocorre quando um dos agentes faz uma eliminação silenciosa, e ambos ganham a habilidade do Execute, mas tem que executar ao mesmo tempo. Neste modo também existe uma customização um pouco maior, inclusive com roupas diferenciadas e atributos para as mesmas.

A Ubisoft conseguiu entregar uma obra factível, com um enredo interessante e envolvente. Ver Sam Fischer tirando de letra todos os soldados da sua antiga agência prova o porquê dele ter sido considerado o agente número 1 por anos.

A integração entre história, gráficos e personagens ficou harmoniosa, e lhe incentiva a jogar várias vezes, somente para explorar as muitas alternativas que o jogo oferece para cumprir seus objetivos (os P.E.C. Challenges). As mudanças na série ajudam a renovar o tipo de jogabilidade que jogos como Splinter Cell merecem sofrer de tempos em tempos, e as novas seções apresentadas, como a estratégia de eliminação dos adversários, as partes de interrogatório, e a sensação de desamparo por não ter seu usual backup fornecendo informações realmente ajudaram a criar um novo clima dentro deste tipo de jogo.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Quando Just Cause (PS3, XBox 360, PC) foi lançado, a desenvolvedora Eidos viu seus esforços passarem batidos pelo público da geração passada. O jogo pouco inovador que retratava as peripécias de um agente norte americano ao estilo GTA não foi suficiente para bater a concorrência.

Justamente por tentar rivalizar com a franquia que é a galinha dos ovos de ouro da Rockstar, Just Cause não conseguiu chamar a atenção e acabou sem o merecido reconhecimento.

Anos depois, meio que esquecida e abandonada, a série volta na sua segunda edição com uma missão grandiosa: agradar os fãs do primeiro título e atrair novos jogadores. Ao que tudo indica a desenvolvedora Avalanche está atingindo seu objetivo e vem recebendo boas críticas no mercado.

Meu nome é Rico. Rico Rodriguez

Os jogadores que não conhecem o primeiro título vão ficar ligeiramente deslocados no início da história, sem saber o que aconteceu e principalmente quem é o tal Rico Rodriguez. Aqui vai uma breve explicação do universo de Causa Justa: O protagonista faz parte de uma agência que busca dar vazão aos interesses norte americanos ao redor do mundo.

Quando surgem indícios de opressão em países estrangeiros, um agente é enviado para investigar e defender a democracia da região, mas claro, não é qualquer agente.

Rico não pode ser uma pessoa normal, ele é praticamente um super herói. Na verdade, se o jogador quer um jogo com uma física boa e onde tudo está muito próximo da realidade, nenhum Just Cause é recomendado. Rodriguez é surreal ao extremo.

Ele pula de pára-quedas quantas vezes quiser, capota os carros, despenca de cima dos prédios…Enfim, James Bond parece um idoso aposentado perto de tudo que Rico faz.

As merecidas férias que o heroi tirou foram interrompidas por um novo chamado da agência Cause ordenando-o a ir urgentemente para Panau, uma ilha fictícia no Pacífico. Papa Panay, rei do país e favorável ao governo norte americano, morre deixando o governo ao seu filho Baby Panay.

O moleque despreparado sobe ao poder um tanto receoso, mas com o intuito de manter tudo que o pai fez enquanto vivo. Alguns coronéis e generais do exército vêem nesta fraqueza a chance de derrubar o governo e controlar Panau através da ditadura. Não demora muito para toda a cidade estar sitiada com propagandas do novo governo terrorista. Quem poderá defender a população e restabelecer a paz? Rodriguez!

As missões são distribuídas pela agência e dão continuidade à trama. Quando o jogador ganha Chaos Points, pontos especiais adquiridos sempre que alguma coisa ligada ao governo é destruída, novas facções e milícias contra o governo aparecem querendo a ajuda de Rico o que significa um bocado de missões secundárias.

Ainda que o enredo contado até  aqui pareça um tanto quanto instigante sua abordagem durante a jogatina é bem superficial para um tema que renderia inúmeros conflitos políticos e culturais. Tem-se a impressão que os programadores abriram mão de um enredo elaborado e se focaram na ação frenética e ininterrupta. Just Cause 2 é a combinação de adrenalina e aventura desenfreada com o mínimo de pausas possíveis. Excelente para jogadores que querem sentar na cadeira e jogar sem pensar muito e se preocupar com o que está por vir.

Um mundo chamado Panau

O que mais chamará a atenção do gamer é, certamente, a fantástica e imensa Panau. Grande mesmo, fazendo outras cidades vistas em jogos sandbox parecerem pequenas e sufocantes. O mapa é complexo e abusa de todos os tipos de clima e vegetação. Uma região de mata tropical fechada que acaba em lindas praias contrastam com montanhas cobertas de neve.

Além disso, Rico ainda desafiará a morte em desertos secos e quentes e na imensa capital de Panau com seus prédios executivos e região portuária. Dificilmente alguém se entendiará em um local tão grande e farto de coisas a serem exploradas.

Como não é preciso avançar no jogo para visualizar todo o cenário, é possível apenas ficar dirigindo os carros para cima e para baixo, escalar montanhas íngremes ou se refrescar nas ilhas paradisíacas do país, sem se preocupar com missões ou tempo.

Está esperando o quê? Suba em uma moto, acelere pelas estradas que cortam a ilha e, quando ver alguma manifestação do governo ditador o destrua, no melhor estilo Che Guevara de ser.

Ah! E se o jogador tiver o espírito explorador de verdade e gosta de fuçar em cada centímetro do jogo fica a dica: existe uma ilha ao noroeste do país que guarda segredos misteriosos a todos os nerds aficionados por uma determinada série de TV. A forma mais fácil de chegar é voando, mas ao se aproximar, o avião irá, incondicionalmente, cair na praia.

Easter Eggs: A escotilha de Lost!

Jogabilidade de outro mundo

A jogabilidade é um ponto forte do game. Primeiro porque os controles são bastante simples e não é necessário decorar nenhuma sequência interminável de golpes. Segundo porque praticamente tudo é possível, o mais difícil é morrer.

Com comandos fáceis de assimilar e uma curva de aprendizagem rápida, o jogador começa sem saber fazer muita coisa e pouco tempo depois, passada algumas missões, ele já desafia o cenário e promove grandes loucuras como pular de cima das construções ou surfar no teto dos carros.

Just Cause 2 é o típico jogo que merecia vir junto com algum dispositivo de captura de vídeo, porque quem jogar certamente terá momentos que pensará: “Nossa, olha isso! Pu#@ Me$@#, ninguém vai ver o que eu fiz?”

Rico tem um gancho na mão esquerda que o permite escalar qualquer superfície vertical, puxar itens e até mesmo pessoas para perto de si dentre outras coisas. Saber utilizar o gancho é tão essencial como conhecer os controles básicos de caminhar. Ele funciona para tudo e, muitas vezes, rouba à cena questionando quem é o verdadeiro protagonista.

Poucas coisas divertirão mais do que prender uma ponta do gancho em um tanque de propano e a outra ponta em um inimigo e boom… Lá se vai o meliante voando pelos ares. Não, não terá uma lista de possibilidades aqui nesta resenha. O melhor é descobrir tudo que pode ser feito, então pegue o gancho e divirta-se.

Podia ser nota 10

O jogo só tem um grande e vergonhoso pecado: a ausência de multiplayer. Ao passar horas na jogatina incessante o jogador se perguntará onde está a possibilidade de partidas multiplayers. Depois de GTA provar que é possível e divertidíssimo ficar sem fazer nada, apenas brincando na cidade com os amigos, muitos jogadores de JC2 se questionava o porquê desta opção ficar de fora.

Depois de muitos reclamarem no fórum da produtora a ausência do multiplayer, Magnus Nedfors, diretor do jogo, deu um banho de água fria em cima de todos anunciando que não há planos de produzir um multiplayer em nenhuma atualização. Péssima notícia para todos os amantes de jogatinas online.

Considerações Finais

Quem busca uma história cativante, linearidade e um jogo muito próximo da realidade, pode esquecer Just Cause 2. Ele foge de tudo que é real. Andar por cima de um avião em pleno voo não é perigoso e enfrentar o exército inteiro de um país não é tão difícil como parece.

Resumindo: Just Cause 2 está longe de ser tedioso e é o que um  video game deve ser: uma válvula de escape do mundo real. Arrisco dizer que, ao contrário de mim, Rico quando criança pulava do telhado e saía ileso da brincadeira… Doce ironia.

Ironicamente, a minha formação católica e os 14 anos de estudos num colégio de freiras contribuíram para que, ao invés de um bom fiel, eu acabasse me tornando um sujeito bastante questionador no que diz respeito ao cristianismo.

Entre as coisas que sempre me pareceram duvidosas está o caráter absoluto do bem e do mal personificados por Deus e pelo diabo. Os beatos que me desculpem, mas a atitude vingativa (e muitas vezes cruel) do Deus do Antigo Testamento não me soa lá muito condizente com a de alguém que coloca o amor como um de seus principais ensinamentos.

Ao mesmo tempo, ninguém conseguiu, até hoje, me oferecer uma solução convincente para o paradoxo: se Deus permite a existência do diabo, isso o torna conivente com o mal; se o diabo existe independentemente da vontade de Deus, Ele não deve ser tão todo-poderoso assim.

Foi provavelmente por isso que eu me deliciei tanto com a imagem provocativa criada pelo escritor português José Saramago em O Evangelho Segundo Jesus Cristo. Dentre as inúmeras passagens memoráveis, uma das mais marcantes é o encontro do messias com Deus e o diabo: “Jesus olhou para um, olhou para outro e viu que, tirando as barbas de Deus, eram como gémeos”.

Sacrilégio? Talvez. De qualquer modo, somos todos pecadores. Duvido que a mais carola das pessoas não tenha algum dia sucumbido à idolatria. Sim, porque o apego excessivo a um santo, ao dinheiro, a um apresentador de tevê ou mesmo ao Nerdcast constitui falta grave, segundo a lógica cristã. E se contabilizarmos então o culto a astros da música, não escapa ninguém.

O rock tem seu deus próprio: ERIC CLAPTON, é claro. A anunciação veio na década de 1960 (época em que o guitarrista fazia parte do John Mayall & The Blues Breakers, após ter passado pelos Yardbirds), na forma de pichações com os dizeres “Clapton is God” que começaram a surgir pelos muros de Londres.

Dessa época, quando ainda usava uma Gibson SG, data seu primeiro milagre: o álbum Blues Breakers With Eric Clapton [1966], com repertório formado por standards do blues e composições de Clapton e Mayall.

The Yardbirds

A abertura do Mar Vermelho, no entanto, veio com o Cream, banda formada pelo guitarrista, pelo baixista/vocalista Jack Bruce e pelo baterista Ginger Baker – um dos melhores times de instrumentistas de todos os tempos. Com quatro álbuns divinos – Fresh Cream [1966], Disraeli Gears [1967], Wheels of Fire [1968] e Goodbye [1969] -, o power trio, apesar da vida breve, tornou-se influência perene com sua mistura de blues, jazz, rock, psicodelia e peso.

Com o fim do Cream, Clapton passou pelo Blind Faith e pelo Delaney & Bonnie antes de formar o Derek and the Dominoes, com o qual gravou (já empunhando a tradicional Fender Stratocaster) seu Cântico dos Cânticos: o álbum Layla and Other Assorted Love Songs [1970].

Capa do álbum Layla and Other Assorted Love Songs [1970]

Com o riff arrebatador, o final arrepiante e a história por trás (a paixão do guitarrista pela esposa do amigo George Harrison), é compreensível que Layla tenha ofuscado o restante do repertório, mas o disco traz outros grandes momentos, como Bell Bottom Blues e as versões para Have You Ever Loved a Woman (Billy Myles) e Nobody Knows You When You’re Down and Out (Jimmy Cox), por exemplo.

A carreira-solo veio como um Novo Testamento, com os poderes divinos se manifestando de maneira bem mais discreta e com foco maior no lado humano. Os álbuns 461 Ocean Boulevard [1974] e Slowhand [1977] trouxeram pérolas como Let it Grow, Wonderful Tonight, Lay Down Sally e as versões para I Shot The Sheriff (Bob Marley) e Cocaine (J. J. Cale), e foram a centelha de inspiração em meio a uma sucessão de trabalhos medianos. E, apesar de sua sonoridade quase cafona, Journeyman [1989] trouxe Bad Love e uma prévia do que estava pela frente: a segunda vinda.

Capa do álbum Slowhand [1977].

Ao abraçar suas origens, o guitarrista renovou-se e produziu alguns dos seus melhores trabalhos. Premiado e campeão de vendagens, Unplugged [1992] é um dos raros casos em que sucesso comercial, elogios da crítica e relevância artística se encontram.

Acompanhado de uma banda afiada (destaque para o guitarrista Andy Fairweather-Low, o baixista Nathan East e o pianista Chuck Leavell, monstruosos), o projeto traz Clapton reinventando um clássico com maestria (Layla) e revisitando canções suas e de terceiros.

O blues predomina no repertório de covers de Unplugged e é o elemento principal de outros pontos altos da discografia recente do artista. From the Craddle [1994] é composto exclusivamente por standards do gênero, como Hoochie Coochie Man (Willie Dixon), It Hurts Me Too (Elmore James) e Blues Before Sunrise (Leroy Carr), entre outros.

O mesmo acontece com Riding With the King [2000], que não é simplesmente um álbum de releituras de blues, mas sim a reunião de Clapton e B. B. King (e, apesar de literal, sua capa é classuda como poucas).

Clapton e B.B. King juntos em Riding With the King [2000]

Mas o encontro mais notável é, sem dúvida, o do guitarrista com Robert Johnson – ou, ao menos, com sua música. Me and Mr. Johnson [2004] é um tributo ao autor de canções imortais como Love in Vain, Traveling Riverside Blues, They’re Red Hot e, claro, Me and the Devil Blues. Além de ícone e referência no gênero, Johnston é famoso pela lenda de que ele teria vendido sua alma ao diabo em uma encruzilhada no Mississippi – o que teria lhe valido a habilidade na guitarra e no blues, mas teria lhe custado a vida (o músico morreu jovem, aos 27 anos).

O fato de Clapton parecer tão à vontade tocando esse blues demoníaco poderia até levantar dúvidas se ele seria mesmo Deus ou se seria o diabo. Quanto a isso, não há o que questionar: basta olhar a barba.

Como superar um dos melhores First Person Shooters da nova geração? Lançado em 2007, o antecessor de BioShock 2 (PS3, XBox 360 e PC) foi um dos mais inovadores de seu gênero, por trazer uma história interessante, uma ambientação primorosa e alguns dos inimigos mais memoráveis dos FPS atuais. Ambientado na cidade de Rapture, nesta nova versão você revisita os locais familiares que já conhece, mas num novo corpo. O do primeiro Big Daddy, Delta.

Para aqueles que não conhecem, na história de BioShock original, que acontece em 1960, você é apresentado à cidade submersa de Rapture, uma utópica cidade criada pela visão de Andrew Ryan nos anos 40.

A cidade, que havia sido criada para suportar uma sociedade ideal, desenvolveu a tecnologia da biogenética e bioengenharia, na tentativa de criar seres humanos perfeitos, e obteve seus produtos na forma da substância batizada de ADAM, células especiais criadas a partir de lesmas do mar, com capacidade de regeneração muscular e alterações no genoma humano.

Essas lesmas eram implantadas no estômago de crianças (as Little Sisters), e para que a colheita de lesmas provenientes do estômago das Little Sisters não tivessem nenhum problema, elas ganhavam a proteção dos guarda-costas chamado Big Daddies, humanos com lavagem cerebral confinados em monstruosos escafândros.

Não durou muito para que a teoria de Andrew caísse por terra, e as operações ilegais e contrabando de ADAM tivesse início, criando a categoria dos Splicers (humanos que ficam buscando mais e mais ADAM, atrás de mudanças genéticas). Sua missão, no primeiro jogo, inicialmente era a de sair de Rapture, mas logo você vê que será sobreviver.

O uso prologado e sem cuidado do ADAM provoca alterações de estado psíquico, e os habitantes logo se tornaram sanguinários e violentos, atacando tudo o que vêem. A sociedade utópica falha, e Rapture passa a ser uma cidade submersa abandonada à própria sorte.

Os eventos de Bioshock 2 começam em 1968, 8 anos após os eventos do primeiro jogo. Você acorda dentro da armadura de Big Daddy Delta, o primeiro de sua raça, e protótipo dos guarda-costas. Como foi programado, sua principal missão é proteger sua Little Sister, Eleanor. Sua primeira missão é encontrá-la.

Dessa vez, durante a sua jornada, você se depara com uma nova raça de inimigos comandada pela nova líder de Rapture, Sofia Lamb: as Big Sisters. Se no jogo anterior os Big Daddies te deixavam nervoso, as Big Sisters vão te tirar do sério. Mais rápidas, mais inteligentes e mais mortais que os mergulhadores do game anterior, será necessário mais do que armadilhas comuns e armas poderosas para derrotá-las.

As Big Sisters nada mais são do que as Liltte Sisters crescidas e colocadas em armaduras, com o simples propósito de substituir os obsoletos mergulhadores de metal, na tarefa de assegurar o crescimento do ADAM dentro das crianças de Rapture.

A história de BioShock 2 se mostra interessante, ao abordar a mesma trama sob um ângulo totalmente novo. Os finais desta vez são um pouco mais variados do que o jogo anterior, e eles estão em 4 formas (Good, Evil e dois Choices). A maneira com que a narrativa é desenvolvida é a mesma do antecessor, através de gravações em fitas cassete, recortes e artigos de jornal, encontrados pela cidade. Algumas partes em específico, onde suas decisões vão interferir nos resultados adiante, conseguem manter a tensão e preocupação com a história, mesmo quando o plot principal dá uma esfriada.

A jogabilidade recebeu uma refinada, muito embora ela já fosse notável em Bioshock 1. Durante a sua jornada, você vai encontrar cadáveres perdidos, e poderá vasculhar seus corpos em busca de moedas, ítens ou munições, além de hackear as máquinas de venda nas ruas da cidade. Um downgrade nesta versão foi a linearização dos cenários, e a sensação de “cidade livre” se perdeu um pouco.

Com uma visão mais ampla percebemos que não foi na verdade uma restrição colocada, mas sim uma adaptação à história: como você tem uma “missão” (encontrar sua Little Sister) e na sua mente tudo o que interessa é cumprí-la, não iria ficar perdendo tempo explorando locais diferentes, o que é facilmente percebido. O lado negativo disso é que se deixar uma arma ou upgrade pra trás, você não terá como pegá-lo de novo. Alguns novos puzzles foram acrescentados, e farão você coçar a cabeça algumas vezes para poder resolvê-los.

O combate também recebeu uma boa atenção, e sinceramente merecia estas melhorias. Embora os encontros com as Big Sisters sejam previstos e você tenha tempo para se preparar para a batalha, sem essa mudança a dificuldade do jogo seria muito mais alta.

Uma das melhores táticas para se enfrentar hordas de inimigos é observar sua munição e seu ambiente. Óleo derramado no chão é quase uma intimação para queimar seus adversários enquanto que áreas inundadas estimulam você a eletrocutá-los com seus super-poderes.

Com várias armas e cada uma delas com mais de 3 tipos de munição, o jogo te convida a experimentar. Outra inovação muito bem vinda da franquia é a opção de registrar alguns combates com seus adversários e descobrir pontos fortes e fracos dos mesmos, e salvando estas informações você pode facilitar a sua vida nos futuros encontros.

Como você agora é um Big Daddy, sua furadeira será muito requisitada, mas mantenha um olho no quanto de combustível você tem sobrando antes de sair perfurando quem estiver pela frente. Além disso, você pode “adotar” uma Little Sister, e usá-la para coletar ADAMs, ou para atrair inimigos para uma armadilha. Como você está totalmente na visão de um Big Daddy desta vez, defender sua Little Sister adotiva é tarefa rotineira, e infelizmente cai na mesmice depois da 3ª ou 4ª vez.

Você também terá acesso aos mais variados Plasmids (super-poderes) disponíveis, seja invocando gelo, fogo, eletricidade, abelhas, ou poderes psíquicos, no sistema semelhante ao jogo anterior, onde sua mão direita empunha a arma e a esquerda seus poderes.

O Multiplayer foi acrescentado em Bioshock 2, e os modos de jogo seguem bastante os mesmos presentem em grandes games online do gênero, como Call of Duty: Modern Warfare e Halo. O diferencial aqui é o uso de seus poderes Plasmids em inimigos, e saber qual será a sua reação durante a próxima vez que se encontrarem.

Outro ponto bem diferente é a um certo desequilíbrio entre a força das armas e o health de seu personagem, já que mesmo com 3 tiros de calibre .12 à queima-roupa não é garantia de que seu inimigo irá morrer, ao contrário do que acontece nos demais jogos do gênero. É um extra na diversão mas muito dificilmente será responsável por fazer você continuar o game após terminar a história principal.

Em resumo, Bioshock 2 consegue se sobressair bem com relação ao FPS atuais, por apresentar algumas mudanças que atiçam a curiosidade dos gamers, mas ainda assim é inferior ao seu antecessor no que se trata de inovação.

O retorno à Rapture aliado à uma nova visão da cidade atrás da máscara de mergulho de um Big Daddy traz boas surpresas que justificam com folga suas horas investidas neste game.

A grande arquitetura de época presente na cidade está lá novamente, e muito embora apresente um pouco menos variação desta vez, ainda é soberba e rende paisagens e locações nostálgicas, caso seja sua segunda imersão nesta cidade virtual. Uma história envolvente que você vai querer acompanhar até o final, mais algumas mudanças na jogabilidade e no sistema de combate com certeza dão o mérito à sequência.

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER.

Existem jogos que demonstram a ambição de seus desenvolvedores desde seu projeto. Sem medo de apostar suas fichas em um único diferencial para atrair o público, a Zipper Interactive prometeu 256 jogadores simultâneos em uma mesma campanha. MAG (exclusivo para PS3), ou Massive Action Game, é o resultado de um projeto nada modesto.

Inventa qualquer desculpa e vamos logo para a guerra

A história, definitivamente, não é o forte do jogo. Em 2025 os países vivem sobre um forte acordo territorial que restringe não só cidadãos, mas até exércitos de cruzarem suas fronteiras.

Acontece que, apesar do acordo, ninguém parece ter muito medo de comprar briga ilegalmente e as grandes nações contam com a ajuda de milícias armadas para poderem atacar países rivais e espalhar o caos. Como pode ser visto, o enredo bem superficial é apenas o pano de fundo esfarrapado para o que todo mundo busca em MAG: matar muito e sem piedade.

Antes de sair com a metralhadora na mão sentando o dedo contra qualquer criatura que se mova, o jogador precisa escolher qual o lado que irá representar. Americanos, canadenses, britânicos e mexicanos representam a Valor, conhecida pela experiência de seus soldados como a elite das milícias. Raven é formada pela união dos principais países do oeste europeu e abusa da alta tecnologia como diferencial na batalha. Já os S.V.E.R. são guerrilheiros russos com fama de maus e rebeldes, que têm sua inteligência e astúcia como ponto forte para o combate.

Na prática, jogar com os S.V.E.R. é uma tarefa muito mais fácil do que com as outras classes e o motivo é simples: o número de jogadores neste grupo. Como a grande maioria prefere ser bad boy a ser mocinho, este é, de longe, o maior time e consequentemente com jogadores de níveis mais altos e melhor equipados, dificultando seriamente a sobrevivência dos inimigos.

64, 128, 256, return

Após definir sua facção e criar seu personagem, é hora de lutar para subir na árdua hierarquia das batalhas. Comece pelo treino com 64 companheiros militantes e siga para uma batalha mais ousada, aonde 128 soldados disputam alguns ralos objetivos, até atingir o nível 8. É aí que o tal propósito de ser o FPS com maior número de pessoas simultâneas aparece, pois o jogador, finalmente, entra em guerra com 256 pessoas pleiteando na ponta da bala cada um dos diversos territórios.

Só que esse super combate não chama tanta atenção quanto se imagina. Não se vê grandes pelotões de mercenários correndo desenfreados uns contra os outros, na verdade, nota-se pouca diferença de outros jogos do gênero como Modern Warfare 2, Bad Company 2 ou até mesmo Killzone 2.

MAG tem um sistema de dividir os jogadores em pequenos pelotões nos mais diversos pontos do mapa dando a impressão de que apenas uma pequena parcela de jogadores está no combate. Decepcionante? Talvez no primeiro momento, pouco tempo depois, o jogador começará a compreender tudo ao seu redor e a ficha começa a cair.

Compreende-se que o soldado está ali junto de seus poucos companheiros tentando segurar ou atacar um objetivo, contudo, a guerra em si, está ocorrendo em todo o lugar. Pelo rádio é possível saber se os objetivos dos aliados foram alcançados ou perdidos, criando, aos poucos, uma imersão total no sentido de grupo e expectativas quanto ao desempenho de seu time.

Uma forma interessante de visualizar a grandeza do combate é pegar algumas granadas, muita coragem e sair a caminhar pelo imenso cenário. Agora sim a coisa muda de figura e realmente impressiona até o mais cético dos jogadores.

Agindo com cuidado, é possível enxergar pequenas casas perdidas no mato, instalações militares, barracas, enfim, um ambiente vasto e complexo. Como dito: com cuidado. Ao se afastar do pelotão acaba-se entrando em outras zonas de guerra, desígnios não abertos e, o mais perigoso, snipers muito bem camuflados à espera de qualquer inimigo relapso.

MMOFPS?

Adquire-se experiência através de ações bem sucedidas, ou seja, matar, conquistar um objetivo, salvar um companheiro ferido, etc. MAG é surpreendente por não discriminar ninguém. Seja um matador nato ou um cegueta prestativo, todos irão sair no lucro.

Essa experiência acumulada garante níveis como em qualquer RPG e pontos para serem gastos na árvore de habilidades. Pode-se criar um sniper ou um especialista em armas pesadas, as opções são muitas, porém esta tarefa, apesar de divertida, requer uma pouco de prática: prepare-se para ferrar seu primeiro personagem até descobrir as armas que mais lhe agradam.

Com o avanço do jogo e a entrada de pessoas mais experientes no combate, aprender-se formas de ganhar pontos mais rápido. Recomeçar tudo do zero, seguindo uma trilha bem mais simples e ressuscitando aliados pode ser mais vantajoso em longo prazo.

Ao longo dos níveis, novas modalidades de jogo e a opção de se candidatar às vagas de liderança aparecem. Essa, certamente, foi uma das melhores propostas ultimamente para incrementar jogos de FPS.

Anteriormente o soldado progredia e ganhava condecorações maravilhosas como cargo de tenente ou segundo general, porém na maioria dos casos, isso apenas servia para que poucas armas e habilidades fossem disponibilizadas. Algo longe de deixar o jogador empolgado a se tornar um líder nato.

Em MAG, o soldado de ontem será o líder de seu batalhão amanhã, sendo que em determinados níveis, o jogador pode se candidatar a chefão de toda a facção. Essas lideranças são de extrema responsabilidade e geram benefícios tanto aos líderes quanto aos liderados.  Quando um líder está próximo do seu exército, todos ganham habilidades de recarregar mais rápido, andar mais depressa e sobreviver mais tempo baleado.

Além disto, os comandantes dão ordens de invasão ou defesa de objetivos que, ao serem cumpridas, rendem o dobro da experiência daquele que resolve dar uma de Rambo e lutar sozinho contra o exército rival. Os líderes, por sua vez, podem solicitar ataques aéreos sobre zonas invadidas dentre outras regalias. Como pode ser visto, todo mundo sai ganhando.

Toda essa hierarquia funciona bem graças a um sistema automático de comandos escolhidos pelo alto escalão via menus. O jogo se encarrega de anunciar a todos usando o bom e velho idioma português, facilitando bastante a vida dos líderes brasileiros. Claro, algum problema de comunicação entre o pelotão sempre existe, ainda mais para jogadores que não entendem nada de inglês ou os não raros casos de franceses, coreanos e, na grande maioria, alemães que se juntam em grupos e conversam sem parar nos headsets.

Entenda que MAG, antes mesmo de ter um propósito de FPS online, já corria para se tornar a primeira Torre de Babel dos vídeo games, com diversos idiomas, centenas de pessoas e, misteriosamente, todo mundo se entendendo.

Foi uma granada ou um morteiro?

Os efeitos sonoros que acompanham a ação agradam, mas não surpreendem.  Quem tem um sistema de som com alta definição como um Home Theater vai perceber toda a qualidade rolando nas cinco caixas acústicas. Gritos e explosões percorrem cada uma das caixas com o propósito de levar os jogadores para de um verdadeiro clima de guerra. Infelizmente os elogios acabam pela falta de variedade no áudio.

Qual a diferença entre uma granada, um morteiro ou até mesmo um bombardeiro aéreo? Sonoramente: nenhuma. Qualquer explosão terá o mesmo som no jogo, deixando um dos melhores sistemas 3D de áudio em frangalhos. Uma pena.

MAG, de forma geral, acaba sendo muito semelhante a outros multiplayers do gênero. As tão comentadas 256 pessoas se digladiando na mesma campanha chama a atenção, mas não impressiona tanto quanto parece. Ao confinar grupos de jogadores em pequenas regiões, batalhas menores tomam parte de toda a ação e aqueles que estavam esperando combates no melhor estilo das cruzadas ou das guerras romanas irá se decepcionar.

Mas quem reclama das salas vazias que muitos FPS sustentam online, pode ficar sossegado. A Sony promete não deixar os usuários de MAG na mão e já lançou até um download de conteúdo gratuito em meio a um período de Double XP. A idéia foi bem aceita e durante quatro dias as em batalhas sangrentas estiveram super lotadas.

O que está esperando soldado? Convoque seus amigos, escolha a facção, pegue sua metralhadora e vá para a guerra. Agora fique com um conselho: Manda quem “upa”, obedece quem tem juízo.

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A série God of War foi um dos últimos grandes lançamentos do Playstation 2, e que deixou vários fãs ansiosos pelo desfecho da batalha entre Kratos, o espartano que virou o Deus da Guerra, e Zeus, Senhor Supremo do Olimpo. A nova geração de consoles já chegou, se estabeleceu e já estava mais do que na hora de termos um fim deste novo e sangrento capítulo da Mitologia Grega.

Havia muita expectativa a respeito deste jogo, apontado por muitos como o mais aguardado do Playstation 3, e certo de disputar o título de melhor jogo do ano, segundo a imprensa especializada.

God of War 3 foi lançado no dia 16 de março de 2010, após demonstrações na E3 2009, demos na PSN e uma intensa estratégia de marketing que colocava o game como a “definição de arte interativa que os consoles atuais podem fazer”.

Será que GoW3 viveu aquém dos olhares dos donos de PS3, gamers em geral e imprensa? O que GoW3 pode trazer para os fãs da série agora, nos consoles da nova geração que ainda atraia a curiosidade para esta trilogia? Afinal, porque Zeus e Kratos estão tão p#tos um com o outro?

CRASH COURSE: God of War in a Nutshell

God of War fez seu nome praticamente sozinha. Criado para o Playstation 2 em 2005, era mais um dos games do gênero Hack ‘n’ Slash que vinha disputar a atenção dos jogadores, e que no fim das contas se sobressaiu.

Seja por sua jogabilidade direta, seja pela violência aplicada por Kratos aos seus desafetos, seja pelo carisma do personagem “bad-ass-modafucka”, ou por qualquer outro motivo, God of War cresceu no conceito da Sony, que rapidamente transformou um game numa trilogia, e deu autonomia ao pequeno estúdio em Santa Mônica para criar uma história de vingança envolvente e profunda, baseada na mitologia grega.

Kratos, um guerreiro escolhido pelos deuses para ser seu servo na Terra, enfrenta multidões de inimigos, executa suas tarefas com violência e precisão, é o favorito de Ares, o Deus da Guerra, mas é envolvido numa trama de traição, morte e vingança. Por uma armadilha de Ares, que queria ver Kratos livre e sem nenhum impedimento familiar, o espartano acaba por assassinar a sua família, e a partir daí jura vingança contra seu antigo Mestre.

Ao optar por interferir numa guerra dos homens, Ares provoca a fúria dos deuses, e Athena pede a Kratos que o impeça, em troca do perdão pelos seus atos passados.  Mesmo após percorrer os recantos mais inóspitos da Terra em busca da Caixa de Pandora, (que daria à Kratos poder de matar um Deus), descer ao submundo e retornar para o confronto com final, Kratos não consegue se livrar dos pesadelos que povoam sua cabeça, com lembranças da morte de sua família por suas mãos. Decide então terminar com sua vida, mas é salvo por Athena, que oferece a ele um lugar no Olimpo, se tornando assim o novo Deus da Guerra.

Lançado em 2007, God of War 2 mostrou os eventos ocorridos alguns anos após o final do seu antecessor, e a crescente insatisfação de Kratos com sua atual condição no Olimpo. Mesmo sendo condecorado como o novo Deus da Guerra, ele é tratado como desprezo pelos demais deuses, sem as honrarias nem prestígio, e resolve ignorar as leis do Olimpo.

Assim, mesmo com os avisos de Athena, passa a interferir diretamente em batalhas na Grécia e em Sparta, quebrando o preceito imposto por Zeus, de deixar os humanos seguirem sua própria trilha. É punido por Zeus, que retira seus poderes e ainda tenta matá-lo. Mas é salvo das garras da morte por Gaia, um dos Titãs, que ainda busca vingança contra os Deuses pela derrota na batalha que aprisionou sua raça e deu a Zeus e seus irmãos os lugares no Olimpo.

Kratos procura então as Irmãs do Destino, guiado por Gaia, para poder voltar no tempo e impedir sua morte nas mãos de Zeus, e assim ter sua vingança. God of War 2 criou na cabeça dos gamers a rivalidade entre Zeus e Kratos, dando a chance de colocá-los em um combate épico, mas sem vitória ou derrota, armando assim espetáculo para que a trilogia se encerrasse em grande estilo.

God of War III

E assim chegamos ao estágio inicial de God of War III: Kratos, Gaia e os Titãs estão escalando o Monte Olimpo, enquanto que Zeus, Poseidon e os demais deuses se preparam para o confronto.

A história do jogo é simples e direta – Kratos quer matar Zeus -, poucos subplots estão presentes na trama, mas como tudo isso irá se desenvolver é que dá o charme e justifica toda a aventura.

Mesmo para quem está habituado com o desenvolvimento do jogo e sabe que Kratos irá passar pelo mesmo lugar algumas vezes, pode se surpreender desta vez. Praticamente, você desce ao inferno, retorna ao cume do Olimpo, mas alguns assuntos te levam lá pra baixo de novo.

Claro que a maneira como isso será feito é uma das melhores inovações da trilogia, que é a seção de vôo do jogo (que foi apresentada na demo). É tão bem amarrado, que você não sente que está em busca de um item só para abrir uma porta, mas sim um conjunto de fatores que irão interferir no seu objetivo final. De uma certa forma, ao passar pelos deuses mais conhecidos, God of War consegue fazer uma coisa que pareceria impossível aos olhos do público: transformar a mitologia grega numa história ainda mais interessante do que já é!

O combate realmente ganhou mais atenção neste game. Uma crítica muito recebida nos jogos anteriores não foi a presença de boas armas, mas a falta de integração entre elas durante combos, o que era bem frustrante. Em GoW3, a troca de armas pode ser feita durante uma luta (além dos usuais botões direcionais, fora de combate), segurando L1 e usando os botões de ataque para escolher qual arma usar (quadrado, triangulo, círculo ou X). Além disso, as armas secundárias, como o arco-e-flecha, também são acionadas num sistema parecido, mas usando o L2 ao invés do L1.

Ao todo são 4 armas principais, e 4 itens auxiliares, que podem ser usados a qualquer hora graças a nova barra de ítem, que remove o uso de magia e recarrega automaticamente após um certo tempo. Todas elas apresentam o já conhecido sistema de upgrades usando as orbs vermelhas, mas a impressão que se tem é que chegar aos níveis mais altos ficou um pouco mais fácil.

É notável o equilíbrio entre as armas, umas com grande poder a curta distância (como as empunhadeiras chamadas Cestus), outras com mais extensão para combos maiores em mais inimigos (como as Blades of Exile). Para os veteranos de God of War, o jogo não é exatamente um desafio, e você pode jogar direto no modo mais difícil, e aí sim ter suas habilidades testadas. O sistema de combos é o mesmo de God of War 2, e você já estará dizimando hordas de inimigos logo nas cenas iniciais com combos de até 1000 hits.

O jogo tem algumas inovações interessantes no seu gameplay. Deixar um inimigo atordoado e usá-lo como escudo enquanto corre em direção à outro grupo de adversários é realmente uma das maneiras mais seguras de se entrar numa briga. Outro jeito é jogar suas armas em direção ao inimigo, e em seguida se jogar contra ele, abrindo a defesa para um combo aéreo devastador, numa combinação dos botões L1 e círculo.

Este movimento também serve para iniciar um contra-ataque, principalmente se você for jogado no ar por seus adversários. É interessante observar que o impacto das suas armas contra os adversários ou superfícies é único, enquanto que ao serem lançados contra paredes, os minions de Hades e Zeus ficam estatelados até escorregarem até o chão ou até seu próximo combo.

Com uma melhora na inteligência artificial dos soldados, agora eles podem atacar em grupo e tentar esmagar Kratos, fazendo o famoso “montinho. Nada que mexendo no analógico esquerdo não resolva, mandando todos para os ares. As Boss Fights seguem o mesmo sistema já conhecido dos jogadores, onde um combo pode ter que ser interrompido para se defender de um ataque devastador, mas no fim, tudo termina numa Quick Time Event.

Uma mudança, no entanto, se deve a algumas cenas, onde você assume o papel do “executado”, enquanto ordena Kratos no seu papel de “executor”, e assiste a cena literalmente por outros olhos. Quanto à movimentação, ela está bastante fluida, e mesmo quando você luta sobre o braço de um Titã (que está se movimentando para atacar uma das criaturas mandadas por Poseidon), você não sente o controle “indeciso” sobre qual movimento você quer fazer. Mesmo mudando de vertical para horizontal, e depois se pendurando no teto, o controle responde exatamente como você quer se movimentar.

Quem acompanhou as duas primeiras edições do jogo sabe que Kratos escala paredes, se pendura por beirais, usa suas lâminas para se balançar (ou se lançar) a pontos mais distantes, e toda essa movimentação estará de volta no terceiro capítulo, com a opção de acelerar o movimento, principalmente andando em beirais ou se pendurando neles.

Chega a ser desnecessário dizer, mas o visual do jogo está soberbo. Da introdução às memórias de Kratos, dos cenários vastos e os efeitos de luz provocando pelas orbs, das lâminas batendo no chão ou na pele dos adversários às lutas contra inimigos enquanto Titãs escalam o Monte Olimpo. Tudo se mostra com uma quantidade de detalhes absurda, que te fazem lamentar não poder perder alguns minutos observando a paisagem com a câmera, seja por seus próprios afazeres, seja pela câmera fixa.

O jogo mistura beleza de detalhes e riqueza de texturas numa proporção tão grande que arrancar as tripas de um Centauro é ao mesmo tempo fascinante e grotesco, e em nenhum momento ele te deixa esquecer o que está acontecendo ao seu redor, como a chuva que cai após você enfrentar um determinado personagem, seja pelas pragas que infestam a cidade de Olímpia quando outro deus grego sucumbe ante as lâminas de Kratos.

Durante os flashbacks, que ajudam a relembrar a história do guerreiro espartano, toda a arte é representada por tons de vermelho e preto, que conseguem dar uma variação às animações e CGI sem sair do espírito de God of War.

Ainda na parte visual, as feições, os rostos, a respiração, os poros, os cabelos, dentes, músculos e principalmente o sangue dos seus inimigos é representado de uma forma tão natural que chegamos acreditar que é um filme em alta definição, e não um jogo que está passando na tela. O mais interessante é que toda essa beleza roda numa fluidez incrível, mesmo com mais de 50 inimigos na tela, entre soldados, centauros e cíclopes.

Os puzzles, que sempre estiveram presentes na série, retornam e com algumas novidades interessantes. Agora, ao carregar um bloco que precisa ser colocado em outro local, você pode rotacionar o objeto usando o botão analógico R, o que elimina as mesas rotatórias presentes nos jogos anteriores.

Outro ponto interessante ocorre perto da primeira metade do jogo, onde você é obrigado a encontrar a saída de algumas salas usando dispositivos que mudam a orientação da mesma, e te colocam hora de lado, hora de cabeça pra baixo. Além disso, em um específico labirinto, o jogo usa um sistema parecido com a engine de Ecochrome para que você encontre seu caminho usando não só os locais físicos, mas também a perspectiva destes locais.

Outra inclusão inédita à série é uma parte do jogo onde um determinado personagem age em conjunto com Kratos, seja auxiliando na resolução de alguns puzzles, seja para ser resgatado de um grupo de inimigos.

Em GoW3 não há muito espaço para sandbox e exploração, e a aventura se mostra bastante linear, a exemplo dos seus anteriores, e em algumas seções, tudo o que impede Kratos de prosseguir para fora de seu caminho é um arbusto, ou um bloco da altura dos joelhos do espartano. Além disso, alguns pulos inofensivos à primeira vista podem se tornar uma séria dor de cabeça devido à falta de precisão das plataformas em decidir o que é borda e o que não é. Além disso, algumas seções fazem com que você morra sem motivo aparente, mesmo estando em locais fechados e aparentemente sem pitfalls.

A câmera do jogo, como tem sido marca registrada da série, é fixa, e o analógico direito fazendo o papel de esquiva, e assim como seus antecessores, trabalha em grande harmonia com as suas ações, sem que você precise se preocupar com a visão do jogo.

Logo no início, a apresentação faz um vôo rasante por toda a região do Monte Olimpo, indo das profundezes do Rio Styx, nos domínios de Hades, passando por Olímpia em guerra e pelos Titãs que escalam em direção aos deuses, chegando à morada de Zeus e seus seguidores, e já neste ponto você tem certeza que está prestes a enfrentar um acerto de contas épico. Kratos é um minúsculo ponto nas costas de um colosso e ao mesmo tempo uma peça principal no embate que está por vir. E em nenhum momento o jogo o deixa esquecer isso.

God of War 3 pode brandir ao mundo “missão cumprida”. A história recebeu um desfecho muito interessante (até previsto), entregue num dos jogos mais bonitos e detalhados da história do Playstation 3.

Todos os aspectos do jogo receberam a atenção que deviam, e o estúdio Santa Mônica aplicou com muita propriedade o ditado “se não está quebrado, não conserte” A câmera fixa, o combate, o design e variação dos inimigos, os cenários, os quebra-cabeças, e cada um dos personagens e suas caracterizações lhe dão uma boa noção do que os atuais consoles são capazes.

Existem, claro, alguns pequenos erros, mas como um todo o jogo está perfeito. No fim das contas não se tratou apenas de um acerto de contas, mas uma redenção sobre uma vida cansada de guerras e pesadelos, e o mais interessante foi que todas essas emoções conseguiram ser passadas dentro do game, seja pelas mãos sujas de sangue de Kratos, seja pelos Quick Time Events que colocaram a ação nas mãos do jogador, seja pela viagem que o espartano faz às suas memórias numa animação diferenciada, seja pela intensidade com que Zeus e Kratos querem se destruir, ou seja pela emoção de terminar um jogo desafiante.

God of War 3, assim como vários outros jogos reforça a idéia de que vídeo games são sim uma forma de arte, sem perder o lado do entretenimento, ao apresentar a beleza de um roteiro bem contado sendo manipulado por um jogador. Definitivamente, é uma obra-prima a ser apreciada pelos próprios deuses dos games!

Guilherme Costa escreve regularmente no blog DIA DE GAMER

Em 2007 a Ubisoft declarou que Assassin’s Creed foi um tiro no escuro. Levando em conta os US$ 20 milhões gastos em 4 anos de desenvolvimento, qualquer coisa abaixo de “sucesso absoluto” em vendas colocaria a empresa em maus lençóis.

O resultado superou as expectativas, e presenteou amantes de games e história pelo mundo com uma megaboga franquia blockbuster.

Com as aventuras de Altaïr no bolso, o desafio era evoluir esta história em novos cenários, observando as críticas de combate repetitivo, que acabaram por evitar que o jogo se tornasse mais memorável ainda do que foi.

Como comentado no Nerdcast 191, as Cruzadas tiveram um impacto direto no desenvolvimento das grandes cidades da Europa renascentista. E é justamente para este ponto na história que saltamos, direto da Terra Santa medieval para a Itália do século XV.

Em uma ousada campanha promocional, Assassin’s Creed II (PS3, XBox 360, PC, PSP , DS, iPhone) foi precedido por um curta-metragem com 35 minutos de explodir cabeças, feito com a mesma técnica híbrida de CGI e Live Action usada em Sin City e 300.

Nele conhecemos um pouco da história do assassino Giovanni Auditore, que por circunstâncias de uma conspiração, no jogo se vê obrigado a passar rapidamente seu manto branco ao fllho Ezio, personagem que controlamos.

Curta promocional Assassin’s Creed: Lineage

Como no jogo anterior, somos conectados a este mundo através das memórias genéticas de Desmond Miles, um simples bartender que tem o azar de descender de uma linhagem de exímios assassinos.

Por consequência, ele passa praticamente o tempo todo deitado em uma máquina chamada Animus, que consegue decodificar sua hereditariedade genética em memórias reais de seus antepassados.

O argumento se encaixa muito bem na mecânica de jogo. Se você morre, por exemplo, significa que a memória revivida por Desmond perdeu sincronia com a real. Isso se torna até um argumento para manter a linearidade do jogo. Seria perigoso demais para o paciente tentar acessar memórias específicas diretamente (as que os cientistas templários querem realmente desvendar), nos obrigando a seguir uma sequência natural de eventos até chegar à revelação, guardada lá no final do jogo.

Este artifício é interessante, mas as constantes interrupções da aventura para voltar ao laboratório foram criticadas como monótonas no primeiro jogo, e dramaticamente reduzidas neste. Afinal, o que as pessoas querem mesmo é jogar as memórias dos antepassados de Desmond. Ponto para Ubisoft por ouvir o feedback.

As estrelas da franquia, porém, não são os assassinos Altaïr ou Ezio, e sim as grandes antigas cidades, projetadas para serem um perfeito playground para o Parkour.

Justamente por isso, a comparação com Prince of Persia é inevitável, apesar de Assassin’s Creed II seguir um caminho mais realista que o concorrente. Não há monstros ou lugares fantásticos para se visitar, e sim reproduções altamente fiéis das Florença, Veneza e Toscana renascentistas. Um esmero tão detalhado que é capaz de deixar o queixo de um historiador no chão.

Pular pelos telhados ouvindo o chacoalhar das telhas de cerâmica e escalar as ornamentadas torres de igrejas são ações tão envolventes quanto as missões em si. E como o jogo é um grande sandbox, você tem a liberdade total de fazer isso quantas vezes quiser antes de ativar uma missão.

Aliás, há muito o que se fazer nas ruas movimentadas, perseguir ladrões, entregar cartas, dar uns murros em adúlteros e devedores e até assassinar alvos marcados.

E diferente de Altaïr, Ezio aprendeu a nadar. Do contrário navegar, se esconder e fugir pelas ruas alagadas de Veneza seria um completo desastre.

O combate, alvo das maiores críticas ao antecessor, foi melhorado com mais golpes, esquivas e ainda a possibilidade de se roubar a arma do inimigo e cravá-la no seu pescoço. A coreografia é bonita e a grande quantidade de oponentes tornam as lutas grandiosas, mas há quem diga que, mesmo revisado, o combate permanece essencialmente com o mesmo problema de antes: repetição.

A maior diferença entre este e o jogo anterior está na economia. Ezio ganha dinheiro ao completar qualquer side mission, o que se torna um grande estímulo para explorar o jogo ao redor dos objetivos principais.

Com a grana, pode-se comprar diferentes espadas, martelos de guerra, adagas, peças de armadura, remédios, venenos e até balas para sua pistola de pulso (quando for destrancada). Outro meio para se gastar (e ganhar) dinheiro é renovando a vila fortificada medieval de sua família. Quanto mais reformas se faz, mais moradores são atraídos, que pagam mais impostos, lhe proporcionando descontos em lojas e, é claro, aumentando o acúmulo de Florins que você pode recolher a cada 20 minutos.

O sistema é interessante, no entanto há uma falha. Chegará o momento em que sua cidade lhe dará muito mais dinheiro do que se pode gastar. Com dezenas de milhares de Florins no bolso, lá se vai o estímulo para completar uma missão de assassinato, que pagará apenas uma fração do que já tem.

O mesmo acontece quando é destrancada a poderosa e ainda mais estilosa armadura de Altaïr, que não aparece no primeiro jogo, mas deixa todas as outras obsoletas.

Há muito o que se explorar e descobrir em Assassin’s Creed II, ainda mais quando se conta com um amigo especial da família, o jovem Leonardo da Vinci. Ele é capaz de decirar códices que lhe concederão melhorias em suas lâminas escondidas e pistola de pulso.

Além disso, lhe dará a graça de lhe permitir voar sobre Veneza em uma de suas invenções geniais. Embora isso aconteça menos do que deveria, é uma boa diversificação para o jogo.

Outros features também receberam atenção. É possível contratar mercenários para lutar ao seu lado, ladrões para cuidarem de arqueiros nos telhados ou até mesmo prostitutas para seduzirem e distraírem guardas. Embora sejam opções inovadoras, pode-se passar facilmente o jogo inteiro ignorando-as, o que torna suas utilidades questionáveis.

Também é possível se misturar à multidão para fugir ou passar despercibido por guardas. É só caminhar para dentro de um grupo de pessoas que a interface gráfica lhe mostrará que está incógnito. No entanto, para isso ser possível, o resultado é um tanto bizarro quando se vê do alto a rua tomada por vários grupos de pessoas andando sincronizadamente à mesma distância um do outro e na mesma direção. Isso faz com que as ruas percam um pouco da vida estabelecida no primeiro jogo em troca de algo mais… robótico e programado.

Igualmente bizarro é o resultado do sistema criado para diminuir sua notoriedade. Se estiver em alta, você está sendo procurado por todos os guardas da cidade. Para baixar seu nível, você pode subornar líderes comunitários, assassinar espiões e até mesmo arrancar pôsteres com sua face das paredes.

Até aí tudo bem! O estranho é aparecerem pôsteres no alto de sacadas, no terceiro andar de prédios e outros locais inacessíveis para o público. Onde está a coerência disso?

Não obstante, nenhum destes detalhes consegue projetar uma sombra sobre o grandioso e monumental mundo de Assassin’s Creed II.

Os cenários são tão vastos que, pouco tempo depois de seu lançamento, as redes de consoles já estão se inundando com novos packs de missões baixáveis a preços convidativos. Sem dúvida uma sobrevida merecida para um dos melhores jogos de 2009.

A viagem histórica entrelaçada a uma aventura atlética formam uma experiência inesquecível e completamente única para um jogo de video game. A sensação de ter “a cidade aos seus pés” pelas habilidades de Ezio, inspiram a figura de se controlar um verdadeiro super-heroi renascentista.

Nenhum lugar é inacessível, ou melhor, como nas palavras de Hassan-i Sabbah, fundador dos Hashshashin: “Nada é verdadeiro. Tudo é permitido.”

Os 18 bilhões de dólares movimentados anualmente pela indústria de games não só a tornou tão poderosa quanto Hollywood, como mais parecida. E a franquia Call of Duty sem dúvida pode ser chamada hoje de um verdadeiro blockbuster.

Call of Duty fez fama com seus FPS (First Person Shooter) ambientados na 2ª Guerra Mundial, junto de seus concorrentes Medal of Honor, Brothers in Arms e Battlefield, imensamente aceitos pelo grande público depois hype de Resgate do Soldado Ryan. Seu último título sobre este período, Call of Duty: World at War, chegou a contar com as vozes famosas e milionárias de Kiefer Sutherland e Gary Oldman.

Mas foi depois de avançar no tempo para um futuro próximo, que a franquia fincou a bandeira  para reinar soberana. Call of Duty 4: Modern Warfare foi um sucesso de crítica e comercial tão grande que sua continuação iniciou uma nova franquia. CoD perdeu seus números de continuação (seria o 6°) e simplesmente batizou-se Call of Duty: Modern Warfare 2 (PC, PS3 e XBox 360).

O jogo já era esperadíssimo como um filme de verão, só nas primeiras 24 horas, a Infinity Ward vendeu 4.7 milhões de cópias, totalizando US$ 310 milhões. E isso só nos EUA e Reino Unido.

Para se ter uma ideia melhor do que esse número significa, tenha em mente que Batman: O Cavaleiro das Trevas faturou “apenas” US$ 155 milhões em seu fim de semana de estreia.

O fato é que apesar de não oferecer nada de inteiramente novo ao gênero, MW2 consegue superar as expectativas em todos os âmbitos. O jogo não traz vozes famosas, mas tem em seu arsenal a música de Hans Zimmer, compositor de trilhas espetaculares para o cinema como de Gladiador (2000), Falcão Negro em Perigo (2001) e O Cavaleiro das Trevas (2008).

A música, no entanto, não é o único elemento cinematográfico desta obra-prima. A apresentação é tão detalhista e impecável, que o preço que tivemos que pagar foi ter um jogo relativamente pequeno. A campanha single player tem 18 missões curtas, o que pode gerar um total de apenas 7 a 8 horas de combate intenso.

Como no predecessor, o jogador encarna mais de um soldado em frentes diferentes, o que proporciona oportunidades para se visitar cenários diversificados de batalha. Em uma hora você está em guerra aberta em plena Washington D.C., em outra está silenciosamente invadindo uma plataforma petrolífera à la Solid Snake.

A inovação de apresentar animações predeterminadas (scripted sequences) no curso das missões FPS foi mérito de Half-Life (1998), mas em MW2 elas encontram seu completo potencial. Veículos explodindo, helicopteros despencando do céu, vilões sendo agarrados e caindo sobre carros, perseguições, saltos de snowmobiles sobre penhasco (com a trilha sonora acompanhando cada momento) conseguem transportar o jogador para a ação de uma forma inédita, construindo uma ponte entre um simples jogo e um filme de ação, com você no comando.

Essa experiência pode se tornar um tanto chocante na fase “No Russian“, onde você, infiltrado em um grupo terrorista russo, é levado a invadir um aeroporto e abrir fogo em centenas de civis inocentes.

Até aos olhos de muitos apreciadores de jogos de guerra, a cena pode ser considerada extrema demais, o que até fez o jogo ser banido na Rússia.

Fase polêmica do aeroporto “No Russian”. Atenção! Inapropriado para menores.

Realmente há de se admitir, após jogá-la, que destoa completamente do resto do jogo, que poderia funcionar muito bem sem ela. A conclusão óbvia é que a Infinity Ward quis polemizar e conseguiu, afinal, que polêmica até hoje vendeu mal?

MULTIPLAYER

Modern Warefare 2 corria o risco de ir rápido para a prateleira, se não fosse seu modo espetacular multiplayer.

São 15 mapas e uma série de diferentes jogos, desde os clássicos Team Deathmatch, Free for all (cada um por si), Capture the Flag e outros tipos que envolvem plantar bombas em bases inimigas. Alguém aí tem boas memórias desta modalidade?

Existe um porém, você não conseguirá jogar todos os modos de início, já que para isso, é necessário ganhar experiência para subir de nível. Sim! Essa fórmula muito bem aplicada também serve para destrancar novas armas, acessórios, habilidades especiais e só o faz ter vontade de jogar mais e mais.

O mais interessante deste sistema são as recompensas por Killstreaks (traduz-se por quantos malandros você mata em sequência antes de morrer). Começa com 3 kills, lhe trazendo o UAV (que mostra a posição dos inimigos no mapa), e segue com 4 kills – caixas de munição, 5 kills - metralhadoras turrets automáticas (ótimas para proteger bases), e assim por diante.

As recompensas são diversas e chegam até a chamar ataques de Harriers, helicópteros, o poderoso AC-130, bombardeios de B2 e até um Tactical Nuke, com Killstreak de 25 (tem que ser muito viciado), que mata todo mundo e acaba com a partida.

Vale lembrar que essas opções não seriam nada se você não pudesse customizar totalmente até 5 distintas classes. Dessa forma cada um pode montar os personagens mais adequados com sua forma de jogar e com cada tipo de jogo.

Por exemplo, para jogar Capture the Flag o ideal pode ser montar um personagem com o perk Marathon, que o permite correr sem cansar e outro perk Lightweight, que o deixa mais rápido. Imagina o trabalho que dá pegar um sabonete desses fugindo com a bandeira?

Além do tradicional multiplayer, ainda há o viciante modo SPECIAL OPS, este dá lugar a até 2 jogadores (Split Screen ou Online) que juntos lutam contra ondas e ondas de inimigos (drones com inteligência artificial).

E a melhor forma de fazer isso é unir forças com um jogador no chão e outro em um AC-130 dando apoio aéreo com artilharia pesada. É simplesmente viciante!

AH, SIM! A FAVELA!

O que realmente deixou os gamers brasileiros na ponta de seus assentos foram as fases que se passam em favelas do Rio de Janeiro.

Sim! Eles conseguiram! Tudo bem que nenhum bandido por aqui se chama Alejandro, e a imagem de satélite dá um close no Shopping Tijuca no briefing da missão, mas isso é o de menos.

É notável que os artistas e modeladores estudaram muito bem as referências visuais das favelas cariocas a ponto de alcançar uma ambientação deveras realista até para nós, que conhecemos essa realidade muito melhor que qualquer gringo.

Quem está acostumado com fases lineares de FPS ficará confuso com as vielas e becos, e impressionado de como é fácil perder o senso de direção quando os bandidos surgem simplesmente de qualquer lado, janela, telhado o porta de barraco. A sensação é de adrenalina pura.

10 minutos de gameplay online na favela!

Divertido é também ouvir os meliantes bradarem “Pega ele!” “Recarregando!” ou “A polícia tá vindo na favela!” em português, no entanto nem tudo é extremamente realista.

Ouvir um bandido gritando “Atira nele! Shoot him!” é um tanto bizarro e lembra um pouco aquele vídeo brasileiro no filme Sinais, em que o garoto grita: “Tá atrás da garagem! It´s behind!”

Sim, Infinity Ward, nós percebemos. Mas não se preocupe! O esmero da apresentação no geral é tão notável e a fuga da favela é tão inacreditavelmente FODÁSTICA que perdoamos com prazer!

Se esta resenha estivesse em uma coluna de filmes, seria um engano totalmente perdoável. Afinal de contas, Uncharted 2: Among Thieves (Playstation 3), a mais nova criação da produtora Naughty Dog, responsável por jogos como Jak and Daxter e Crash Bandicoot, traz ao jogador – com extrema maestria – uma história frenética e dinâmica como só os melhores filmes de ação são capazes.

Assim como no primeiro jogo, você está na pele de Nathan Drake, um caçador de tesouro canastrão metido a conquistador. Ele começa o jogo sozinho, ferido, em um vagão de trem completamente destruído e prestes a cair em um precipício. De cara, seu primeiro objetivo é tirá-lo dessa enrascada e, caso sobreviva, descobrir como ele entrou nela.

Para entender como Drake entrou nessa fria, a história do jogo é contada por meio de longos flashbacks, imitando a fórmula de sucesso do seriado Lost. Em uma dessas lembranças, o explorador recebe uma proposta de Harry Flynn, um antigo amigo, para embarcar em nova caça ao tesouro.

O objetivo é encontrar barcos desaparecidos da frota de Marco Polo, o conhecido explorador do século 13. Reza a lenda que em 1292, ele deixou a corte de Kublai Khan em direção a Veneza, sua terra natal. De acordo com seus diários, ele comandava uma frota de 14 barcos carregados de tesouros inimagináveis e uma tripulação de mais de 600 homens.

Quando ele chegou ao seu destino, contudo, havia sobrado apenas um barco e uma dezena de sobreviventes.

Drake aceita o desafio e embarca em busca de mais detalhes sobre essa expedição. Mas ele descobre algo muito maior e revelar isso nesta resenha seria uma tremenda sacanagem. Para acompanhar os dois marmanjos nesta aventura, surge Chloe Frazer, uma morena sensual que promete apimentar a história e deixar a vida de Drake muito mais complicada.

Entretanto, esse jogo não possui apenas uma boa história. U2 é um jogo dinâmico, sem grandes pausas entre os momentos de ação. Isso fica evidente nos menus do titulo. Basicamente, Drake pode usar duas armas diferentes: uma de pequeno porte para atirar com apenas uma mão e outra maior de grande porte que pode ser desde uma metralhadora AK-47 a um lança-mísseis. Para trocar entre uma e outra basta pressionar o direcional digital para os lados.

Para os mais discretos, a produtora acrescentou um novo sistema de furtividade, apelidado de “Action Stealth”. Com ele, o jogador pode optar entre sair atirando em tudo que se mover na tela ou tentar invadir um local de uma maneira mais discreta, nocauteando os inimigos sem chamar a atenção. Mas como nem sempre isso é possível, você pode apelar para o bom e velho combate corpo-a-corpo: tudo tão simples quando o restante do jogo.

Com um botão, Drake golpeia o inimigo e, com o outro, ele se esquiva. Fazer isso exige um pouco de atenção, uma vez que adversários de tamanhos e habilidades distintas.

Além de muita habilidade com armas de fogo, Uncharted 2 também exigem que o jogador explore os cenários, seja para encontrar os mais de 100 itens secretos escondidos, seja para encontrar o caminho que leva até a próxima missão. Por diversas vezes, para passar uma simples porta trancada, é necessário explorar as paredes do lado de fora, subir no telhado, descer do outro lado e invadir o ambiente pela janela.

Para ambientar toda essa caça ao tesouro, a produtora não mediu esforços. Todos os cenários possuem uma quantidade assombrosa de detalhes. Algo que salta aos olhos e que chega a dar uma pontinha de tristeza – uma pena não precisamos ficar mais do que alguns segundos em muitos desses cenários.

Os personagens principais também seguem a mesma linha, apresentando uma modelagem impecável. Infelizmente, o mesmo não acontece com os inimigos. Existem fases que temos a impressão de que estamos sendo atacados por um exército de clones.

Para compensar essa mesmice, todos inimigos possuem uma inteligência artificial acima da média sempre procurando desviar dos seus ataques e buscando atacar você de surpresa.

Uncharted 2: Among Thieves também deve muito do seu desempenho ao fabuloso trabalho dos dubladores das mais diversas nacionalidades. Isso porque os artistas escalados entenderam muito bem o espírito da coisa, dando vida e personalidade a dezenas de diálogos de duplo sentido.

O resultado final é fantástico, tanto para quem jogar com a dublagem em inglês, espanhol ou em português (de Portugal) – essa última opção só está disponível apenas para as cópias européias do jogo. Acrescente a isso tudo uma belíssima trilha sonora, pontuando os momentos mais tensos do jogo e o resultado é sensacional.

Como a cereja do bolo a Naughty Dog acrescentou um competente modo multiplayer. Estão presentes modalidades comuns como: mata-mata, capture a bandeira e reação em cadeia para quem gosta de competição. Há, também, dois modos cooperativos para quem deseja jogar com a ajuda de amigos. O primeiro é o Arena, no qual o objetivo é sobreviver a ataques de horas inimigas que ficam cada vez mais perigosas ao lado do seu companheiro.

Existe ainda o modo no qual você e seu amigo jogam em cenários do modo história, mas a ideia é cumprir determinados objetivos no menor tempo possível.

Para os cineastas de plantão, há o modo Machinima, onde toda ação do modo multiplayer pode ser gravada, editada e publicada na internet. Esse modo permite aplicar filtros de cores e até mudar o ângulo da câmera durante a ação.

Outra ferramenta interessante é o sistema de interação de Uncharted 2 com o Twitter. Toda a evolução do jogador é automaticamente postada no perfil online do microblog. Uma vez a função habilitada tudo fica online: troféus conquistados, fases terminadas e até o desempenho nas partidas online aparecem no site.

Uncharted 2: Among Thieves é um daqueles jogos que surgem de tempos em tempos para colocar um gênero em outro patamar. Depois dele, você pode atualizar o seu dicionário de games. Lara Croft não é mais o sinônimo para jogos de aventura. Coloque Nathan Drake no seu lugar.

No final de O Homem Que Matou o Facínora [1962], clássico western de John Ford, o personagem de James Stewart pergunta se o jornalista vai usar a história reveladora que ele acaba de narrar. Ao que o homem retruca: “Não, senhor. Isto aqui é o Oeste. Quando a lenda vira fato, publica-se a lenda”.

Se Johnny Depp se inspirou em Keith Richards, guitarrista dos Rolling Stones, pra criar seu Jack Sparrow, sob o argumento de que os piratas eram os rock stars daquela época, acho que não é exagero dizer que os astros da música são os caubóis dos nossos tempos. Voltando ao exemplo do filme citado no parágrafo anterior, há os bons moços, como James Stewart; há os que fazem pose de mau, como John Wayne; e há os facínoras, como Lee Marvin.

No rock, há uns poucos facínoras de verdade e uma quantidade enorme de sujeitos que tentam bancar os f*dões — afinal, trata-se de um segmento no qual bandidos e índios são infinitamente mais populares do que xerifes. E tome escândalos com bebidas, drogas e prostitutas, quartos de hotel depredados, declarações polêmicas, agressões a fãs, nudez pública e o que mais se pensar em termos de escrotização.

Por mais que pareça um discurso saudosista/rancoroso, é inegável que a modernidade fez o rock perder algo de seu romantismo. A era pré-digital foi um período repleto de lendas e boatos (e também de ingenuidade adolescente em um mundo no qual a informação não navegava em tempo real) que transformavam artistas em anti-heróis quase sobrenaturais: Elvis estava vivo, Keith Richards teve todo o seu sangue trocado, os membros do Kiss eram satanistas que esmagavam pintinhos no palco.

O maior de todos era ele, o Príncipe das Trevas em pessoa: Ozzy Osbourne.

Deve ter tido mesmo o dedo do capeta nessa história. Do contrário, como explicar que um ex-encanador disléxico de um distrito industrial da Inglaterra tenha sido um dos criadores e principais representantes do heavy metal? Outra maneira de encarar isso tudo é dizer que foi apenas uma questão de reunir as pessoas certas na hora certa.

O timbre característico do vocalista casou perfeitamente com os riffs fodásticos do guitarrista Tony Iommi, as linhas grudentas do baixista Geezer Butler e as marretadas do baterista Bill Ward. E logo o blues/rock padrão do Earth (nome anterior da banda) deu lugar à pauleira soturna do Black Sabbath.

Em meia dúzia de álbuns megaboga (e outros dois bem mais ou menos), o Sabbath ajudou a estabelecer muitos dos parâmetros para o gênero, como a afinação mais grave, o flerte com o blues e o “pogressivo” e, principalmente, a temática sombria que se alternava, com poucas variações, entre morte, loucura, figuras enigmáticas, criaturas assustadoras, funerais, danação.

E vieram clássicos como N.I.B., Paranoid, War Pigs, Iron Man, Sabbath Bloody Sabbath, Children of the Grave e muitos outros.

Abusos com drogas e álcool eram prática comum nos anos 1970 e dentro do Sabbath a coisa não era diferente. Só que nosso amigo Ozzy pesou a mão e acabou sendo chutado da banda, em 1979.

Enquanto Iommi passou os anos seguintes tentando acertar com um novo cantor (Dio, Ian Gillan, Glenn Hughes e até Rob Halford entraram na dança), o Príncipe das Trevas não tardou a encontrar duas figuras que se tornariam decisivas em sua carreira solo: a empresária Sharon Arden e o guitarrista Randy Rhoads.

Arden logo virou Osbourne e Rhoads se tornou o guitar hero da vez — e ambos ajudaram os fãs a enterrar o passado. Mesmo alucinado, imerso nos vícios, Ozzy produziu dois discos sensacionais: Blizzard of Ozz [1980] e Diary of a Madman [1981].

Foi nessa hora que o cramulhão resolveu cobrar a dívida. Como o vocalista estava chapado demais pra responder, quem pagou a conta foi Rhoads, morto em um acidente de avião no meio da turnê.

O restante da década caminhou tão trôpego quanto o próprio Ozzy, mas o raio, quem diria, caiu pela segunda vez no mesmo lugar e um novo prodígio da guitarra cruzou o caminho do vocalista: Zakk Wylde, com quem ele renasceu feito morto-vivo (“hellraise-er!”) e lançou a obra-prima No More Tears [1991].

Álbum f*da, shows no Brasil, reunião do Sabbath, Ozzfest… Parecia a era de ouro pros fãs de Ozzy. Até que veio uma nova década e, com ela, The Osbournes [2002-2005]. O programa pode ter servido pra elevar a popularidade do artista a níveis nunca antes imaginados, mas, ao mesmo tempo, acabou com toda a mística. O Príncipe das Trevas foi reduzido a um velhinho caquético, pau-mandado da mulher e dos filhos.

Ah, a modernidade… As câmeras dos reality shows derrubam imagens construídas o longo de décadas e o fluxo constante de informações impede que os boatos sobrevivam (Marylin Manson é o Paul Pfeiffer, de Anos Incríveis?).

Mas eu não me importo com o que as biografias dizem. Não quero saber se Ozzy cheirou ou não aquela carreira de formigas durante a turnê com o Mötley Crue e nem me interessa o que se passava por sua cabeça quando ele mordeu a cabeça do morcego. Pois isto aqui, meu amigo, é o heavy metal. Os fatos vão, as lendas ficam.

Uma banda de Rock Emo é ovacionada no palco enquanto o roadie Eddie Riggs resmunga que nasceu na época errada. Outro pergunta se ele acha que deveria ter nascido, tipo, nos anos 70.

Eddie responde: “Não. Tipo, no INÍCIO dos anos 70.”

Já na abertura, essa pérola define em que tom a banda vai tocar em Brütal Legend (PS3, XBox 360). Um verdadeiro ode ao Heavy Metal, mas que pode ser apreciado por qualquer um que embarque no mix temático de estilos diferentes de jogabilidade muito bem estabelecidos no mundo dos games.

Temperando esse prato incomum, o líder da banda Tenacious D, mais divertido embaixador do Rock galhofa e estrela de Hollywood Jack Black empresta sua voz, trejeitos e mais que característico humor ao personagem principal Eddie Riggs, um nostálgico roadie que após um acidente fatal, acaba sendo transportado para um outro tempo, em uma terra fantástica moldada pelos 4 elementos do Rock: Metal, Barulho, Sangue e Fogo.

Nesta terra distante, você se vê com toda a liberdade de um jogo sandbox, podendo explorar à vontade as missões principais e opcionais espalhadas por toda a vastidão do ermo inspirado no espírito do Rock e em capas de clássicos álbuns.

As armas de Riggs vão de um machado mágico de combate até sua velha guitarra, capaz de eletrocutar e explodir inimigos à distância. Mas sem dúvida sua habilidade mais megaboga são os solos, que na prática são tocados ao melhor estilo “Guitar Hero”, apertando botões no momento certo.

Completar um com sucesso significa conjurar algum super poder, que pode ser desde o solo “Facemelter“, que derrete o rosto dos inimigos ao redor, até mesmo a invocação de um Zeppelin de chumbo em chamas (Pegou? Led Zeppelin!) que cai como um Hindenburg com danos de área estratosféricos.

Esses solos estão escritos em lápides sagradas escondidas por todo o mapa, lugares em que as missões principais provavelmente não o irão levar.

É sua recompensa por explorar os magníficos cenários de Brütal Legend. Para fazer isso você invoca com sua guitarra o Deuce, um carrão estilo Hot Rod envenenado que o acompanhará pela maior parte da campanha.

Seu carro, obviamente, é customizável, e basta você encontrar uma das várias passagens no mapa direto aos círculos do inferno para encontrar ninguém menos do que Ozzy Osbourne, que empresta sua imagem e voz ao Guardião do Metal.

Nele você compra upgrades para seu carro, guitarra, machado e tudo mais que pode o transformar em uma máquina de matar demônios. A moeda de troca são tributos de fogo, que você ganha por completar missões, libertar estátuas de dragões e descobrir ídolos que contam a mitologia da terra do Rock.

Mas a diversão de Brütal Legend não está apenas em explorar. Destruir rockeiros Glam, Góticos e demônios pode ser muito mais divertido com estratégia!

Em momentos chave, o jogo se transforma em um belíssimo RTS (Real-Time Strategy), onde Riggs ganha asas demonícas que o fazem voar rapidamente pelo campo de batalha para comandar suas tropas.

É claro que não é exatamente como jogar Warcraft, afinal este é um jogo musical! Como Riggs observa, se sua guitarra naquele mundo podia explodir pessoas, imagine o que faria um show de Rock!

Tutorial da batalha em Real-Time Strategy.

Sua base principal é um mega palco capaz de criar os mais diversos e bizarros soldados, desde os famigerados headbangers com pescoços de músculos super desenvolvidos, que atacam furiosamente com suas cabeças ocas, até os roadies carregando amplificadores gigantescos nas costas, que como em um concerto real, têm a habilidade de serem invisíveis.

O custo de cada unidade é medida por uma quantidade de fãs, que são representados por figuras fantasmagóricas que emergem de geisers em volta do palco.

Para angariá-los é necessário tocar um solo que ordena a construção de uma torre de merchandising na boca do geiser. Dessa forma seu poder é todo convertido ao palco e ao seu exército.

Aliás, é dessa forma que o modo multiplayer se desenrola, só que além dos exércitos de Jack Black, você pode escolher as forças do demônio Deviculus ou da caída e gótica Ophelia.

Essa união de jogabilidades diferentes (Ação + Sandbox + RTS) unidas à trilha sonora metal roots, com participações espacialíssimas de lendas do Heavy Metal como Rob Halford (Judas Priest), Lemmy Kilmister (Motörhead) e Lita Ford (The Runaways) elevam a brincadeira ao status de uma experiência verdadeiramente icônica.

Principalmente para o nerd que gosta de aumentar o som e balançar a cabeça!

Imagine um daquelas oportunidades únicas que aparecem somente uma vez… Ou as cada dois anos, pelo menos! Livros, quadrinhos, mangás, RPGs em livros do jogador e livro do mestre, edições especiais, edições raras, e tudo isso com descontos até bem tentadores.

Assim estava sendo a XIV Bienal do livro, que foi até o dia 20 de setembro, no Riocentro, Barra da Tijuca, RJ. As maiores editoras estão envolvidas na feira, e trouxeram o seu arsenal para conquistar leitores de todas as idades.

Uma das novidades da feira deste ano é a interação com o público: chegando na Bienal, você tem a possibilidade de baixar conteúdos exclusivos para o seu celular direto dos estandes de exibição! Uma outra novidade fica por conta dos leitores e usuários da Bienal, que usam o Twitter para informar sobre novidades, promoções, ou até mesmo a localização dos seus autores ou eventos favoritos.

Se você reparar direito, vai notar que uma revolução silenciosa está tomando conta de toda livraria que se preze.

Antigamente, quadrinhos, graphic novels, mangás e RPGs ficavam em cantos obscuros das lojas, e os corajosos que iam em direção à estes itens recebiam olhares de admiração de uns, e despeito de outros. Pelo menos eu me sentia assim. Agora merecem destaque à frente dos estandes, e muitas vezes logo na entrada destes locais. E isso está se refletindo na feira.

Um exemplo disso é a editora Panini, representante no Brasil da Marvel, da DC Comics, e que recentemente adquiriu os direitos de publicação de MAD. O estande na feira é comparável às maiores editoras do mercado (em tamanho e número de visitações), e eles trouxeram títulos de peso. Edições correntes mensais, históricas, raridades, combos e até novidades bem recentes estão disponíveis para compra, tudo isso observado por uma estátua do Hulk de 2,5 metros. É possível completar a sua coleção, adquirir uma assinatura, ou procurar por aqueles itens raros para comprar no meio das estantes repletas de comics dos seus heróis favoritos.

Dentre os títulos, se destacam os especiais do Wolverine (“Inimigo de Estado”, “Eu, Wolverine”) e do Batman (“A Piada Mortal”, “O Long dia das Bruxas”, “Queda do Morcego”), mas outros heróis como Demolidor, Superman, IronMan e Spiderman também tem seu destaque garantido. Watchmen aparece em dois formatos, seja nas edições originais (Volume I e II) ou na edição definitiva, com o relógio da morte na capa. Além disso, a Panini também está representando os quadrinhos da Turma da Mônica e Turma da Mônica Teen, além dos mangás de Naruto, e todos estes itens estão disponíveis para compra.

Mas voltando à feira, o estande da Panini me hipnotizou de uma tal maneira que eu acabei me desviando do meu objetivo principal: acompanhar a palestra de Bernard Cornwell, que começava no pavilhão Azul, Auditório Euclides da Cunha. O site da Bienal informava que as senhas seriam distribuídas a partir das 18:30, uma hora antes da palestra. Planejei a minha jornada para chegar ao pavilhão às 18hs, com tempo de folga para pensar nas perguntas que gostaria de fazer ao Sr. Cornwell: Quais seriam as influências que o escritor leva em consideração quando vai iniciar uma obra nova? Qual seria a sua visão com relação às mídias modernas e a disputa de atenção dos jovens leitores?

Ia eu divagando sobre tais perguntas até chegar ao auditório, e uma grande frustração tomar conta: o espaço tinha capacidade para 390 pessoas, e a fila já estava com mais de 2000 fãs! Após um leve desespero, procurei me informar sobre senhas para o auditório, se ainda houvesse alguma! Não, infelizmente todas as senhas estavam esgotadas, principalmente porque foram distribuídas às 10 da manhã, ao contrário do que havia informado o site do evento (infelizmente, o desencontro das informações no site iria se tornar uma constante).

Desisti da palestra e fui para o estande da editora Record, onde o autor apareceria para uma seção de autógrafos depois de sua apresentação para os sortudos do auditório. Outra triste surpresa, todas as 100 senhas para autógrafos já haviam se esgotado, e também tinham sido distribuídas às 10 horas da manhã. Ou seja, para poder assistir a palestra e autografar os meus livros, eu deveria estar no estande da editora ANTES da Bienal abrir, já que alguns fãs chegaram às portas do evento antes das 9 da manhã, antes mesmo da abertura dos portões!

Se por um lado premia o esforço dos fãs mais devotos, por outro lado pune os demais que não tem toda uma sexta feira para deixar à disposição da Bienal. Além de ser contrário às informações do site.

Frustração à parte, perto das 9 da noite rolou a sessão de autógrafos, e devido à quantidade de fãs perto do stand, até tirar uma simples foto estava muito difícil. Nada como uma boa posição aliada à um celular para resolver a situação. Também consegui uma foto do autógrafo, já que um real eu não conseguiria. Pouco depois, ainda consegui conversar com algumas pessoas sobre como foi a palestra, e a resposta em geral levava ao lado do bom humor com que Bernard se relacionou com o público. As Crônicas de Arthur e a série de Sharpe dominaram a seção de perguntas e respostas, e o Sr. Cornwell se mostrou bastante humorado sobre a sua recepção no Brasil.

Antes de deixar o stand da Record, ainda reparei em duas estátuas em gesso, do Asterix e do Obelix.

Ainda deu um tempo para rodar um pouco pela feira para programar a visita do dia seguinte, e assim conseguir um material com mais foco, sabendo onde estão os hotspots para Comics, Mangás, RPG e outros.

Rodando pela feira, você consegue achar boas surpresas, como os mangás da série Dragon Ball, Cavaleiros do Zodíaco, Vagabond, Evangelion, Hunter x Hunter e muitos outros em coleções completas por preços absurdamente baixos, além de clássicos como Ziraldo, Mafalda, Quino, Garfield e outros. O pavilhão Azul concentra as maiores editoras, como Saraiva, Siciliano, Globo, Abril e Panini, que tem uma tendência em mostrar mais os últimos lançamentos, enquanto o Pavilhão Verde é bem mais voltado à venda extensiva de coleções, como faz o estande da Comix. Esse era um dos stands mais concorridos, sendo muito fácil achar quase as mesmas publicações mostradas na Panini, principalmente Marvel e DC, mas destacava-se pela boa quantidade de exemplares, além de coleções completas a preços bem acessíveis.

Alguns estandes mais abaixo, ainda no pavilhão Verde, você encontrava vários livros de RPG disponíveis, sejam D&D, AD&D, Vampires, livros-jogo, Livros para Mestres e Livros para Jogadores, edições completas (Livro Mestre + Livro Jogador + Sistemas), além de Card Games (Magic apresentava uma seleção bem extensa), e claro, mais alguns comics conhecidos, como X-Men, IronMan e Batman.

Um pouco mais tarde, tive uma grata surpresa: Jovane Nunes, ator da companhia de comédia “Os Melhores do Mundo” e autor do livro A Outra História Do Brasil, estava no estande da editora Planeta, e distribuía autógrafos para seus leitores. O livro em questão se assemelha bastante com o tom dado ao Nerdcast 172, que contou as histórias do Brasil Império de uma maneira mais escrachada, porém representa um lado ainda histórico ao se prender a fatos e reportes da época. Claro que consegui o meu autógrafo, e ainda bati um papo com ele, que falou que curte alguns mangás, como Vagabond e Dark Metro. E ainda deu algumas dicas de como encontrar mangás com preço bem em conta na Bienal. Infelizmente uma entrevista mais aprofundada não seria possível devido aos compromissos do autor, mas o bate papo já havia rendido.

Passeando pelo pavilhão Azul, me deparei com a coleção completa da Planeta D’Agostini, que trazia vários personagens de Star Wars em bonequinhos de chumbo, e dediquei uns bons 10 minutos a observar detalhes de cada um deles. Darth Vader, Obi-Wan, R2D2, Mestre Yoda, todos estavam com detalhes fielmente reproduzidos, numa redoma de vidro. Por sinal, no NerdCast 166, Alottoni e Azaghal comentam o que você deve fazer para conseguir completar a sua coleção.

Perto das 14hs, fomos para a fila para ter uma chance de um autógrafo com o autor e cartunista Ziraldo, que estava na Bienal no estande da editora Melhoramentos, assinando pelo seu novo livro O Diário da Julieta e Ziraldo 40 Anos. Já na fila, avistei uma série de livros que me chamaram a atenção. Eram em geral itens da cultura pop sempre relacionados à filosofia:

• Os Simpsons e a Filosofia
• Lost e a Filosofia
• Seinfeld e a Filosofia
• Wacthmen e a Filosofia
• House e a Filosofia
• Batman e a Filosofia
• 24hs e a Filosofia (Que filosofia? “Do it NOW” é filosofia??? Heheheheh)

De volta ao estande da Melhoramentos, Ziraldo já estava autografando e desenhando para seus leitores. Muito simpático, o autor brincava com todas as crianças, sem se importar com a quantidade de livros que cada um tinha para assinar. Desenhos, autógrafos e frases eram personalizados para cada um dos seus pequenos leitores.

E eu tinha um autógrafo em especial a perseguir: Maurício de Souza, criador da Turma da Mônica.

Ele apresentava o seu livro, o “MSP 50 anos”, e estava na Bienal, no estande da Panini, para um seção de autógrafos, com direito a um desenho de seus personagens de acordo com o seu gosto.

Pessoalmente, foi como encontrar um dos criadores de personagens responsáveis por muita leitura na infância, e devo admitir que ler as historinhas da Turma da Mônica ainda trazem a mesma alegria de quase 15 anos atrás.

E ainda aproveitei para pedir um autógrafo deste grande artista para o Jovem Nerd.

Fim do dia, e era hora de ver o que eu havia conseguido encontrar de interessante na Bienal:

• Panini Comics:
  • Wolverine Logan
  • Capitão América: Morre uma Lenda (Volumes I e II)
  • Demolidor: O Homen Sem Medo
  • Eu, Wolverine
  • Batman Silêncio: Edição Definitiva
  • Batman: A Piada Mortal (Edição Definitiva – Capa Dura)
  • Morte do Superman (Edição Especial Volume 1)
  • Watchmen Volume I e II e Edição Definitiva
  • Turma da Mônica: Especial Michael Jackson

• Comix
  • Combo Especial: Eu, Wolverine + Origem
  • Lanterna Verde: Crepúsculo Esmeralda + Novo Amanhecer
  • Maiores Clássicos do Demolidor
  • Homem-Aranha: Caído Entre os Mortos
  • Demolidor: Diabo de Guarda (de Kevin Smith – sim, AQUELE Kevin Smith)
  • Guerra Civil Marvel Especial

De um modo geral, essa foi a primeira Bienal em que as editoras apostaram de peso nas publicações para o público juvenil. Além do que citei aqui, haviam também disponíveis toda a série Crepúsculo, da autora Stephenie Meyer, cujo espaço por sinal ocupava sozinho quase metade do estande da editora, e os livros da autora Thalita Rebouças, voltados ao público adolescente feminino.

Essas várias atrações para crianças e adolescentes me deixaram mais feliz por saber que existe sim um movimento para evitar que as próximas gerações sejam somente “conectadas” e totalmente sem cultura. E sinceramente acredito que os quadrinhos e mangás podem muito bem desempenhar um papel fundamental na formação do caráter destes novos leitores.

Enquanto os fãs da franquia aguardam ansiosamente por Halo: Reach, a Bungie decidiu oferecer um aperitivo. Halo 3 ODST não é exatamente um novo jogo, mas sim uma trabalhada expansão para o terceiro e bem sucedido título.

Não, não é necessário tê-lo. ODST funciona de forma totalmente independente, com uma nova campanha de 6 a 8 horas e o pacote completo multiplayer já consagrado em Halo 3.

A diferença mais notável na jogabilidade reside no fato em que a corrida veloz, pulos altos e regeneração de energia SPARTAN de Master Chief simplesmente não existem. Seu escudo até pode se regenerar após alguns segundos fora de combate, mas você precisará encontrar medpacks para recuperar a energia vital.

Como um membro novato do ODST (Orbital Drop Shock Troop ou Tropa de Choque de Desembarque Orbital), você é obrigado a enfrentar o combate de uma forma muito mais cuidadosa e estratégica, conservando munição sempre que preciso.

A história se passa durante os eventos de Halo 2, na invasão Covenant à Terra. O objetivo era saltar em uma nave inimiga pairando dentro da atmosfera, mas as coisas dão errado e logo você se vê sozinho nas ruas de Nova Mombasa à procura dos outros membros do seu time. À noite, você segue a trilha de batalha e morte que aconteceu durante o dia, enquanto estava inconsciente.

A cada artefato pertencente eles encontrado, dispara uma missão flashback, onde você joga com cada um dos personagens da tropa de choque. Para enriquecer esse mosaico, também há espalhado pela cidade terminais de comunicação que contam pedaços da história da invasão Covenant pela perspectiva dos civis.

Algo que muitos brasileiros estão muito acostumados é a não entender completamente seus jogos favoritos, que chegam aqui importados e totalmente em inglês.

Um dos maiores méritos de Halo 3 ODST é ter sua versão nacional toda dublada em português. Fãs da boa dublagem irão comemorar ao reconhecer a voz do megaboga Alexandre Moreno como o líder do esquadrão, Sargento Buck.

O cenário urbano apresenta um cenário diferente dos visitados anteriormente na franquia, no entanto, um jogador veterano pode alguma vezes estranhá-lo e perguntar se ele se sente mesmo em uma cidade futurística, ou em apenas um cenário de FPS (First Person Shooter) que quer se parecer com uma cidade futurística.

Quem já está acostumado com Halo, sabe que este não é um jogo de ‘one shot, one kill’, é normal esvaziar um cartucho, ou até mesmo vários para derrotar alguns espécimes da variada fauna Covenant. Isso aliado às limitações humanas dos fuzileiros ODST, pode tornar a campanha atipicamente difícil. E como a ideia Bungie era promover uma perspectica tática de time, a diversão mesmo é encontrada no multiplayer.

Um novo modo chamado Firefight permite que até 4 jogadores em cooperação enfrentem ondas de inimigos com dificuldade progressiva. Por outro lado, não há grandes novidades no clássico modo multijogador.

Gameplay do modo ‘Firefight’.

Mas se você nunca teve a experiência online da franquia, Halo 3 ODST é uma ótima pedida justamente por reunir os 21 mapas lançados anteriormente (no jogo e baixáveis na XBox Live) em um DVD específico só para eles, incluindo a volta do mapa Mindship (de Halo 2) e 3 novos criados exclusivamente para esta expansão.

Trailer live action.

Sem dúvida, um pacotão megaboga para você iniciar suas HALO NIGHTS!

Não tem jeito: quando leio ou escuto as palavras “Inglaterra“, “França” e “castelo” na mesma sentença, a primeira imagem que me vem à mente é a do guarda francês instalado sobre a muralha, escrotizando Arthur e os cavaleiros da Távola Redonda, atirando vacas e outros animais sobre o rei dos bretões e ofendendo sua real genitora em Monty Python e o Cálice Sagrado (1975).

Apesar de todo o deboche e absurdo da sequência, há dois fatos que surpreendentemente não estão assim tão longe da verdade. O primeiro é que a escrotização era realmente uma tática de intimidação empregada pelos soldados medievais durante cercos e batalhas. É claro que nem sempre havia catapultas e animais à mão, mas sempre restava a opção de berrar impropérios ou mostrar as bundas e (vejam vocês) os sacos escrotais para os adversários, como Mel Gibson nos mostrou (ops!) em Coração Valente (1995).

O segundo é que um encontro entre ingleses e franceses durante a Idade Média fatalmente resultaria em m*rda. Só que a rivalidade estava além da mera picuinha entre vizinhos: era uma acirrada disputa por territórios (lembrando que a posse de terra era a maior riqueza do mundo feudal) que vinha se desenrolando desde meados do século XI e que cresceu sob a forma de conflitos esparsos, até finalmente se transformar em uma contenda pela coroa francesa – e não me refiro a Brigitte Bardot (sobe a música dos Trapalhões).

“No século XIV, extinguiu-se a linha masculina de herdeiros da dinastia capetíngia, que governava a França desde o século X. Como candidatos ao trono francês, restaram dois parentes do último grande rei capetíngio, Felipe IV, o belo: um era seu sobrinho, que acabou sendo escolhido e coroado como Felipe VI; o outro era seu neto, Eduardo III, rei da Inglaterra. Do ponto de vista dinástico, ambos estavam em condições de assumir, mas o fato de haver rivalidades de longa data entre as duas nações possivelmente fez com que as reivindicações de um inglês ao trono fossem preteridas”, explica Cybele Crossetti de Almeida, historiadora, professora de pós-graduação da UFRGS (Universidade Federal do Rio Grande do Sul) e membro da ABREM (Associação Brasileira de Estudos Medievais).

Rei Henrique V.

Foi nesse contexto de políticas expansionistas e soberanos ingleses reclamando seus direitos reais na França que, a partir de 1337, desenrolou-se a Guerra dos Cem Anos – um período que se arrastou por mais de um século, alternando momentos de atritos, negociações diplomáticas e guerra declarada. Obviamente, ao longo desses anos, ambos os lados tiveram seus heróis e culpados, vitórias grandiosas e derrotas vergonhosas. Para a Inglaterra, o auge foi durante o reinado de Henrique V (1386-1422), quando o país mais se aproximou de seu objetivo final: fazer dos franceses suas menininhas.

Os fatos históricos em si (ou o que sabemos deles) já formam uma narrativa atraente. Nas mãos de um gênio da literatura como William Shakespeare, se transformaram no clássico obrigatório Henrique V; nas mãos de um escritor megaboga nerd como Bernard Cornwell, resultaram em algo não menos do que fodástico: Azincourt, obra ficcional ambientada em plena Guerra dos Cem Anos.

O livro tem como protagonista Nicholas Hook, guarda-caça do interior da Inglaterra cuja habilidade sem igual com o arco longo acaba sendo sua bênção e maldição, salvando-o em diversas ocasiões mas levando-o a se tornar um fora da lei e mercenário. Mais tarde, acaba indo parar na corte de Henrique V, onde vira protegido de sir John Cornewaille, famoso veterano de guerra e campeão de torneios de cavalaria.

Hook é recrutado então para participar da primeira campanha militar do rei inglês na França, em 1415, e integra a vanguarda das tropas que desembarcam na Normandia (sim, lá mesmo. Como diria Emmett “Doc” Brown, aquele ponto deve ter algum significado cósmico; provavelmente, é a junção de todo o continuum do espaço-tempo. Ou, quem sabe, é só o porto mais fácil para quem vem do lado de lá do Canal da Mancha).

Cornwell apresenta uma trama envolvente para o seu herói (com direito a romance, um clã rival, um inimigo odioso e intervenções divinas), mas uma de suas principais virtudes é conseguir amarrá-la bem com a História – os momentos de maior dramaticidade na parte fictícia da narrativa coincidem com episódios reais marcantes, como o massacre em Soissons ou o cerco a Harfleur. O mérito maior do autor, no entanto, é a sensacional ambientação que ele cria, transportando o leitor para a Europa do século XV.

“Do mesmo modo que em outros de seus livros, como O Arqueiro e O Andarilho, Cornwell mostra não apenas um excelente conhecimento dos armamentos e das técnicas militares, mas também do contexto político. Seu Henrique V, por exemplo, é bastante verossímil, um rei religioso – como era a grande maioria da população naquela época – e, ao mesmo tempo, cruel, tanto com os hereges quanto com os seus inimigos. Ele se preocupa com a justiça e legitimidade de sua empreitada e representa a figura do rei guerreiro, que lidera os soldados, prova o seu valor e inspira os homens à ação. E, de fato, o contraste entre Henrique V e o débil Carlos VI da França – incapaz de governar – é bastante grande e tem um peso nos confrontos”, observa a professora Cybele.

Todos esses pontos positivos convergem no primoroso capítulo final dedicado à Batalha de Azincourt, na qual as reduzidas e fragilizadas forças inglesas enfrentam o numeroso e descansado exército francês. Uma vitória de Davi contra Golias, no melhor estilo “Termópilas motherf*cker”.

Se até esse instante o livro acompanha as aventuras do protagonista Hook, na hora da batalha o autor decide mostrar também os pontos de vista de Henrique V, de sir John Cornewaille e do sire de Lanferelle, um dos inimigos franceses. Dessa forma, elabora um relato praticamente cinematográfico, de tirar o fôlego.

Como todo evento de grande repercussão, a Batalha de Azincourt (ou Agincourt, na grafia inglesa) tem sido objeto de discussões entre historiadores, que discordam principalmente quanto ao nível de superioridade numérica dos franceses durante a batalha. A linha contestatória, encabeçada pela historiadora britânica Anne Curry, autora de Agincourt, a New History (não publicado no Brasil), aponta que a relação deve ter sido, aproximadamente, de 9 mil ingleses contra 12 mil franceses - o que tiraria muito do caráter épico do feito.

Em sua obra, no entanto, Cornwell adota os números consensuais entra a maioria dos pesquisadores: 6 mil ingleses contra 30 mil franceses. A escolha, ele admite, “não é resultado de estudos acadêmicos detalhados de minha parte, e sim de um instinto de que a reação contemporânea à batalha refletia que algo espantoso acontecera, e o que é mais espantoso nos vários relatos de Azincourt é a disparidade de números”.

Tal disparidade é um problema comum enfrentado por quem estuda a Era Medieval, até porque não se pode confiar na imparcialidade das fontes. Em seu livro Agincourt, a historiadora britânica Juliet Barker observa que um cronista francês da época “chegou a ponto de sugerir que havia 8 mil franceses na vanguarda e no batalhão principal, mas alega terem sido derrotados por um exército inglês de alguma coisa entre 20 e 22 mil homens!”

O trabalho de Barker, aliás, é apontado por Cornwell como uma das principais referências em sua pesquisa histórica. Assim, o estudo da especialista britânica funciona como complemento perfeito para o romance, uma vez que responde a muitas das perguntas do leitor mais curioso (Henrique tinha mesmo uma cicatriz no rosto? Carlos VI era realmente maluco?) e revela detalhes interessantes sobre alguns personagens (por exemplo: sir John Cornewaille era quase um profissional na arte de capturar nobres inimigos no campo de batalha e depois pedir resgate; ele, inclusive, comprava “participações” nos reféns dos outros). Além disso, apresenta uma contextualização mais detalhada da Guerra dos Cem Anos e avalia as consequências da Batalha de Azincourt, bem como relata os destinos de seus protagonistas.

O campo de batalha, hoje.

Azincourt, o livro, é essencialmente uma obra de ficção e deve ser apreciada e analisada como tal. Mas, além de possuir evidentes qualidades literárias, não se pode questionar o fato de que é capaz de inspirar no leitor a busca por conhecimento. A professora Cybele cita um trecho do artigo que ela escreveu a respeito da versão cinematográfica de Henrique V dirigida por Kenneth Branagh (1989), texto que foi publicado no livro A Idade Média no Cinema (Ateliê Editorial) e que é totalmente aplicável ao romance de Cornwell: “O cinema, o teatro e a literatura podem ser não apenas aliados no ensino da História, mas também (…) fontes de pesquisa histórica. (…) Queiramos ou não, o cinema forma e informa a visão de mundo atual, a maneira como jovens e adultos veem a história e, em particular, a Idade Média”.

Eu assino embaixo. Afinal, posso dizer com orgulho que aprendi com Bernard Cornwell. E com o Monty Python.

Agradecimentos especiais à professora Cybele Crossetti de Almeida pela enriquecedora entrevista que ela gentilmente concedeu, e ao departamento de imprensa da Editora Record, que publicou Azincourt, de Bernard Cornwell, e Agincourt, de Juliet Barker, no Brasil.

Uma regra não escrita do mundo dos games aconselha quem é esperto a ficar longe de jogos licenciados. Normalmente o produto é feito às pressas para acompanhar o momento do lançamento de um filme ou simplesmente o hype de uma grande marca. Geralmente usam carcaças antigas de jogos conhecidos e as vestem com uma roupa bonita por cima. Mas não se engane: não importa o quão ultrapassada seja a jogabilidade, marca vende!

Raros são os casos, como o do clássico Dune 2 (1992), da Westwood, que foi licenciado a partir do filme Duna, de David Lynch, (por consequência, uma adaptação do clássico homônimo da literatura de ficção-científica de Frank Herbert). Pode não ter sido o primeiro Real Time Strategy, mas sem dúvida que seu sucesso estabeleceu o novo formato que iria perdurar na indústria em grandes sucessos até hoje.

Direto ao ponto: Batman: Arkham Asylum (PS3, XBox 360 e PC) não veio para inovar como Dune 2 ou GTA, no entanto pode ser considerado um perfeito exemplo de como unir diversas mecânicas bem sucedidas para otimizar ao máximo o aproveitamento de uma franquia conhecida.

Não bastasse isso, é digno de nota também a fusão de mídias, que foi buscar nos quadrinhos toda a riqueza do universo Batman para a construção da história pelo premiado e veterano Paul Dini, com um Homem-Morcego totalmente baseado no traço de Alex Ross (que trabalhou com Dini no clássico Batman: Guerra ao Crime).

À esquerda: arte de Alex Ross em Batman: Guerra ao Crime. À direita, Batman: Arkham Asylum.

Além de trazer as vozes originais de Kevin Conroy, Mark “Luke Skywalker” Hamill e Arleen Sorkin para reprisar seus marcantes papéis como Batman, Coringa e Arlequina, respectivamente, na série animada de 1995 (dá para sonhar com uma versão brasileira com Márcio Seixas?).

A animação inicial mostrando o Batmóvel dirigindo a mil no fluxo contrário da polícia (que ainda está indo para a cena do crime) levando o arquiinimigo para o Arkham é assombrosa e rica em detalhes, com por exemplo a placa de trânsito próxima ao manicômio avisando que caroneiros podem ser pacientes em fuga.

Animação de abertura + sequência inicial.

Extraordinário também é primeira a sequência de jogo, onde tudo o que você faz é andar com Batman enquanto acompanha os seguranças que levam o Coringa preso até as profundezas da unidade de tratamento intensivo. Quem quer pegar no controle e sair batendo pode não ter muita paciência, mas sem dúvida, a cena que equivale à sucessão de créditos iniciais de um filme, nos faz mergulhar de cabeça no clima torvo e insano que nos aguarda por pelo menos 15 horas de jogatina.

Obviamente o Coringa não fica algemado por muito tempo e logo descobrimos que tudo faz parte de um mirabolante e vilanesco plano. Com o Arkham nas mãos do palhaço, cabe ao Homem-Morcego passar a noite combatendo capangas marombados da penitenciária de Blackgate e claro, uma seleção de primeira de clássicos vilões como Bane, Croc, Hera Venenosa e Espantalho.

O jogo chegou a ser comparado ao neo-clássico Bioshock, por apresentar uma admirável combinação entre ação e exploração. O combate, sem dúvida é empolgante, justamente por ter movimentos tão fluidos que parecem coreografados.

Se você está chutando um criminoso à sua frente e decide golpear também o meliante atrás de você, na maioria dos jogos, o personagem se viraria 180° para combatê-lo de frente. Batman não precisa, ele pode facilmente agarrar a perna do bandido em seu chute frustrado e acertá-lo com uma cotovelada, sem ao menos olhar para trás.

Não se assuste ao saber que apenas um botão é responsável pelos golpes, pois para lutar é imprescindível combinar a porrada bruta com o botão de contra-ataque, movimentos de atordoamento com a capa, batarangues e pistola-arpão.

Mas o maior detetive do mundo não passa a noite toda brigando. Para a exploração, você fará muito uso do ‘Detective Mode’, algo muito parecido com aquela visão-sonar do filme Dark Knight. Com ela, você pode ver seus inimigos através de paredes, detectar superfícies que podem ser estouradas com seu bat-gel explosivo e procurar por soluções de enigmas do Charada (que o acompanha o jogo inteiro hackeando seu rádio e desafiando-o).

As investigações não são mais complexas que simplesmente usar a visão em ‘Detective Mode’ para isolar uma cena de crime e seguir trilhas de álcool na atmosfera, impressões digitais, rastros de DNA e etc.

O uso dela para resolver os enigmas do Charada é recompensador. Cada um dará 200 pontos de experiência, muito necessários para se comprar upgrades de batarangues, movimentos de combate, armadura e outros gadgets.

Isso pode ter sido um tiro pela culatra, no entanto, já que você é tão estimulado a usar a monocromática visão de detetive, que é bem capaz de passar a maior parte do jogo nela, deixando de aproveitar a arte maravilhosa dos cenários da ilha Arkham.

Ah, é isso mesmo que leu, ILHA Arkham! Adaptação mais que necessária, afinal, ninguém quer jogar por apenas 20 minutos explorando os aposentos da mansão clássica dos quadrinhos.

A instituição ocupa todo o terreno de uma ilha com complexos médicos, penitenciários, botânicos e até uma verdadeira fortaleza high-tech de tratamento intensivo subterrânea. E apesar de Batman poder andar livremente entre elas, o jogo é linear, colocando-o em cada uma delas em uma ordem pré-definida de acordo com o desenrolar da história.

Embora seja essencialmente um jogo de ação, transformar a cara de criminosos em mingau não é a única diversão. Enfrentar elementos armados cara a cara é suicídio, e neste momento o Cavaleiro das Trevas tem que ser silencioso. O elemento stealth lembra bastante o espírito de Splinter Cell, embora não haja necessidade de esconder os corpos (inconscientes, Batman não mata!).

Se esconder nas sombras, em dutos de ventilação, e espreitar pelo alto em gárgulas gera imensa satisfação (isso mesmo, existem gárgulas DENTRO dos aposentos do Arkham), ainda mais quando o Morcego plana de capa aberta para explodir com os dois pés no peito do meliante.

Outros gadgets também podem ser usados como armadilhas, como por exemplo, aplicar gel explosivo em uma parede frágil e detoná-la quando alguém passar. Também pode-se lançar um batarange sônico para atrair bandidos para o local certo, e vê-los desaparecer com o inverted takedown, uma verdadeira abdução vinda do alto.

Aliado a tudo isso, há o valor inestimável de todos os easter eggs para verdadeiros fãs, como a corrida de Batman, tirada da apresentação animada da série dos anos 60, e outros detalhes preciosos, como bandidos que arrancam canos da parede para bater no herói ou o uniforme e capa que vão se rasgando com o passar da noite infernal.

Lembrando que os donos de PS3 ainda poderão baixar um add-on para jogar fases especiais com o Coringa. Megaboga!

Trailer: Vilões.

Batman: Arkham Asylum faz jus ao hype e ao reconhecimento que recebeu. Um jogo a ser lembrado como exemplo para qualquer licenciamento futuro, que mostra como tratar uma franquia conhecida com respeito e devoção traz resultados muito além do esperado.

P.S. – Se você quer mesmo se sentir o Batman, jogue no HARD!

Desde o surgimento do primeiro GTA, os jogos em sandbox começaram a pipocar em grande número. Acertou em cheio quem resolveu colocar esse modo de jogo em um game do Homem-Aranha e Hulk: Ultimate Destruction. E acertou mais ainda quem resolveu inovar e criar Prototype.

Criado pela Activision, a mesma dos jogos do escalador de paredes, Prototype vem trazendo um nível completamente novo de liberdade. Afinal de contas, como você pode tornar ainda mais interessante o conceito de um espaço onde você pode agir como quiser? Simples: criando consequências. E caos, muito caos.

Vídeo de abertura.

Você encarna Alex Mercer, e não possui memória alguma do seu passado. De repente, nota que possui poderes de metamorfose incrivelmente poderosos, mas sem saber o que ou quem fez isso com você. E é assim que começa um dos jogos mais divertidos dos últimos tempos.

A trama principal envolve o governo, os militares e um vírus que pode ameaçar toda a ilha de Manhattan. Seus poderes permitem correr pelas paredes, dar grandes saltos e planar quase como se estivesse voando, força sobre-humana e muito mais.

Suas mãos se tornam armas diferentes, desde garras e lâminas até um chicote dilacerante.

O jogo literalmente cresce, assim como seu personagem. Uma das habilidades de Alex é absorver os outros, sejam pessoas, monstros e aberrações genéticas — das quais você pode tomar a forma, adquirir suas memórias e conhecimentos.

O sistema de avanço de habilidades é excelente, e em vez de ter o clássico “Você acaba de ganhar a habilidade X” do nada, funciona como se seus poderes continuassem evoluindo cada vez que você absorve alguém, através de um sistema de pontos em que você compra habilidades novas.

Alex, per se, não sabe dirigir tanques, helicópteros ou usar armas. Ele precisa correr atrás de militares e absorver o conhecimento deles, assim como apenas alguns cientistas e outras pessoas envolvidas sabem o que aconteceu com Alex de fato, e quem são os verdadeiros inimigos.

3 minutos de gameplay.

Os mutantes que surgem como inimigos a princípio parecem meros zumbis que correm. Mas, assim como você, eles também evoluem e acredite, derrotar um Hunter não é tão fácil quanto se imagina. Apesar do mega poder de Alex, os inimigos são difíceis se você não se cuidar.

O tempo todo é possível matar os civis, o que acarreta em chamar a atenção dos militares. Se estes não forem o suficiente, times de elite virão para cima de você. E não é fácil se livrar deles. Ah! Bom lembrar que você é o alvo Nº 1 dos milicos também, já que eles acham que você é o responsável por tudo!

No meio de tudo isso, não existem “mocinhos” e “bandidos”. Alex Mercer não passa de um verdadeiro anti-herói, que só quer encontrar o responsável que o fez ser assim, e os militares são tão bonzinhos quanto os monstros mutantes que matam civis aos montes.

O jogo é fantástico. Você faz o que quiser, como quiser. O caos que você cria pode se voltar contra você, e a liberdade de movimento é com certeza a maior que o mundo dos games já viu. Os golpes e combos do protagonista são épicos, sejam contra um monstro, um exército de soldados ou contra tanques e helicópteros que estão combatendo exércitos de mutantes. O estrago é fenomenal e divertido, e você pode fazer o quanto quiser.

Há ainda pequenas missões-bônus, incluindo mini-games como time-trials. Algumas das missões incluem encontrar certos militares com conhecimento específico e destruir alguma base mutante ou uma base militar.

Estas são opcionais, mas completá-las é recompensador, uma vez que elas dão pontos que podem ser gastos na compra de novos upgrades e poderes.

Prototype definitivamente vale à pena. Os personagens são legais, a história é bem contada, os gráficos impressionam e a diversão é garantida. Acredite, você entenderá o real significado de “cotovelada no tanque” e “voadora no helicóptero”!

Ah, e não se preocupe se achar que está chegando no final do jogo. Há uma boa surpresa esperando lá.

Luke ficou fascinado pela princesa que ele viu apenas em um trecho de poucos segundos de uma projeção holográfica que nem ao menos lhe era endereçada.

Mesmo assim, cruzou a galáxia pra salvar a garota e, numa tentativa de impressioná-la, destruiu uma estação espacial do tamanho de uma lua. Só que o sujeito era tão c*gado que acabou descobrindo que ela era sua irmã. Gêmea. Mas isso, na verdade, não fazia muita diferença, já que a princesa, desde o começo, estava mesmo de olho era no contrabandista coreliano com jeitão de cafajeste.

Cada um tem o herói que merece… A ideia de que o nerd padrão é um loser que não tem sorte com as mulheres pode soar como um estereótipo ofensivo pra aqueles com pouco senso de humor, mas é preciso reconhecer que existe um fundinho de verdade aí.

Que o diga o Comic Book Guy, dos Simpsons, que, sentindo-se ameaçado pelo proprietário da nova loja de quadrinhos recém-inaugurada em Springfield, tenta desacreditar o concorrente: “Ele não é um de nós; ele tem uma namorada!”, acusa, em um episódio com as divertidas participações de Jack Black, Alan Moore, Art Spiegelman e Daniel Clowes.

Losers ou não, dá pra arriscar o palpite de que boa parte dos nerds já teve, em algum momento ao longo de suas incompreendidas e deslocadas existências, uma paixão platônica. Pode ter sido pela filha do vizinho, pela irmã do melhor amigo ou pela menina mais popular da escola; pode ter sido pela Natalie Portman com sotaque britânico (e sem cabelo) em V de Vingança, pela Natalie Portman com peruca rosa (e sem roupa) em Closer ou pela Natalie Portman com coques de Princesa Leia (e sem um papel decente) em A Vingança dos Sith.

Seja em filmes, seriados ou livros, é bem difícil abordar o amor sem cair na pieguice. E a coisa fica ainda mais complicada quando se trata das paixões platônicas, que são ao mesmo tempo trágicas (pela impossibilidade de sua consumação) e patéticas (pela mesma razão).

O maior desafio é justamente encontrar a dose exata de lirismo e humor – elementos que, quando mal misturados, podem ter resultados lamentáveis. O Didi Mocó, por exemplo, sempre me deixava com vergonha quando fazia aquela cara de sofredor por não conseguir conquistar a mocinha, como no final de Os Saltimbancos Trapalhões.

É bem capaz que seja só rabugice da minha parte. Ou talvez seja uma descabida expectativa de ver algo próximo da maestria de Cyrano de Bergerac, obra-prima do francês Edmond Rostand. Escrita no final do século 19 e inspirada em um personagem histórico (que teria vivido cerca de dois séculos antes), a peça teatral tem como protagonista um valente cadete do exército francês que é tão hábil com a espada quanto com a pena.

Cyrano é secretamente apaixonado por sua prima, Roxana, mas não tem coragem de se declarar por ser dono de um descomunal nariz que só não é alvo de chacotas porque o espadachim desafia qualquer um que se atreva a dele zombar. Roxana, por sua vez, está interessada em outro cadete, o belo Cristiano, que acaba de chegar ao regimento. Os sentimentos da donzela são correspondidos, mas o pouco inteligente novato não sabe como falar à amada. O narigudo vê aí a chance de, de algum modo, concretizar sua paixão, emprestando suas palavras ao galã pra, assim, formar “o herói duma novela”.

Cyrano é, sem dúvida, um dos personagens mais carismáticos da literatura. Difícil não se divertir com o monólogo no qual ele faz graça com o próprio nariz apenas pra ressaltar a falta de criatividade do sujeito que tenta insultá-lo. Difícil não torcer quando ele anuncia que, ao mesmo tempo em que duelará com um nobre petulante, irá compor uma balada (“com destreza eu me desloco / e vos previno, imbecil, / que ao fim da quadra vos toco”). Difícil não se comover com sua monossilábica reação quando Roxana lhe procura pra confidenciar um segredo – o “ah” que ele repetidamente balbucia passa da esperança de que a prima diga que o ama à decepção de descobrir que o objeto do desejo dela é Cristiano.

Rostand escolhe com precisão os momentos dos quais extrai ora comicidade, ora romantismo. É o caso da cena do balcão, que remete à de Romeu e Julieta, de William Shakespeare, mas que em Cyrano de Bergerac começa em tom satírico, com o nada talentoso Cristiano caindo em desgraça diante da amada, ao não conseguir dizer muita coisa além de “vos amo”.

O protagonista, então, entra em cena pra “salvar” o desafortunado cadete – primeiro, “soprando” os versos que o colega deve dizer; em seguida, declamando-os ele mesmo, tirando proveito da escuridão da noite, num dos trechos mais poéticos da obra. O autor ainda surpreende ao dar um desfecho totalmente prosaico e anticlimático ao dramático monólogo final do protagonista.

Como todo bom clássico, o apelo da peça é universal e atemporal e, por isso, ela é constantemente revisitada. Tem pra todos os gostos: há a fiel adaptação francesa pro cinema [1990], com um Gérard Depardieu magistral no papel-título (e, convenhamos, ele nem precisava de uma prótese nasal); há o livro A Marca de uma Lágrima [1985], esperta versão teen criada pelo escritor brasileiro Pedro Bandeira (que já concedeu uma entrevista exclusiva pro JN); há até mesmo um episódio do desenho Muppet Babies no qual Gonzo (e quem mais poderia ser?) ataca de Cyrano, recebendo a “assistência” de Steve Martin, em cenas tiradas do filme Roxanne [1987], outra adaptação moderna da obra, na qual o espadachim vira um bombeiro.

Isso sem falar no episódio do Chapolin em que o Vermelhinho ajuda um sujeito inseguro e ansioso antes de um encontro às cegas. O dono das anteninhas de vinil tenta tranquiliza-lo, contando a história de Cyrano (interpretado pelo Seu Madruga), Roxana (Dona Florinda) e Cristiano (o próprio Bolaños). O romantismo dá espaço, é claro, pra piadinhas infames acerca do nariz do espadachim (“Você é americano? Não nasceu no Narizona?”).

Um herói arquetípico pra Eduardo Spohr nenhum botar defeito; um enredo com pano de fundo histórico (os conflitos entre França e Espanha durante a Guerra dos 30 Anos [1618-1648] desempenham papel importante na trama); diálogos inteligentes com direito a easter-egg (a aparição-relâmpago de um mosqueteiro de nome D’Artagnan) e, pasmem, um toque de ficção-científica (o trecho em que, pra deter um nobre, Cyrano descreve sete maneiras de chegar à lua).

Tá legal, a linguagem arcaica, os versos dodecassílabos e o formato de “roteiro” podem assustar o leitor pouco familiarizado a esse tipo de leitura. Mas sobram motivos pra deixar os preconceitos de lado e dar uma chance a Cyrano de Bergerac. Afinal, ninguém quer ser um nerd padrão, não é?

Não sei dizer exatamente o porquê, mas nunca simpatizei com o Mickey Rourke e, portanto, nunca dei muita confiança ao seu trabalho como ator – nem quando ele interpretou Henry Chinaski (alter-ego de Charles Bukowski, um dos meus heróis literários) em Barfly [1987].

Seu Marv em Sin City [2005] me fez coçar a cabeça, mas pensei: “tá legal, o sujeito se sai bem como um brucutu dos quadrinhos, mas jamais vai conseguir convencer num papel dramático de verdade”.

Tive que dar o braço a torcer quando me peguei emocionado com as desventuras de Randy “The Ram” Robinson em O Lutador [2008]. O personagem me ganhou de tal maneira que, mesmo sendo fã do Nirvana, não pude deixar de dar boas risadas com seu diálogo com a stripper Cassidy (Marisa Tomei), no qual, após celebrar o festivo rock dos anos 80, ele conclui amargamente: “then that Cobain pussy had to come around and ruin it all…”

De fato, antes de, nos anos 90, surgirem os roqueiros com aquela cara de “sou de um lugar onde chove o tempo inteiro, tudo é cinza e depressivo, todo mundo é perturbado e usa cavanhaque e camisa de flanela”, o clima nas rádios e na MTV era muito mais “ensolarado” – algo personificado de modo exemplar pela banda preferida do lutador, o GUNS N’ ROSES.

Além das horas gastas arrumando os cabelos, The Ram e o Guns têm algo em comum. Ambos levam bem a sério seus trabalhos em áreas que uma boa parte das pessoas acha totalmente fake – respectivamente, a luta livre e o hard rock.

E, em suas fases áureas, ambos foram fenômenos de popularidade.

Axl Rose e cia. chegaram quebrando tudo com um dos álbuns mais fodásticos de todos os tempos. Appetite For Destruction [1987] é um daqueles discos especiais que, ainda hoje, você escuta de cabo a rabo e não consegue encontrar defeito.

A não ser, talvez, o fato de que ninguém mais aguenta Sweet Child O’Mine e Paradise City – não porque sejam ruins (pelo contrário), mas porque tocaram à exaustão em tudo quanto é canto. Clássico instantâneo, Appetite fez com que, na época, todo moleque virasse a aba do boné para trás e sonhasse com uma Gibson Les Paul cherryburst, a “guitarra do Slash” (alcunha que certamente causou horror a muitos fãs de Jimmy Page…).

Depois do começo arrebatador, veio o tapa-buraco de GN’R Lies [1988], reunindo o EP de estréia (gravado ao vivo e lançado de forma independente em 86) e mais quatro faixas semi-acústicas – duas das quais engrossam a lista de “músicas que ninguém aguenta”: Patience e Used To Love Her.

E então, num belo dia, entrei no supermercado e, na seção de discos, vi uma gôndola inteira repleta com as capas azuis e amarelas dos dois volumes (duplos) do tão aguardado Use Your Illusion. Diante da impossibilidade de comprar ambos (leia-se: “falta de grana”), optei pelo azul; um amigo depois gravou pra mim uma fita cassete com o amarelo.

E, depois de ouvi-los, não pude deixar de me sentir decepcionado e pensar: “pra que tudo isso?”. Se Illusion fosse um único álbum duplo, seria excelente; se fosse apenas um simples, seria genial, como Appetite.

A partir daí, foi uma curva descendente: mudanças de formação, o totalmente dispensável “The Spaghetti Incident?” [1993] e o inevitável limbo.

Mas, ao contrário do que nosso amigo The Ram supõe, não foi o grunge quem “arruinou tudo”; foi, possivelmente, o próprio Axl. Afinal, é difícil imaginar que todos os seus companheiros o abandonaram porque ele é algum tipo de gênio incompreendido.

Basta ver o quão bons são os discos do Velvet Revolver e, especialmente, do Izzy Stradlin em sua carreira solo – e o quão patético é o Chinese Democracy [2008] do pseudo-Guns capitaneado pelo vocalista.

Axl, aliás, perdeu a chance de fazer a pegadinha do século. Ele deveria ter engavetado o último disco – tornando-o uma lenda, tal qual a democracia chinesa – e lançado outro no lugar. Um que tivesse, ao menos, três ou quatro canções decentes.

Seria uma forma mais digna de encerrar sua carreira: um Ram Jam na cara das viúvas daquele “Cobain pussy”.

Como julgar uma série? Como definir que está na hora de acabar, ou que se deve prossseguir?

Bem-vindos à coluna Fala Série, Schias, aquela que não só analisa, mas assiste e dá risada.
Mas e quando a piada não tem graça?

É, meus amigos, vamos começar.

SMALLVILLE

Esqueçam a série sobre o jovem Clark Kent, em sua adolescência, desenvolvendo seus poderes e sua amizade (que vira inimizade) com Lex Luthor.

Essa série ficou pra trás.

Após 2 temporadas teens e leves, um caminho sombrio surgiu na 3ª temporada, Lois Lane na 4ª, faculdade, inimigos cada vez mais poderosos… E agora a série é sobre o ADULTO Clark Kent começando a viver em Metrópolis.

Se antes a série parecia ter um final definido (Clark revela seus poderes para Lana, vai para Metrópolis e vira o Superman), o caminho passou a ficar aberto para tudo.

(Agora podem pintar SPOILERS, dependendo de onde você assiste a série)

A 7ª temporada foi o desfecho definido pelos criadores da série, All Gough e MIles Millar. Uma trama sobre uma sociedade secreta, Veritas, esclarece ligações até então ocultas mas implícitas, como entre Lionel Luthor e a morte dos pais de Oliver Queen, cuja notícia ele lê no jornal no episódio-piloto.

Magistralmente encerrando muitas pontas, a ideia era encerrar a série… mas a CW viu que sua maior série não poderia acabar. Gough e Millar, assim como Michael Rosenbaum e Kristin Kreuk, saíram, e a solução foi rearranjar o elenco, a narrativa e os produtores.

Esta 8ª temporada vem com uma proposta em aberto, e os produtores utilizam tudo que podem, até mesmo dando indícios de uma Liga da Injustiça, e criando o Apocalypse, monstro que matou o Superman nos quadrinhos, e a Legião dos Super-Heróis.

Na outra ponta temos a bela Tess Mercer, que assume a presidência da LuthorCorp, e Justin Hartley reforça o elenco fixo como o Arqueiro Verde.

Considerando este novo posicionamento, a série não seria de toda ruim, mas esta “falta de amarras” deveria ter acontecido desde o começo. Agora fica a dúvida: quantas histórias mais se pode contar? Tendo encarado Lex, Zod, Brainiac, Bizarro e Apocalypse, e já tendo até o Mestre dos Brinquedos, o que faltará para Clark virar o Superman?

Com declarações e uma audiência subindo, já se tem a confirmação da 9ª temporada. Há gás pra tudo isso?

DO NOT DISTURB

Criada por Abraham Higginbotham, esta série se tornou mais uma daquelas que é cancelada pouco depois de estrear.

Neal Danner (Jerry O´Connell) é o gerente de um hotel badalado, ams só tem ideias malucas, batendo de frente com Rhonda Peet (Niecy Nash), a chefe do RH.

Feita para ser mais uma comédia de meia hora com risadas gravadas, DND é exatamente isso: uma comédia de meia hora e risadas gravada. E uma comédia fraca.

Em primeiro lugar, uma série que tem Jerry O´Connell (Crossing Jordan, Canguru Jack…) como o nome de maior destaque tem um sério problema. Aparentemente desconfortável, o ator faz caras e bocas em cada fala, para ver se algo sai engraçado, e acaba dando ênfase às palavras erradas no texto.
O resto do elenco se apoia nos estereótipos de homossexual, gordinha, anoréxica…

É fácil adivinhar a cena seguinte. Uma vez ou outra até vai, mas quando você se vê fazendo isso por todos os 21 minutos, é preocupante.

Felizmente, a série foi cancelada com 4 episódios exibidos.

Ano que vem teremos a última e derradeira temporada de Lost e isso deixará uma imensa lacuna nas mentes e corações da maioria dos Nerds.

Para preencher este espaço enorme, só mesmo uma superprodução da Jovem Nerd Pictures: Era de Apocalipse – a Série. Isso mesmo: uma série de mutantes para chutar a bunda de Heroes! (Eat This)

Para quem não sabe, a Era de Apocalipse é uma realidade alternativa onde Charles Xavier morreu e o mundo viu a supremacia mutante pelas mãos de ferro do arquivilão Apocalipse.

Nessa realidade, Magneto é bem mais ponderado e se torna o mentor dos X-Men, rivalizando com Apocalipse e tentando a todo custo evitar o confronto derradeiro entre o Conselho Humano e os Mutantes, que pode destruir o planeta.

Para esse Casting Nerd precisamos lembrar que se trata de uma série, o que inviabiliza o uso de mega astros do cinema, como Hugh Jackman e Ian McKellen, por exemplo. Por isso, vamos ser mais comedidos nessa seleção de atores.

Outra peculiaridade é que, essa história envolve muitos personagens então vamos dividir o casting por temporadas. Comecemos com um enfoque maior no núcleo dos X-Men de Magneto e alguns vilões.

MAGNETO

O Erik Magnus Lehnsherr da era de Apocalipse é um cara mais viril do que o do filme X-Men. Mesmo porque, acho que ninguém imagina o Ian McKellen pegando a Vampira. Para interpretar o papel do agora mentor cabeludo dos X-Men, precisamos de um corôa mais em forma:

JAMES MORRISON
Não confundam com o cantor. Estou falando do chefe de Jack Bauher, o já saudoso Bill Buchanan de 24H.

JOHN LARROQUETTE
De Boston Legal, vem correndo por fora. Sua cabelera branca o capacita para o papel, só precisamos ver se ele tem fôlego para pegar a Vampira.

ROBERTO JUSTUS
Depois de despontar como “cantor” e “apresentador”, está na hora do Donald Trump Brasileiro encarar Hollywood.

Em mais uma megaboga iniciativa do Jovem Nerd Pictures, adiantamos para vocês o reboot da série clássica dos anos 80: Esquadrão Classe A! E não há forma melhor de se iniciar um papo sobre os Soldados da Fortuna que não pela própria narração de abertura, toma aí:

“Há dez anos, uma equipe de comandos especiais foi mandada para a prisão por um tribunal militar por um crime que não haviam cometido. Esses homens escaparam da prisão militar de segurança máxima passando a viver secretamente em Los Angeles.

Ainda hoje são procurados pelo governo e sobrevivem como aventureiros, Soldados da Fortuna. Se você tem algum problema, se ninguém mais puder ajudá-lo e se conseguir encontrá-los, talvez consiga contratar o ESQUADRÃO CLASSE A.”

Produzida de 1984 a 1987, num total de 97 episódios, Esquadrão Classe A (ou The A-Team, no original) foi uma das séries dos anos 80 de maior audiência nos EUA, pela NBC, e fez bastante sucesso por aqui nas noites de terça do SBT (nos anos 90 foi exibida pela Globo).

Criação de Frank Lupo e Stephen Cannell, The A-Team era uma mistura de ação e aventura cômica que conquistou adultos e crianças, a ponto de vender milhões de bonequinhos action figures do B.A. para as crianças e de se estilizarem furgões como o do Esquadrão para marmanjões (às vezes o inverso também).

Cada personagem tinha suas características muito bem definidas e o esquema dos episódios também era bastante fixo: alguém precisava de algum tipo de ajuda que o governo não poderia dar. Esse alguém procura por um velho comum em uma lavanderia comum de Los Angeles, o que se tratava, claro, de belos disfarces para o Coronel Hannibal, líder e estrategista do Esquadrão.

A partir daí eles se juntam, conseguem os equipamentos e suprimentos necessários para a missão através do charmoso e esperto Tenente Templeton Cara-de-Pau e vez ou outra dopam B.A. para que este aceite voar com o maluco Capitão Murdock.

Está montada a base para as atuações tão caricatas quanto carismáticas que arrebataram fãs por todo o mundo e de todas as idades, dos gloriosos anos 80 até hoje (a série é reprisada pela TCM, canal por assinatura).

Já está previsto um filme da série, sem data definida para estreiar (foi adiado de 2009 para 2010 depois da saída do diretor John Singleton do projeto), e provavelmente terá direção de Joe Carnahan e a produção de Ridley Scott! Mas antes que corramos o risco de ter nossas memórias profanadas pelo novo filme, vamos decidir que atores estariam aptos a reviver a série dos Soldados da Fortuna sem transformar tudo numa tremenda galhofa. Agora é com vocês, nerds! Votem, nem que seja só pelo jazz…

JOHN “HANNIBAL” SMITH

Cabelo branco, charuto na boca, jeito canastrão, destruindo carros com guindastes e bolas de ferro, o coronel Hannibal é o líder e estrategista do time. É ele quem faz os contatos e as negociações e que bola os planos para as altas aventuras. Vivido originalmente por George Peppard (1928-1994), Hannibal adora quando um plano dá certo! Quem seria nosso experiente comandante?

BRUCE WILLIS
A canastrice em pessoa. Mais um papel para Bruce Willis viver… Bruce Willis.

BILL MURRAY
Uma ótima chance de revermos Murray em um papel cômico principal.

ALAN ARKIN
O experiente velhinho com olhar sacana e bom de papo.

O A-Team tinha esse nome porque a letra “A” designava o grupamento em que serviam nossos quatro soldados. Na tradução para o português o “A” acabou ganhando uma conotação de excelência (eles não são de qualquer classe, são classe “A”).

Mas não era bem assim. Os amigos de B.A. tiveram de aprender a se safar de altas confusões desde que foram acusados de roubar um banco em Hanói, Vietnã. Eles realmente roubaram o banco, mas era uma missão para a qual foram ordenados e acabaram sendo encriminados, depois que seus comandantes foram mortos em combate. Sem ter a quem recorrer, eles fogem e passam a viver na clandestinidade, atuando como mercenários, no melhor sentido da palavra.

Então estilizem seus furgões, façam seus moicanos e soltem esse monstro brega que há dentro de vocês, nerds! Votem e comentem, antes que Jack Bauer descubra que os Soldados da Fortuna estão em Los Angeles e acabe com a brincadeira em meia hora!

Olá, caros. Retornamos com a série de maior duração do “Canal Jovem Nerd”, o Fala Série, Schias!

Hoje vamos falar sobre três séries: uma com 9 temporadas (CSI), uma com 10 (Barrados no Baile) e uma nova (90210).

Enquanto a crítica a Heroes e Alice pode ter causado problemas, juro que esta será pacífica. Pode testar isso até em laboratório.

CSI

Hoje não vou falar da franquia (ainda), só da original, situada em Las Vegas.

CSI entrou recentemente em sua 9ª temporada, o que já seria um marco. Mas a verdade é que séries com muitas temporadas já não possuem o mesmo impacto de outrora – exceto CSI. Com episódios e arcos cada vez mais criativos e impactantes, somados à fórmula de ameaçar um da equipe a cada final de temporada…

(SPOILERS pra quem vê CSI pela Record)

Nick foi enterrado na 5ª temporada, Brass foi baleado na 6a e Sara é deixada embaixo de um carro no deserto na 7ª.

A 8ª temporada foi permeada pela saída de Sara, a má utilização da novata Ronnie Lake e Warrick tendo problemas com o mafioso Ghedda, que acaba morto. Quando Warrick é inocentado do assassinto, o Sub-Xerife atiora em seu peito e pescoço para não ser delatado como associado de Ghedda.

(SPOILERS PESADOS)

A 9ª temporada começa com Warrick morrendo nos braços de Grissom, e isso dá o tom do que está por vir. A temporada é vendida como a “que vai mudar tudo”, e a ideia é bem essa. Nunca CSI foi tão sombrio, mas a série se permite isso. William Petersen, o Grissom, sai da série e, a cada episódio, se percebe essa sua decisão. Como Catherine lhe diz, “Eu já sabia (que você sairia) antes mesmo de você.”

Difícil não ficar com medo do que será a série após a saída de Grissom, que acontece em um episódio com final até emocionante. Mas seu substituto é Ray Langstrom, interpretado por Laurence Fishburne, um ator que impoe peso na série com seu modo de interpretar o professor criminalístico e CSI perfeccionista.

Ao mesmo tempo, Fishburne fica como um alívio cômico involuntário, com a inexperiência de seu personagem. Lauren Lee Smith entra também para o elenco mas não muda muita coisa. Sua entrada serve mais para reforço em número, já que a equipe estava bem reduzida e, em alguns episódios, tinha de ficar em um só caso, quando já cuidaram de até quatro em um episódio só.

Petersen pode retornar, mas não há dúvidas de que CSI pode ainda continuar com força.

90210

Se você tem 30 anos, sua adolescência tinha na televisão a Globo “apresentando” Barrados no Baile (Beverly Hills 90210).

A série teen de 1990 durou uma década inteira, e fez um enorme sucesso nos EUA e aqui, misturando triângulos amorosos com problemas de drogas e brigas com pais. Para aqueles mais velhos que não admitiam ver a série, foi feita Melrose Place.

Quando chegou ao seu fim, os personagens já não eram teens, e tinham problemas com filhos, empregos, e outras coisas. E a maioria já tinha saído.

Porém, recentemente, a CW percebeu que suas principais séries teens, Smallville e One Tree Hill, já não tinham adolescentes no elenco (Clark Kent já tem seus 23 anos e One Tree Hill pulou toda a fase da faculdade).

Então surgiu 90210, um projeto que traria Barrados no Baile de volta aos adolescentes.
Mas é remake? Não, é a continuação mais safada que já se viu.

90210 continua o universo de BnB (que continuou em Melrose Place e Models, Inc.), com novos personagens repetindo as mesmas situações dos antigos. Se antes tínhamos a família Walsh chegando a Beverly Hills, agora é a família Mills. Se antes os irmãos protagonistas eram gêmeos (e por isso bem diferentes), agora um deles é adotado. Mas está tudo lá.

Jennie Garth, a Kelly, e Shannen Doherty, a Brenda, voltaram para mostrar o que aconteceu com suas personagens – para conquistar o público mais velho. A lanchonete Peach Pit também ainda existe. E os atores jovens são os que serão lançados para as capas de revistas.

Depois de Barrados várias séries teen surgiram, com diversos diferenciais, e a verdade é que os roteiros de 90210 seguem uma Cartilha de Como Montar Uma Série Teen. Você quer a menina triste porque os pais vão se separar? Quer a jovem atriz que, louca pelo sucesso, embarca nas drogas? Quer o rapaz que, para ganhar amigos, faz besteira? Tem tudo aí.

Mas não se engane achando que 90210 é ruim por só ficar nessa Cartilha. O grande problema de 90210 é que a Cartilha surgiu em Barrados. A série ficou refém da própria proposta de pegar o legado da anterior. Para quem não se incomoda com isso ou gostou da série anterior, é um prato cheio. Para quem quer algo inovador, é preferível ver se os produtores e roteiristas se livram destas “amarras”.
E vale lembrar que a CW já quer fazer uma nova versão de Melrose também…

Diretor
René Sampaio

Um épico. Uma espécie de tragédia grega adaptada ao sertão brasileiro. A saga de João de Santo Cristo ensaia virar filme já há algum tempo. Quem está a frente do projeto hoje é a Gávea Filmes, com direção de René Sampaio, com base em roteiro de Paulo Lins (Cidade de Deus) e um orçamento de R$ 6 milhões.

Como o filme ainda não tem elenco definido (até a presente data), o Jovem Nerd Pictures antecipa com exclusividade para você como ficaria essa mega produção brasileira, se os produtores fossem… vocês!

Este é o Casting Nerd – Faroeste Caboclo, o filme!

Você até pode não curtir Legião Urbana, mas tem de concordar: Faroeste Caboclo é uma canção simples e ao mesmo tempo genial. Longa, sem ser cansativa, pois nenhum dos seus 159 versos se repete, mesmo após seus nove minutos de duração! Renato Russo começou a compor a canção quando ainda tinha 19 anos, em 1979, mas ela só foi lançada no disco Que País é Este?, de 1987. Desde então tornou-se um clássico do rock brasileiro e uma das mais conhecidas e repetidas sagas de um anti-herói destas bandas.

Vote e escolha, então, que atores deveriam mergulhar de cabeça nessa história visceral e recriar visualmente a história cinematográfica da obra genial de Renato Russo.

JOÃO DE SANTO CRISTO

Nascido no interior da Bahia, João de Santo Cristo era um desajustado, no sentido próprio da palavra. A letra é tão genial que não dá ao leitor/ouvinte uma solução fácil para o motivo desta “inquietude”. Ele pode já ter nascido assim, o que indicam versos como “não tinha medo o tal João de Santo Cristo” ou “quando criança só pensava em ser bandido”, mas também pode ter adquirido do meio essa revolta – “ainda mais quando com um tiro de soldado o pai morreu”. Fato é que esse “desajuste” é o motor que o leva a uma trajetória ao mesmo tempo épica e dramática, nada cristã, é verdade, mas definitivamente cinematográfica.

EDUARDO MOSCOVIS
Ele está meio sumido, mas trata-se de um ator experiente e versátil, que pode ir do cômico (o caipira bronco Petruchio de O Cravo e a Rosa, novela de 2000, por exemplo) ao dramático (Alice, a minissérie ousada da HBO) facilmente.

LÁZARO RAMOS
Um dos nossos atores mais versáteis, já foi indicado a um Emmy em 2007 pela atuação na novela Cobras & Lagartos. Seja comédia ou drama, ele encara tudo. Além do mais é baiano como João de Santo Cristo, merece respeito!

SEU JORGE
Voz marcante, cara de mau e talento reconhecido na Europa fizeram de Seu Jorge um fenômeno recente. Sua participação no já clássico filme da retomada do cinema brasileiro, Cidade de Deus, 2002, como Mané Galinha, mostra que ele poderia viver nosso destemido anti-herói.

A saga heróica e cinematográfica de João de Santo Cristo marcou gerações e se tornou um hino da rebeldia sem causa da pós-ditadura. Mas é, antes de tudo, uma obra-prima de letra e acordes simples que fala no fundo da alma, como qualquer clássico.

Então é isso, nerds! Votem e declarem se Santo Cristo era santo porque sabia morrer! E se a alta burguesia não acreditou na história que eles viram na tv, terão de acreditar quando a virem nos cinemas! A Jovem Nerd Pictures leva para vocês! Ou não! Imaginem Jeremias no alvo da Winchester-22 gritando “na cara, não!”…

*Artes retiradas do PDF do projeto do filme. By Gávea Filmes.

Começamos aqui a terceira temporada do Fala Séries, Schias! Negociações com a “emissora” aconteceram, e agora tudo será diferente!

Será?

VAMOS COMEÇAR. PRONTOS?

Ok, vamos supor que é um programa de audiência, com uma base de fãs estabelecida. O que fazer para prosseguir, manter a série e não perder a linha criativa?

A solução de muitos é deixar tudo mais perigoso, sombrio. Se um vilão já era perigoso, fica quase mortal – quase, porque o protagonista vive. Se não havia um bom vilão, surge, logo dando trabalho. Já ouvi produtores dizendo que esta sempre é a “temporada dos vilões”.

Duvida?

Ben Linus fez seus jogos mentais, Lionel Luthor levou Lex à loucura e o Estuprador do Campus atacou Veronica Mars. E qual o nome do Volume 3 de Heroes? Vilões!

Mas existe aquela situação em que a fórmula, que envolve histórias fechadas em cada episódio, funciona tão bem que não existem motivos para mexer. Time que está ganhando, sabe? Essas séries buscam somente expandir sua mitologia, o que você conhece dos personagens, mas não muda nada bruscamente.

Qual a vantagem nisso? – você se pergunta. Se a série é, por exemplo, CSI, campeão de audiência, para quê arriscar? CSI Miami teve de arriscar ao matar um de seus protagonistas, mas porque o ator pediu para sair.

QUAIS AS REGRAS?

Não existem mais regras.

Cada série, a partir daí, precisa se firmar, estabelecer uma identidade. Lost quase se perdeu, Two and a Half Men se consagrou e Friends ganhou mais notoriedade.

Quanto ao Fala Série, esta terceira temporada terá mais episódios e, quem sabe, novidades.

Críticas, ideias e sugestões? Mande seus comentários.

Título
ROBOCOP: A Última Diretriz

Diretor
Christopher Nolan

Jovem Nerd Pictures e o Cumêcamão tem o prazer de anunciar um dos filmes mais esperados de toda a onda retrô dos últimos tempos: Robocop Remake!

O primeiro filme, Robocop, o policial do futuro (1987), traz Alex Murphy, um honesto policial de Detroit que, trucidado por uma quadrilha de ladrões de bancos, é usado num projeto que cria um ciborgue para proteger a cidade do crime. Em Robocop II (1990), o ciborgue volta para combater os bandidos e um robô ainda mais poderoso feito exclusivamente para derrota-lo. No terceiro filme, Robocop III (1993), Murphy precisa se voltar contra a corporação que o projetou para salvar Detroit da aniquilação em massa.

Apesar de ter a mão do consagrado Frank Miller, o segundo e terceiro filmes não são tão bons quanto o primeiro, que trazia um roteiro original e interessante, além de nenhum ranso de politicamente correto. Muitas influências são perceptíveis na trama, como o Exterminador do Futuro (de 1984), Isaac Asimov e sua vasta literatura de ficção científica, e até um antigo mangá chamado O Oitavo Homem. No entanto, o à época desconhecido diretor Paul Verhoeven conseguiu juntar inovação, ação, e uma boa história num blockbuster clássico que ficou marcado na nossa memória nerd.

Então, como seria o novo Robocop? Qual gostosa atriz faria parceria com o ciborgue? Que mega corporação estaria por trás de tudo? Qual o nome do novo filme? Essas e outras questões serão resolvidas por vocês nos itens abaixo. Então vote e comente, nerd! Prometemos que nada do que você disser será usado contra você no tribunal. Ou não!

TÍTULO

Nessa onda de remakes a moda é colocar títulos charmosos que diferenciam os novos filmes dos antigos. Batman Begins (2005) e Superman Returns (2006) são exemplos geniais (apesar do segundo ter de genial só o título mesmo). Então vote e escolha que nome teria o nosso ciborgue repaginado:

ROBOCOP 4 - Afinal, esse seria o quarto filme da série.

ROBOCOP: O futuro é agora - O policial do futuro, finalmente no… futuro!

ROBOCOP: A última diretriz - “Não seguir diretrizes”.

Robocop é um dos poucos exemplos de que valores como o bem e a honestidade não tem de ser necessariamente chatos. É possível criar uma história heróica sem se prender ao politicamente correto. Portanto, vote e escolha o elenco do quarto e corajoso filme do policial do futuro.

Aliás, você tem o direito de permanecer votando. Tudo o que você comentar será usado contra você nos próprios comentários. E siga a nova diretriz: aparecer por aqui na semana que vem para ver o resultado! Vivo ou morto, você vem conosco!

Conheço um compositor que tem a resposta na ponta da língua no caso de alguém sugerir que uma canção que ele escreveu é “parecida demais” com alguma outra: “são sete notas musicais; mais cedo ou mais tarde, alguém acaba repetindo uma sequência já utilizada”.

Tá certo, somente uma coincidência pode explicar, por exemplo, a bizarra similaridade melódica entre o refrão de Buffalo Soldier, de Bob Marley, e The Tra La La Song, tema de abertura de The Banana Splits Adventure Hour (se bem que não é difícil imaginar o senhor Marley, chapadão, assistindo ao programa e gritando “ya, man!” pra Drooper, o leão). Mas em outros casos, é pura questão de cara-de-pau mesmo – como Rod Stewart, que, depois de perder o processo de plágio movido por Jorge Ben Jor, ainda conseguiu se safar da encrenca doando os royalties de Do Ya Think I’m Sexy (cujo refrão é “parecido demais” com o de Taj Mahal, do brasileiro) pra UNICEF.

No universo literário, não há a desculpa fajuta das sete notas. Mas sempre resta o velho truque de alegar que uma eventual semelhança se trata, na verdade, de “referência”. Pra acabar com qualquer resquício de dúvida, basta citar nominalmente no seu livro o autor e a obra dos quais você chup… ops, nos quais você se inspirou e, pronto, ninguém vai poder acusá-lo de agir de má-fé.

Essa foi a estratégia adotada pelo estadunidense Dan Brown, cujo best seller O Código Da Vinci toma os argumentos envolvendo o Priorado de Sião “emprestados” do livro O Santo Graal e a Linhagem Sagrada. Brown não apenas cita a fonte como ainda usa os sobrenomes de dois dos autores, Richard Leigh e Michael Baigent, pra batizar um de seus personagens principais, Leigh Teabing (e nem se dá ao trabalho de criar um anagrama decente).

Os escritores citados se sentiram lesados, mas o processo movido por eles não deu em nada. Só serviu pra incrementar as vendas de sua própria obra e, de quebra, dar publicidade extra ao já hypado O Código Da Vinci. Particularmente, nenhuma das ideias me impressionou – nem as teorias conspiratórias de Leigh e Baigent e nem a trama de suspense de Brown. Afinal, uma das responsáveis pela minha formação literária foi a brasileira Stella Carr.

Crime em um museu e vilão misterioso? São os elementos principais de O Segredo do Museu Imperial. O Palácio de Cristal, em Petrópolis (RJ), inaugurado pela Princesa Isabel, pode não ser tão charmoso quanto o Louvre, em Paris; mas está ameaçado por um suposto atentado, previsto por uma menina com poderes paranormais. Cabe aos Irmãos Encrenca, Marco, Eloís e Isabel (protagonistas de diversas aventuras escritas pela autora carioca), impedir a tragédia – não sem antes cruzar com o homem com um zíper costurado na boca e o rapaz com olhos de fogo. O epílogo do livro ainda brinca com a história brasileira, ao imaginar o dia em que, aos 14 anos de idade, Pedro de Alcântara, filho de D. Pedro I, assumiu o governo e tornou-se imperador.

Conspiração e uma sociedade secreta? Já estavam lá, em O Fantástico Homem do Metrô. Dessa vez, aparições fantasmagóricas no metrô de São Paulo colocam os Irmãos Encrenca frente a frente com os segredos da Maçonaria; para desvendá-los, é preciso pesquisar em recortes de jornal do século 19 e seguir uma pista que passa por locais emblemáticos da capital paulista, como a quadra da Vai-Vai, a Biblioteca Mário de Andrade e a Faculdade de Direito do Largo São Francisco. Ao mesmo tempo, uma invasão de criaturas mutantes revela que a questão ambiental já era motivo de preocupação no final dos anos 1970.

A autora não se contenta em usar nomes de personalidades reais para batizar seus personagens. Ela prefere colocá-los dentro da obra, como os escritores Marcos Rey e João Felício dos Santos e o radialista Randal Juliano, entre outros, que aparecem em O Fantástico Homem do Metrô. E, ao invés de referência, ela parte direto para a reverência. É o caso de A Morte Tem Sete Herdeiros.

Assinado em parceira com Ganymédes José, o livro é uma divertida homenagem aos romances policiais de Agatha Christie (que, sim, um dia será abordada aqui na coluna). Na cidade de Jacuruçunga, os sete herdeiros do título se reúnem para o enterro do milionário Rogério Matta Leitão. Estranhas mortes, sumiços e regressos ocorrem e todos, preocupados com as revelações do misterioso diário do falecido, são suspeitos. Até mesmo o fantasma da criadora de Hercule Poirot e Miss Marple aparece pra mostrar quem é que manda.

Realmente, um compositor qualquer tem apenas sete notas musicais com as quais trabalhar; um compositor de verdade, por outro lado, elabora melodias que não apenas soam originais, mas que continuam sendo assobiadas com o passar das décadas e incentivam outros a criar suas próprias. Stella Carr certamente pertence ao segundo grupo.

“Bom mesmo é o livro que quando a gente acaba de ler fica querendo ser um grande amigo do autor, para se poder telefonar para ele toda vez que der vontade”, diz o adolescente Holden Caulfield em um trecho de O Apanhador no Campo de Centeio, de J. D. Salinger [autor já abordado na coluna Cabeceira].

Com essa frase, o personagem acaba descrevendo com perfeição não apenas a própria obra da qual é protagonista/narrador, mas também uma porção de outras – e não necessariamente literárias.

Na música, especialmente, a máxima é verdadeira. Difícil imaginar alguém que nunca se sentiu inexplicavelmente íntimo de um determinado artista; alguém que nunca se referiu a um guitarrista pelo primeiro nome, como se fossem velhos conhecidos; alguém que nunca teve a impressão de ter seus mais secretos sentimentos esmiuçados por uma música.

No meu caso, poucas são as bandas das quais me sinto tão próximo e que têm me acompanhado a vida inteira, como um amigo de infância. O QUEEN é uma delas.

Lembro-me com clareza dos clipes que eu assistia quando pequeno com meu irmão mais velho, em algum daqueles programas da era pré-MTV, tipo Clip Trip (em particular, os de We Will Rock You e Spread Your Wings, filmados na mesma locação e com o mesmo figurino. Vai ver, eles gastaram toda a verba em Bohemian Rhapsody e tiveram que apelar…).

Lembro-me ainda da estreia de Radio Ga Ga no Fantástico e da passagem da banda pelo Brasil na época do Rock In Rio (não, eu não vi a famigerada entrevista da Glória Maria com o vocalista Freddie Mercury naquele tempo… Mas, obrigado, YouTube!).

Em uma análise fria e racional, eu poderia dizer que o que mais atrai no Queen é o quanto eles conseguiam levar seu ecletismo ao extremo e, ainda assim, soar como uma autêntica banda de rock.

“Pogressivo”, glam, metal, ópera, tango, valsa, country, rockabilly, folk, ragtime, Broadway – tudo entrava na fórmula e virava uma música com a inconfundível assinatura do quarteto. Eu poderia ainda apontar que poucas vezes se viu uma reunião de instrumentistas, cantores e compositores tão talentosos no mesmo grupo. Eles criavam hits que ainda hoje são executados à exaustão nas rádios, como Crazy Little Thing Called Love e We Are The Champions, mas também tinham lados-B maravilhosos, como Long Away e It’s Late.

Mas o que torna o Queen tão especial pra mim é justamente a questão pessoal. É o fato de, na adolescência, eu ter podido esfregar na cara de um headbanger mala que o Metallica já gravou uma música da “banda de bichinha” (Stone Cold Crazy).

É o fato de eu ter atravessado algumas noites solitárias dublando, bêbado, Somebody To Love, no melhor estilo Renée Zellweger em O Diário De Bridget Jones. É o fato de eu ter tido como ponto alto da minha incipiente carreira “artística” o show que um dos meus projetos musicais fez no Queen’s Day, convenção anual de fãs da banda.

Eu não fui à apresentação que Brian May e Roger Taylor fizeram com o Paul Rodgers no Brasil. E não gostei nem um pouco do recente Cosmo Rocks. Eu até daria um tapinha nas costas do guitarrista e do baterista e lhes congratularia por terem finalmente deixado o passado pra trás e seguido em frente.

Mas, se eles pedissem minha opinião, eu diria que achei o disco uma m#rda e os sacanearia, perguntando por que não se aposentaram junto com o baixista John Deacon. Faria isso sem peso algum na consciência – como só os amigos íntimos se permitem.

Califórnia, 1985. Michael Jackson e Lionel Ritchie, companheiros (ôps) de gravadora, compõem a canção We Are The World e, em conjunto com mais 43 grandes músicos, em sua maioria norte-americanos, montam o grupo USA for Africa (United Support of Artists for África).

A humanidade estava cada vez mais consciente das dificuldades enfrentadas pelos países mais pobres.

No ano anterior, 1984, os britânicos criavam o Band Aid, não o curativo, mas um grupo de músicos (Sting, Bono, Phil Collins, Boy George, Paul McCartney, entre outros) que lutava para ajudar os famintos da Etiópia.

Até no Brasil a onda pegou, três anos mais tarde, claro. A campanha era chamada de Nordeste Já e contava com Jerry Adriani, Elza Soares, Guilherme Arantes, Neguinho da Beija Flor, Rosana e, pasmem, Monique Evans (?!). Sem comentários.

É claro que os mestres do marketing americanos fizeram mais sucesso e ficaram marcados na memória visual e musical de todos nós. A campanha USA for Africa rendeu cerca de 55 milhões de dólares entre singles, clipes, shows e, claro, merchandising.

We Are The World vendeu 7,5 milhões de singles e até hoje é cantarolada em Big Brothers, karaokês e bem aí na sua casa, agora mesmo, reverberando na sua mente enquanto você lê este texto e pelo resto do seu longo dia.

Mas e a pobreza, a fome, as doenças? Acabaram? Não. Então por que não reeditar o sucesso?! Pensando nisso (e em dar boas risadas) o Jovem Nerd traz para vocês o Casting Nerd – We Are The World II. Como seria a versão do clássico dos anos oitenta em pleno século XXI?

Que músicos/artistas/cantores atuais formariam o super grupo contra a fome no mundo? Contribua conosco e vote. Nerd are the world!

DICA: Aproveite para ouvir o Playlist do Cumêcamão dessa semana, baseado no Casting We Are The World II. Ouça canções dos artistas originais do USA for Africa! Vai lá e ouve!

MICHAEL JACKSON

A família Jackson ainda estava no auge, distante dos escândalos que mais tarde destruiriam seu astro maior. Michael Jackson era o maior ídolo pop jamais construído e fazia sucesso global, antes mesmo da globalização. Michael, principal articulador da campanha, canta o primeiro refrão de We Are The World com sua característica voz, digamos, fina, e suas roupas, digamos, brilhantes. Quem atualmente teria a coragem capacidade de dar tudo de si assim (e de incluir a família inteira no clip)?

BJÖRK
Já ouviu falar em pop de vanguarda? Parece contraditório ser popular e cult? Essa é Björk, uma cantora islandesa, conceituada sobretudo no cenário alternativo, que provoca seu público através do excêntrico. Ninguém mais estranho para substituir Michael.

MARILYN MANSON
Tudo bem, tem alguém mais esquisito para substituir Michael. O americano Marilyn Manson transformou propositalmente sua figura numa coisa grotesca, escandalosa e andrógena. Sua música é uma espécie de heavy metal industrial que cai muito bem em trilhas de filmes como Matrix e Resident Evil. Curiosidade: ele já interpretou um travesti chamado Christina num filme recente de Macaulay Culkin. É estranho ou não é?!

SNOOP DOGG
Um legítimo representante do hip hop americano, estilo que estava muito presente na música e na dança de… Michael Jackson. Na verdade, ele é um rapper conhecido por arrumar confusões (há até uma lista de países que não permitem sua entrada…). Sucesso e polêmica são características que não podem faltar no nosso novo Michael.

* * *

É isso, galera! Chega o momento em que vocês ouvem uma certa chamada!

Ô louco, meu, mais do que nunca vocês deram um passeio pelo mundo pop musical, leram e relembraram detalhes e informações sobre os maiores músicos e artistas da contemporaneidade. Agora é fácil. Basta votar naqueles que vocês gostariam de ver e ouvir numa regravação do clássico We Are The World. Quem teria cacife para substituir Michael, Lionel e seus amigos? Vote e decida! Faça como Michael, seja o mundo, seja uma criança e comece a se dedicar!

* * *

Nota do editor:
Esse clássico oitentista envolveu inúmeros talentos musicais que tivemos de deixar de fora. Dionne Warwick, Al Jarreau, Paul Simon e Willie Nelson são alguns exemplos.

Para não sermos injustos vamos colocar o nome de todos os 45 cantores e cantoras envolvidos, começando pelo maestro e produtor Quincy Jones: Dan Aykroyd, Harry Belafonte, Lindsey Buckingham, Kim Carnes, Ray Charles, Bob Dylan, Sheila E., Bob Geldof, Hall and Oates, James Ingram, Jackie Jackson, LaToya Jackson, Marlon Jackson, Michael Jackson, Randy Jackson, Tito Jackson, Al Jarreau, ,Waylon Jennings, Billy Joel, Cyndi Lauper, Huey Lewis and the News, Kenny Logins, Bette Midler, Willie Nelson, Jeffery Osborne, Steve Perry, The Pointer Sisters, Lionel Richie, Smokey Robinson, Kenny Rogers, Diana Ross, Paul Simon, Bruce Springsteen, Tina Turner, Dionne Warwick, Stevie Wonder.

Muitos nerds estavam torcendo pelo Globo de Ouro de melhor série dramática para True Blood.

Mas apesar do prêmio ter ido para Mad Men (o segundo carro-chefe das séries da HBO brasileira neste começo de 2009), a nova série vampiresca da HBO não saiu de mãos vazias.

Anna Paquin (a Vampira de X-Men, mas que aqui não é vampira) levou o globo de Melhor Atriz em Série Dramática.

Obrigação total para quem já jogou Vampire ou curte o universo vampiresco, o bom é que True Blood chega ao Brasil já com a segunda temporada garantida.

A série se passa em um mundo em que depois da criação de uma espécie de sangue sintético, o Tru Blood (sem o E mesmo), os vampiros “saem do caixão” e tentam se tornar parte da sociedade. Com isso tem aquela discussão sobre os direitos e deveres cada raça na sociedade.

Entre debates públicos sobre a aceitação ou perseguição deles e venda ilegal de sangue vampírico como uma nova droga, a garçonete de um barzinho na Lousiana, Sookie Stackhouse (Anna Paquin) passa o tempo com sua habilidade amaldiçoada de ouvir pensamentos alheios, quando Bill Compton (esse sim vampiro, de 153 anos) entra em seu bar.

Ela não consegue ler seus pensamentos e ele não consegue influenciá-la com seu “charme”. Praticamente feitos um para o outro, não?

True Blood é produzida e dirigida por Alan Ball, criador da aclamada Six Feet Under, e é uma adaptação da série de livros Sookie Stackhouse, de Charlaine Harris. Antes da estréia nos EUA uma ampla campanha de marketing viral foi lançada na internet, com sites, blogs, fóruns e até lojas em torno do universo da produção. Confira como foi no Brainstorm#9.

Antes que digam qualquer coisa, True Blood não segue a linha de Crepúsculo, série literária que enfoca um vampiro e uma adolescente que se apaixonam, que ganhou os cinemas e já tem continuação garantida. A série da HBO possui uma trama mais adulta com, claro, cenas de sexo e discussões envolvendo religião, preconceitos e algum humor mais forte.

O segundo episódio traz bem essa discussão do preconceito com os vampiros, quando Sookie leva Bill para jantar com sua família e sua melhor amiga, Tara.

A primeira temporada, com 12 episódios altamente elogiados e com boa audiência nos EUA, estréia dia 18 de janeiro, às 22h na HBO brazuca (veja aqui os horários alternativos).

Confira o trailer!

Colaboraram: Vinícius Schiavini e Isabela Cabral

Se você jogou Far Cry, apesar do nome, Far Cry 2 não é uma sequência. Esqueça ilhas e monstros geneticamente alterados. O jogo tem pé no chão e uma realidade impressionante.

A história se passa em um país fictício da África que está em guerra civil e é controlado por duas facções, a UFLL (United Front for Liberation and Labour) e a APR (Alliance for Popular Resistance).

Você é um mercenário contratado para matar O Chacal, contrabandista de armas que fornece para ambos os lados.

Assim que você chega no país, as coisas ficam feias. Você pega malária, o Chacal te acha e sabe que você está tentando matá-lo, e para sobreviver e chegar até o Chacal, você se vê forçado a trabalhar para as duas facções.

Jogabilidade: 8/10

É possível escolher entre 9 personagens, cada um com uma história diferente e com sutis diferenças durante o jogo, como armas iniciais e personagens secundários.

Como FPS (Tiro em 1ª pessoa) Far Cry 2 não tem muita inovação, a jogabilidade é a mesma de jogos atuais como Crysis, 007 e etc. Méritos vão para o gigantesco cenário africanao em modo sandbox, ou seja, como em GTA, você está livre para ir onde quiser, quando quiser, escolher suas missões na ordem que desejar.

O jogo é bem realista, portanto o jogador só pode carregar 3 armas de fogo, uma pistola/sub-metralhadora, um rifle/fuzil e uma arma mais pesada como um lança-mísseis/lança-chamas. Ah, e o facão! Pelo fato do realismo e o jogo se passar na selva, fica muito difícil de saber de onde vêm o fogo inimigo.

Existem vários veículos espalhados pelo cenário, entre caminhões, jipes, e asas delta. Cada um com uma característica diferente e todos eles podem ser pilotados.

A inteligência artificial do jogo é sólida, os inimigos se escondem, dão a volta no mato para flanquear, carregam seus feridos e fogem para chamar reforços com armas pesadas montadas em jipes, ou seja, tudo que um jogo de ação precisa.

Morrer em Far Cry 2 é bem difícil, você tem 4 barras de energia, mas se uma delas estiver na metade, se regenera quando o você fica alguns segundos sem receber dano. Você ainda conta com 5 seringas de cura. Se sua barra de vida estiver muito baixa, ao invés de remédio, você se verá retirando uma bala da perna ou braço com um alicate.

Fora isso, quando sua vida chega a zero, você ainda conta com o resgade de um mercenário camarada, que o arrasta para longe do combate e o defende até ter tempo de se curar.

O grande problema da jogabilidade é o pulo, pois não existe um botão em que você possa escalar ou apenas subir em uma cerca por exemplo, isso é um defeito muito sério para um jogo com tamanho realismo e pode irritar com o tempo.

Gráfico: 9 / 10

Os gráficos são extremamente realistas, a fictícia África foi muito bem construída, com animais, florestas, montanhas, desertos, oasis e tudo mais.

É possível ir onde quiser no jogo. Não existem as “paredes invisíveis”, e você pode ficar dirigindo por horas pelas paisagens entre uma missão e outra.

A iluminação está muito bem feita. O jogo transita de dia para noite, de céu aberto para chuva com realismo, à noite os inimigos e você ficam com o campo de visão reduzidos, portanto é mais fácil se aproximar deles para matá-los sem fazer barulho.

O que chama mais atenção é o fogo. O pessoal da Ubi Soft foi bem sucedido ao despertar o instinto piromaníaco de cada um. É muito divertido ver como cada material se comporta em chamas.

Com uma simples Flare Gun, você pode colocar fogo em um acampamento inteiro. Quanto mais mato, mais rapidamente o fogo se espalha.

Multiplayer:  8 / 10

O jogo em rede não foi o foco do jogo, mas é bem divertido. A grande diferença é o editor de mapas que já vem com o jogo. É simples de mexer e adicionar relevo, objetos, salvar  e jogar. Não tem mistério.

Então é isso. Se você quer encarnar um mercenário no meio de um fogo cruzado, com malária e com uma missão quase impossível, não perca tempo e compre logo sua cópia de Far Cry 2.

Disponível para PC , Xbox 360 e PS3.

Quem me conhece sabe que sou muito, mas MUITO fã de Jack Bauer. Assisto a cada episódio de 24 Horas pelo menos umas 6 vezes.

Depois de uma 6ª temporada que acabou com um arco que envolvia americanos, russos e chineses, a série ficou ausente em 2008 por conta da greve dos roteiristas, fazendo com que ficássemos mais de um ano sem Jack Bauer.

24: Redemption, telefilme que saiu nos EUA no dia 23/11, traz um país fictício africano, onde guerrilheiros treinam crianças para serem soldados. Mentira? Ficção? Se você acha isso, desligue o monitor e olhe para os lados.

O filme, de duas horas de duração (com os intervalos), se passa entre 3 e 5 da tarde da África.

Quando as crianças africanas são mostradas, devo dizer que elas falando americano com sotaque ficou algo muito forçado. Aliás, até entre os africanos eles só falam em inglês. Poderia rolar uma legendinha.

Bauer não deixa claro por onde andou (“lugares diferentes”), mas diz que não pretende voltar para casa. Aliás, quando o intimam a comparecer junto ao Senado para responder por prender e torturar bandidos, ele diz que é melhor irem pegá-lo. Ele conta com Carl (Robert Carlyle), seu amigo das antigas que realiza um trabalho humanitário com as crianças carentes em uma escola.

Devo dizer que é uma alegria voltar a ver Jack atirando e explodindo pessoas. É, agora ele joga dinamite nos guerrilheiros. Mas, quando ele é pêgo, decidem torturá-lo. Africanos, ele passou 2 anos na China sem falar NADA. Desistam.

Legal que não leva nada para entender a missão de Jack: escoltar o ônibus com as crianças até a embaixada americana. Mesmo sendo um filme de duas horas, o roteiro não complica nesta parte, ficando fácil compreender o que Jack terá de fazer.

Enquanto isso, em Washington, Jon Voight já aparece como o patrocinador dos guerrilheiros africanos. Tem alguém melhor pra fazer cara de sacana? Ele é apenas mais um que vai assistir a posse de Allison Taylor (Cherry Jones), como a primeira Presidenta dos EUA. Taylor é MUITO baseada em Hilary Clinton, mas deixaram Cherry Jones está muito apática.

Na trama, Noah Daniels (Powers Boothe), que deixa o Salão Oval, não queria nem que Taylor soubesse do problema africano, e manda os americanos abandonarem a embaixada.

Enquanto isso, um rapaz descobre as jogadas de Voight e copia os arquivos de todas as transações e conversas para seu computador pessoal. Dois homens entram na casa do rapaz, vasculham os arquivos e decidem torturá-lo para saber até onde ele sabe. A única pessoa para quem ele contou é justamente o filho da Presidenta, interpretado por Eric Lively. Será este o “problema” envolvendo o rapaz que foi anunciado para a 7ª temporada?

24: Redemption cumpre seu papel de saciar a saudade das tramas com tempo contado, e não cria mil e uma subtramas para a temporada que está por vir. Resta saber se a sétima temporada, que estreará em janeiro de 2009 nos EUA e dois ou três meses depois por aqui, aguentará.

Sendo um jogo muitíssimo comentado antes de seu lançamento, Mortal Kombat vs DC Universe (Xbox 360 e Playstation 3) sofreu com o grande e temível monstro da expectativa. As opiniões foram tão diversas e opostas quanto os dois universos que vieram se chocar no crossover.

Embora não seja algo muito relevante para um jogo de luta, MK vs DC vem com uma história. Além do modo clássico MK de lutas aleatórias, o modo single player oferece duas campanhas, uma para os personagens de MK outra para DC. Uma grande fusão dos dois mundos atinge heróis e vilões com uma fúria incontrolável que, convenientemente, é a razão da maioria dos combates.

O contexto é bem simples, no entanto oferece momentos divertidos com boas referências para quem é fã de quadrinhos. O vilão, como não poderia deixar de ser, é um amálgama entre Darkseid e Shao Khan (Dark Khan, é claro).

Ao todo são 22 personagens, mas depois de muita jogatina, a impressão é que são poucos. Bate logo aquela esperança de destrancar o Caçador de Marte, Aquaman, Johnny Cage ou Goro. Não adianta, os únicos presentes “escondidos” são os dois grandes vilões de cada universo ao completar as campanhas. E só.

Como já era de se esperar, a brutalidade sangrenta da série Mortal Kombat foi atenuada em troca das licenças dos ícones da DC Comics e da classificação Teen (para adolescentes).

Os Fatalities estão lá, mas não são nem de perto tão recompensadores nem violentos quanto os clássicos. Os heróis, por exemplo, não podem matar. Que exemplo seria esse para as nossas criancinhas? Então a solução foi substituir o golpe final por um Heroic Brutality.

Um dos mais discutidos foi o do Coringa, que atira no inimigo com uma pistola de brinquedo. A vítima se assusta, mas logo depois o palhaço puxa uma arma de verdade e o mata (mesma coisa para o Exterminador). Veja abaixo:

Na versão final, a câmera se aproxima do Coringa (ou Exterminador), mostra o tiro, mas não a vítima.

No entanto, isso não torna o jogo intragável. Desde Marvel vs Capcom não havia um encontro tão bom entre super-heróis e personagens de uma franquia de luta nos games. O jogo tem um ritmo rápido, sonorização excelente (melhor ainda com Home Theater bem alto) e o efeito que faz a tela tremer após um golpe forte faz você sentir a dor e o impacto da porrada.

Apesar de não ser nenhuma novidade, os minigames durante a luta trazem mais dinamismo para o combate.

No Klose Kombat você pode puxar o adversário para perto e iniciar uma seqüência de golpes mais agressivos simplesmente escolhendo um dos 4 botões.

O outro, por sua vez, faz as mesmas escolhas. Se os botões pressionados forem os mesmos, a defesa faz um contra-golpe e se livra do combo. A mesma coisa acontece no megaboga combate em queda (Free Fall).

Já no Test Your Might, um agarra o outro e sai galopando como um centauro insandecido através de paredes. Consiste apenas em apertar botões rapidamente para maximizar o dano (ou minimizar para a defesa).

Veja os três modos no vídeo:

Entre outras funções como o Combo Breaker e o Rage (porradas mais potentes durante alguns segundos), os Super Moves são a estrela do jogo, principalmente para os heróis da DC.

É bem empolgante ver o Batman sumir numa explosão de fumaça e cair dos os dois pés em cima do adversário. Ou mesmo congelar alguém com o sopro do Superman, jogá-lo para o ar, voar e dar aquele murro no peito em direção ao chão.

Apesar de diversas, as combinações para os golpes especiais seguem um padrão parecido para todos os personagens. “Para baixo, para frente e botão”, ou “para trás, para frente e botão”. Bem fácil de decorar. Já os Fatalities continuam com combinações mais complicadinhas, e que você TEM que procurar na internet (aqui).

É bem frustrante quando aparentemente você faz tudo certo e mesmo assim não consegue o Fatality. O jogador casual rapidamente se cansa e nem tenta mais. Campanha One-Button-Fatality já!

Apesar do ambiente e personagens em 3D, o jogador saudosista que detesta o famigerado “passinho para o lado” pode abandonar o controle analógico e apenas usar os direcionais do D-Pad. Nele, “seta para cima” é pulo e “seta para baixo” é agachamento. A partida fica totalmente linear.

Tanto o visual quanto as animações fazem jus aos consoles de nova geração. O chão racha, paredes estouram, crateras se abrem e detritos voam. Mas o melhor mesmo é ver o uniforme e máscara do Batman completamente rasgados ao terminar uma luta. Cortes, hematomas e espirros de sangue dão um toque de violência menos sutil que os Fatalities.

Os diferentes estilos de luta também trazem bastante diversidade para o MK vs DC. Enquanto a maioria dos ataques da Mulher Maravilha são acrobáticos e de curto alcance, os do Capitão Marvel são mais “energéticos” e de médio/longo alcance.

O Flash, por exemplo, não dá chutes, só socos super-rápidos. O jogo não necessariamente foi projetado com o conceito “pedra, papel e tesoura”, mas com o tempo você pode notar que um personagem é melhor para enfrentar outro, e etc.

Veja os megaboga combates entre Batman vs Subzero e Superman vs Raiden.

Mortal Kombat vs DC Universe pode não ser uma obra-prima dos jogos de luta, mas de jeito nenhum é o fracasso que muitos temeram.

É sem dúvida um casamento muito interessante de temas e bastante divertido. Tanto para quem conhece quanto para quem nunca jogou Mortal Kombat na vida.

No fim, restam duas dúvidas: Quem serão os personagens da seqüência e o que a Marvel vai fazer a respeito disso.

Experimento Filadélfia, Projeto Filadélfia ou Philadelphia Project, não importa como chamemos, é uma teoria conspiratória siniiiistra, que depois de pesquisa-la, até demais, comecei a achar que é uma maluquice e que fica impossível saber o que é mentira, o que é verdade e o que é conspiração do Governo Americano (claro!!!).

Essa experiência, ou projeto, seja lá como você prefira chamar, é tão louca que no desenrolar dela eu deveria falar também do Projeto Montauk, de controle mental e dos Grey… sim amiguinhos, dos nossos queridos alienígenas-anões cinzentos! Mas vou me atentar o máximo possível ao que considerei menos insano e mais plausível, por assim dizer.

Prólogo

Em 1943 o Governo Americano iniciou testes para um experimento sem precedentes na industria bélica. O projeto consistia em tornar um Destroyer (navio de guerra) invisível para radares inimigos. Mas ao que tudo indica os testes deram errado (ou MUITO certo) e o navio não só desapareceu como se transportou para 40 anos no futuro.

Muitos livros e um filme, o “The Philadelphia Experiment” (1984) abordaram o assunto, mas o que o tornou famoso e “certeza” pra 9 de cada 10 conspirólogos foram dois personagens, no mínimo curiosos: Carl Allen e Al Bielek.

Malucos ou testemunhas oculares?

Após ler o livro “The expanding case for the UFO” (o livro abordava casos de OVNS, abduções, desmaterializações…), de Morris Jessup, em 1956, um oficial da marinha americana chamado Carl Allen resolve se corresponder com o autor e contar uma história que chamou a atenção de Jessup.

USS Eldridge

Allen relata o aparecimento de um Destroyer e o posterior sumiço do mesmo diante dos seus olhos, quando estava embarcado em seu navio, também um Destroyer da marinha americana, em Norfolk, Virginia, no mês de outubro de 1943. Mas como não deu muitas provas concretas a Jessup, este resolveu dar por encerrada a pesquisa sobre o assunto.

Carl Allen chega a negar o que disse sobre os incidentes do Destroyer, para o Escritório de Pesquisa de Fenômenos Aéreos (APRO) em 1969. Mas 10 anos mais tarde reaparece, dando entrevista para Moore & Berlitz no livro “The Philadelphia Experiment” e readmitindo tudo. Este livro acaba tornando a história famosa e lendária.

Em meados dos anos 80 ressurge das cinzas um personagem que seria uma testemunha viva do experimento, Al Bielek, um cientista, alegando ser o responsável pela eletrônica a bordo do navio do Experimento Filadélfia. De acordo com Bielek, o Experimento ocorreu em duas fases, em 23 de julho e 12 de agosto, e não em outubro.

Segundo contou, o projeto não só resultou no teleporte como também em uma viagem no tempo. Disse também que sofreu lavagem cerebral e só lembrou dos fatos após ver o filme sobre o incidente (“que conveniente”). Bielek era Ph.D. em Física, o que ajudou a dar uma certa credibilidade no que dizia, com detalhes técnicos sobre o experimento, mas nada muito diferente do que se via no filme. Ele também disse que foram supervisionados pelos amiguinhos cinzas, os Greys, mas ninguém deu crédito, então ele se calou sobre isso, mas particularmente eu acho mais legal essa teoria.

O que aconteceu… ou não…

Existem algumas falhas e desencontros de datas e dados nas diversas teorias encontradas sobre o assunto. Assim sendo, decidi reorganizar os fatos de um modo coerente que possa tornar a teoria mais plausível. E farei isso sem dó nem piedade, porque afinal de contas essa bagaça de coluna é minha e eu escrevo o que eu quiser.

Já que estão todos de acordo, vamos lá:

Nos início dos anos 40 a Marinha Americana deu início a um projeto militar visando tornar sua frota de navios invisível física e eletrônicamente. Eram líderes deste projeto Nikola Tesla, Albert Einstein e John (ou Janus) Von Neumann, este último um físico húngaro. Foram estudadas técnicas relativas ao eletromagnetismo, Teoria Unificada de Campos e suas possíveis aplicações.

Albert Einstein e Nikola Tesla

John Von Neumann

Com base nos estudos de Tesla e Einstein chegou-se a uma versão desta teoria para curvar a luz em volta de um objeto e torna-lo invisível. Isso teria exigido equipamento especializado e muita energia. A Marinha teria considerado isto valioso para uso em guerra e patrocinou a experiência.

Então no verão de 1943 (Tesla já havia falecido) iniciaram-se os testes no estaleiro da Filadélfia, sendo bem sucedidos, porém em grau limitado. Mesmo assim em 22 de julho, com o Destroyer USS Eldridge devidamente equipado, o experimento foi posto em prática.

Como resultado o navio tornou-se quase completamente invisível, com algumas testemunhas relatando um “nevoeiro esverdeado” em seu lugar. No entanto, os membros da tripulação teriam se queixado de náuseas depois. Nesse momento, a experiência teria sido alterada a pedido da Marinha, com o novo objetivo a ser exclusivamente invisível ao radar.

Propositalmente ou não, os equipamentos não foram ajustados para o fim esperado pela marinha e em 28 de outubro novo experimento foi realizado. Quem testemunha, mesmo não propositalmente, este novo teste é Carl Allen, nosso marujo e primeiro a divulgar a história ao mundo.

Base Naval de Norfolk

E como dito por ele, enquanto estava a bordo do navio Liberty USS Andrew Furuseth na área de Norfolk, Virginia, um navio, do tipo destróier (o USS Eldridge), subitamente surgiu de lugar nenhum, parcialmente coberto por uma névoa verde de forma esférica. O navio permaneceu por apenas alguns minutos e então desapareceu novamente, em um aparente caso de dispersão acidental, ou teletransporte.

À bordo do USS Eldridge

Muitos eventos misteriosos ocorreram com a tripulação do segundo experimento. Quase toda a tripulação adoecera estranhamente. Alguns teriam passado a sofrer de doença mental, comportamento compatível com a esquizofrenia.

Outros membros imóveis, teriam desaparecido fisicamente de forma inexplicada e cinco tripulantes teriam se fundido ao metal do convés do navio. Parados, outros desapareceram dentro e fora do campo de vista. Às vezes eles desapareciam, reapareciam em outro lugar, de repente, explodiam em chamas. Óbvio que os que sobreviveram sofreram lavagem cerebral!

Suposta tripulação do teste, dezembro de 1942

Como não conseguiam explicar os eventos ocorridos com o navio e sua tripulação, o Governo Americano criou um comitê de pesquisa chamado Projeto Fênix, comandado por John Von Neumann. As pesquisas continuaram e, para afasta-las do público, em 1971 o projeto foi transferido para uma base da Aeronáutica em Montauk, Nova York, e rebatizado como Projeto Montauk (onde provavelmente Al Bielek também estava trabalhando).

Estação de radar abandonada em Montauk Point

Então em 12 de agosto de 1983 um novo experimento foi posto em prática e acabou abrindo um túnel temporal, causando um looping temporal e trazendo o USS Eldridge para o futuro. Nosso amigo Al Bielek participou desta fase, assim como outros que contavam as mesmas coisas que ele contou, como os detalhes técnicos dos testes e o fato de terem sidos submetidos a lavagem cerebral para esquecerem o que aconteceu, mas nada de muito concreto e palpável sabe-se mais.

Curiosidades e fatos estranhos (ou mais estranhos…)

• Em janeiro de 1951 o navio USS Eldridge foi entregue à Marinha grega como parte do programa de ajuda militar, junto com três outros destróieres Cannon. Estes quatro navios ficaram conhecidos na Marinha grega como as “quatro bestas” por causa dos nomes que receberam: Aetos (Águia), Ierax (Falcão), Panthir (Pantera) e Leon (Leão). Dois destes navios se tornariam bem conhecidos nos anos seguintes. Aetos “estrelou” em alguns filmes (“Os Canhões de Navarone” entre eles) e Leon, D-54, como o ex DE-173 Eldridge, ou o navio do Experimento Filadélfia.
• O escritor Morris Jessup (que se conrespondeu com Carl Allen) se suicidou dois anos depois de ter sido convocado pelo Escritório de Pesquisa Naval do Governo dos EUA (ONR), onde lhe mostraram uma cópia do seu livro com várias anotações sobre suas pesquisas de OVNIS, ligadas ao Projeto Filadélfia, viagens interplanetárias… O livro foi estranhamente publicado com as anotações dos militares, numa tiragem especial, de poucas cópias.
• A Marinha dos EUA jura de pé junto que nada descrito acima aconteceu. Allen haveria confundido conversas que ouviu e tratavam do degaussiamento (degaussing) de navios para protegê-los contra minas e torpedos magnéticos (torná-los “invisíveis” a dispositivos ativados por magnetismo). Talvez Allen também tenha interpretado mal, intencionalmente ou não, outros dispositivos experimentais, mas não exóticos, que estavam na ocasião montados em navios, como parafusos de novos tipos, novos sonares, etc.

PARA LER

• As cartas de Carl Allen (em inglês) – Parte 1 | Parte 2

FONTES

• O Experimento Filadélfia: História e Mito
• Experimento Filadélfia no Wikipedia
• Conspirações. Aran, Edson (Ed. Geração Editorial)

Eu acredito na America…

A Jovem Nerd Pictures e a Cumêcamão Associations tem o orgulho de apresentar a série MADE IN BRAZIL: como seria se fosse feito aqui? No episódio de hoje: O Poderoso Chefão.

O clássico dirigido por Francis Ford Coppola a partir da obra de Mario Puzo dispensa comentários. É um marco do cinema, uma alegoria do capitalismo selvagem e das relações de honra e fidelidade entre os homens. Uma trilogia quase perfeita. Da teimosia virtuosa de Coppola à redenção do temperamental Marlon Brando, da fotografia sombria e extremamente coerente de Gordon Willis à estupenda trilha sonora de Nino Rota.

Da ascensão meteórica de um desconhecido Al Pacino à genial e justa escolha de De Niro para viver o jovem Vito (papel que lhe rendeu o Oscar de ator coadjuvante), The Godfather conseguiu se tornar um clássico do cinema, sem perder a marca hollywodiana do bom entretenimento.

Como seria, então, uma adaptação brasileira para O Poderoso Chefão? Seria um Tropa de Elite mais charmoso, uma galhofa sem tamanho ou registro ainda mais sensível da condição humana?

Viaje nesse universo paralelo. Beijem respeitosamente nossas mãos, filhos, e escolham os atores nacionais que fariam dessa adaptação um estouro.

DON VITO CORLEONE

O poderoso chefão, o padrinho, o grande Capo. O maior papel de Marlon Brando, ganho no último minuto devido à insistência de Coppola e à genialidade de Brando ao fazer os testes (conta a história que ele encheu as bochechas de algodão para “formar” o personagem). O nosso padrinho teria de demonstrar frieza e crueldade ao mesmo tempo em que provoca carinho e respeito nos intelocutores.

PAULO CESAR PEREIO
O sarcástico ator de cem filmes e de todas as escolas do cinema brasileiro tem a voz perfeita para o grande Capo.

WALMOR CHAGAS
A vasta experiência no teatro e sua mania de perfeccionismo o credenciam ao papel.

TARCÍSIO MEIRA
Ex-galã, Tarcísio se mantém na ativa graças ao seu talento minimalista. Atualmente está em A Favorita como o chefe de família Copola (curioso, não?).

É isso. Viajem na imaginação. Como seria a adadptação brasileira para um dos maiores clássicos do cinema mundial?

Qualquer dia, e esperamos que esse dia nunca chegue, vamos pedir a ajuda de vocês e vocês vão fazer um serviço para nós. Por enquanto, aceitem este casting como um presente. Mas se deixarem de votar, quebrarão nosso coração.

Votem como nunca, filhos, e aproveitem para comprar o box de colecionador. Afinal, nós nunca pedimos um segundo favor, depois que se recusa o primeiro. Capice?

Famiglia… Cent’ Anni’…

As grandes, as boas, as ruins e as novas séries. Todas começaram a voltar, e teremos aqui uma série de análises de como elas se saem.

Quer começar de forma polêmica?

HEROES: VOLUME 3 – VILLAINS

Comparar a terceira temporada de Heroes com a segunda é covardia. Mas não quer dizer que o Volume 3, Villains, seja uma maravilha.

Os produtores de Heroes tiveram um ano para preparar algo extraordinário, mas houve medo. A resposta, em parte, foi um “vamos voltar pra primeira temporada, que deu certo”.

(A partir de agora, posso soltar alguns SPOILERS)

• Nathan Petrelli (Adrian Pasdar), após um “milagre”, volta a ser político e vira senador, fácil assim. Ele sumiu da vida pública entre as temporadas 1 e 2;
• Noah Bennet (Jack Coleman) volta a trabalhar para a Companhia;
• Peter Petrelli (Milo Ventimiglia) volta a vislumbrar um futuro com Nathan Presidente e onde os superpoderosos ferram tudo;
• Existe alguém que pinta o futuro, mas agora mora no deserto africano;
• Linderman (Malcolm McDowell) aparece, mesmo tendo sido morto no final da 1a temporada.

Por outro lado, houve uma busca por inovações, o que tornou as coisas interessantes… ou bem idiotas:

• O talento de Zachary Quinto foi reconhecido, e Sylar ganhou muita importância na trama. Pena que, para isso, ele tenha deixado de ser aquele vilão insaciável de cérebros para chegar a pedir a ajuda de Peter;
• Ali Larter ganhou uma nova personagem bem interessante, Tracy Strauss. Mas Niki morreu sem nunca ter sido bem utilizada, e Micah (Noah Gray-Cabey) mal aparece em um episódio;
• Elle (Kristen Bell) é uma das poucas que Sylar não pega facilmente, mas só. Para quem já protagonizou sozinha uma série por 3 temporadas, estão deixando Bell de lado;
• Novos personagens são interessantes… quando não são mal utilizados, esquecidos e deixados de lado. Onde está Molly Walker (Aidar Tishler), que pode achar qualquer pessoa? E Robert Bishop (Stephen Tobolowsky), então?
• “Hiro, não abra o cofre”, e o que Hiro (Masi Oka) faz? Ele abre o cofre!
• Mohinder (Sendhil Ramamurthy) continua chato, e quando Maya (Dania Ramirez) manda ele se livrar do soro que podia dar superpoderes, ele vai jogá-lo no rio e acaba o injetando em si mesmo. Porra, jogasse na privada, seu animal!

Ficou claro que a intenção foi boa, mas o receio de criar algo igual ao Volume 2 fez com que todos os personagens ficassem limitados, e suas tramas muito “jogadas”. É revelado um laço familiar que não é contestado nem por dez minutos e logo todos se tratam como família.

Fica claro também que Masi Oka não tem talento apenas para ser a veia cômica. Que Ali Larter podia ter uma personagem minimamente trabalhada. Que não dá pra girar tudo em torno da Família Petrelli e que, perto disso, a Companhia em si fica pequena (aliás, surge uma rival, Pinehearst – por que a Companhia não tem nome? É Primatech?).

Para não dizer que só ataco a série, devo admitir que algumas coisas me surpreenderam e animaram, como alguns dos vilões que escapam do Nível 5 da Companhia. Os poderes criados são cada vez menos óbvios, como ficar forte com o medo dos outros. Mas isso ainda é pouco, muito pouco.

Do outro lado da moeda de mesmo valor temos Alice.

A nova série brasileira da HBO veio com tudo. Eu mesmo disse várias vezes que mal podia esperar para ver a série, que mostraria Alice (Andréia Horta), uma moça do Tocantins que vem pra São Paulo quando o pai se mata.

“Conteúdo na internet, entre os universitários e tudo mais. Promete. Oba.”

Prometia…

Quando saquei que a história seria uma analogia com Alice no País das Maravilhas, fiquei com medo. O episódio inicial, “Na Toca do Coelho”, só confirmou tudo.

A premissa da série era a que escrevi acima, e nada foge daquilo. Muito pelo contrário.
A série começou corrida demais. Alice, que não é boba (e faz sexo direto com o noivo), vai para São Paulo enterrar o pai e reencontrar a tia, a meia-irmã… e se perder indo para o aeroporto.
Forasteiros se perderem em São Paulo é um baita clichê.

Aí ela liga para a tia (que leva três horas e meia para tomar banho) e acaba chamando uma amiga, que a leva para uma “festa estranha, com gente esquisita”. De lá ela já conhece um “gringo” (é colocado bem assim), que tenta flertar. Ela resiste mas, depois que ele coloca um fone de ouvido nela, ela topa e eles vão pra cama (ela é colocada bem assim).

Peraí, fone de ouvido que dá transe (ou transa) não é de Heroes?

Enfim, correram com a história para já colocar Alice como uma alienada no mundo do sexo fácil e das baladas de São Paulo para só depois, nos episódios seguintes, trabalhar o lado família da moça, o que dá maior profundidade e nos permite entender a seriedade de sua mudança, de querer largar o noivo e a vida.

Andréia Horta não faz feio – muito pelo contrário, conseguiu criar uma Alice com um charme infantil e uma Alice femme fatale. Mas a forma como as coisas foram jogadas não ajuda.

Como diria o detetive Murtaugh, “I’m getting too old for this shit”. Mas quando eu era mais novo, adorava esses mega-festivais de rock. Tinha um grupo de amigos que ia a todos. O ponto de encontro era sempre algum boteco, onde rolava aquela “calibrada” etílica.

De lá, já partíamos pro estádio, pois gostávamos de chegar cedo, nem que fosse pra ficar “cornetando” as bandas das quais não gostávamos.

Nessas maratonas, debaixo de sol e chuva, enfrentando filas e os incontáveis atrasos das apresentações, um dos nossos passatempos preferidos era tentar adivinhar com que música esse ou aquele artista iria abrir o show.

A coisa chegava a tal ponto que muitos desenvolviam intrincadas linhas de raciocínio pra justificar seus palpites. Rolava aposta e comemoração quando alguém acertava. [O leitor mais jovem tem que entender que esses acontecimentos são de uma época em que a internet ainda não estava lá pra permitir que se acompanhasse, praticamente em tempo real, o repertório de cada etapa da turnê de um artista.

A vinda do AC/DC ao Brasil em 1996 marcou a única ocasião em que houve consenso – nós tínhamos certeza absoluta de que o show iria começar com Hard As A Rock. Afinal, a faixa tinha sido o primeiro single do Ballbreaker (álbum que a banda estava promovendo na época); e nós sabíamos (graças ao disco Live) que os shows da turnê anterior, do The Razor’s Edge, tinham começado com Thunderstruck – justamente o primeiro single daquele álbum.

Pois quando Angus Young e sua trupe entraram no palco, foi no melhor estilo “pé na porta, tapa na cara” – despejaram logo Back In Black em cima da galera. E o gramado do estádio do Pacaembu ficou coberto com os fragmentos das nossas cabeças explodidas.

A banda australiana virou do avesso tudo o que nós achávamos que sabíamos a respeito de montagem de repertório – ao colocar um de seus maiores clássicos já na abertura do show, era como se eles nos dissessem: “Sim, nós podemos nos dar ao luxo”.

Lembro-me de, ainda criança, na era pré-MTV, ter visto na tevê alguns clipes do AC/DC (mais tarde, fui descobrir que eram das músicas Who Made Who e You Shook Me All Night Long).

No entanto, foi só na adolescência que eu me interessei de verdade pelo trabalho da banda, graças aos já citados The Razor’s Edge (Thunderstruck e Money Talks me incentivaram a comprar o LP) e Live (um primo meu, recém-chegado do Japão, tinha trazido a edição dupla em CD, que logo tratei de gravar em cassete).

O clipe de Jailbreak me apresentou ao Bon Scott. E, com o tempo, passei a curtir mais essa fase inicial do que a com o atual vocalista Brian Johnson.

Mas isso é apenas questão de gosto pessoal – o que realmente importa é que, mesmo depois de discos marcantes (como Let There Be Rock, o ao vivo If You Want Blood You’ve Got It e o magnífico Highway To Hell) e da trágica perda de seu frontman (Scott morreu em 1980, após uma noitada de bebedeira alucinada), a banda deu a volta por cima bonito. Com apenas dois álbuns (Back In Black e For Those About To Rock), Johnson conseguiu se consolidar como “a voz” do AC/DC – e a banda atingiu o auge do sucesso.

Independentemente de quem seja seu vocalista preferido, é inegável que a grande figura da banda é o guitarrista Angus Young – que pode perder para outros músicos em termos de técnica ou influência, mas que, na minha opinião, representa como ninguém a essência do rock, com suas performances enlouquecidas e seus solos incendiários.

Duvido que exista um moleque que, aprendendo a tocar guitarra, nunca tenha imitado os trejeitos do escocês maluco. Eu sei que eu imitei.

Aquele show de 1996 começou com explosões de cabeça, mas terminou da maneira como todo mundo esperava – com os canhões disparando em For Those About To Rock. E, de certa maneira, isso reflete bem a carreira do AC/DC.

Eles podem te surpreender de vez em quando (como com o uso do slide em Stormy May Day, faixa do mais recente álbum, Black Ice); mas, de modo, geral, você sabe muito bem o que esperar de um disco da banda. E é sempre bom ter instituições sólidas nas quais confiar.

Eu não tenho nada contra a Mallu Magalhães. Acho que ela canta direitinho, toca um violão que dá pro gasto e tem bom gosto musical (se bem que, tempos atrás, vi um programa de tevê no qual ela falava bem do Cachorro Grande…). Pra ser sincero, até simpatizo com a moça pelo fato de, ao completar 15 anos, ter dito aos pais que queria sua parte da festa de debutante em dinheiro, pra poder entrar no estúdio e gravar sua demo – o que é uma atitude bem nerd. Bom, atitude de nerd burguês, é verdade. Mas, até aí, ninguém fica recriminando o Alottoni por ter mais de um videogame, não é? Não é?

O problema é que o hype me irrita. Deve ser alguma falha de caráter minha; algo sobre o qual eu deveria conversar com o terapeuta ou com o pastor, sei lá. Mas eu simplesmente não consigo evitar: sinto uma aversão natural a tudo aquilo que os “formadores de opinião” tentam me empurrar como sendo cool. Parece-me que a imprensa “antenada” não tem lá muito critério – ao eleger seus favoritos da semana, colocam no mesmo saco os realmente bons e os medíocres bons de marketing. Convenhamos: será que não é no mínimo justo eu desconfiar do que me diz a MTV, que há alguns anos tinha declarado a morte do videoclipe? Ou a Rolling Stone, que estampa na capa a Ivete Sangalo (vestida) e o NX Zero (pelado)? Ou o Lúcio Ribeiro, que gosta do CSS?

Felizmente, eu não acompanhei o frisson causado pelo livro de estréia de Jonathan Safran Foer, que foi alçado ao posto de queridinho da crítica literária estadunidense em 2002. Assim, livre de qualquer preconceito que o hype poderia ter me inspirado, eu me deparei com seu segundo (e, até agora, mais recente) romance, Extremamente Alto & Incrivelmente Perto, numa livraria e, atraído pelo texto da orelha, comprei um exemplar. Narra as aventuras de Oskar Schell, um garoto de nove anos que encontra uma chave misteriosa no armário do pai, recém-falecido no atentado ao World Trade Center. O personagem é encantador – precoce, Oskar passa os dias imaginando invenções malucas, estudando francês e ouvindo os Beatles. Ele aprende com a avó o que é se sentir “cem dólares” e, em sua jornada em busca da fechadura que será aberta pela chave, encontra um “googolplex” de pessoas interessantes.

Foer utiliza narrativas paralelas – além da história de Oskar, há uma série de cartas escritas pela avó do garoto e o diário do homem que vai “perdendo as palavras” até ficar mudo. O autor também abusa dos recursos gráficos, truque que alguns podem achar “pirotécnico” demais, mas que às vezes funciona bem, especialmente quando associado a boas sacadas. É o caso das páginas dos cadernos que o homem que perde as palavras usa para se comunicar com as pessoas – no final do dia, quando o caderno está todo preenchido, ele é forçado a recorrer a frases que ele já escreveu e tentar encaixá-las em diferentes situações.

Extremamente Alto & Incrivelmente Perto só não ganha nota dez porque, no final, Foer peca pelo excesso. O livro termina com uma determinada seqüência de fotos; infelizmente, algumas páginas antes, o autor faz questão de explicá-la, o que tira completamente o seu impacto. Mesmo assim, é uma grande obra, que me motivou a dar uma chance ao tal do elogiadíssimo romance de estréia: Tudo se Ilumina.

Nele, Foer se coloca como um dos personagens centrais – ele viaja até a Ucrânia, em busca de uma mulher que pode ter salvado seu avô das mãos dos nazistas durante a Segunda Guerra Mundial. A jornada é narrada por Alex, um jovem ucraniano que fala um inglês “macarrônico” no melhor estilo Borat e que trabalha como guia turístico. A dupla é acompanhada pelo avô de Alex e pela cadelinha Sammy Davis Junior Junior (sim, Junior Junior). Assim como em seu livro seguinte, o autor faz uso das narrativas paralelas. A principal é a história do shtetl (aldeia judaica) de Trachimbrod, onde teriam vivido os antepassados de Foer; mas há também trechos de diários, cartas e livros.

Tudo se Ilumina rendeu uma adaptação para o cinema em 2005, dirigida por Liev Schreiber (que viverá Victor Creed/Dentes-de-Sabre no filme solo do Wolverine) e aqui intitulada Uma Vida Iluminada. O filme traz algumas diferenças com relação ao livro, principalmente no que se refere ao desfecho da parte da trama ambientada na Segunda Guerra. Isso talvez se deva ao fato de que, originalmente, Schreiber estava escrevendo um roteiro baseado na história de seus próprios antepassados; depois de ficar sabendo da obra de Foer, decidiu escrever uma adaptação.

Considerando a maneira pouco ortodoxa com que o escritor constrói suas narrativas, é possível compreender o porquê de alguns críticos terem se maravilhado com ele. E, no entanto, apesar de muito bons, nenhum dos dois livros traz algo tão genial ou inovador como fazem supor os reviews mais empolgados. O hype pode servir para aumentar o burburinho e alavancar as vendas, mas, no fim das contas, acaba sendo prejudicial tanto para o público (que pode se decepcionar) quanto para os artistas (que têm que lidar com muito mais pressão do que o necessário). Melhor ficar com a análise sóbria do bom e velho Palpatine: “We will watch your career with great interest”.

OBS.: Ficou interessado? Para comprar Extremamente Alto & Incrivelmente Perto e Tudo se Ilumina (ambos editados pela Rocco), basta clicar nos nomes ou nas imagens.

Produção
Bryan Fuller / ABC / Warner

Tá legal, tenho que admitir que foram também os olhos absurdamente azuis da Zooey Deschanel… Mas o que me cativou de verdade naquele trecho de Quase Famosos (2000), a obra-prima do cineasta Cameron Crowe, foi a situação em si. Prestes a sair de casa, Anita, a personagem interpretada por Zooey, segura William, seu irmão mais novo, pelos ombros e vaticina: “Um dia, você será cool”.

E, tal qual um oráculo, além da profecia, ela oferece ainda uma pista: “Olhe debaixo da sua cama; vai te libertar”. Depois que a irmã parte, o garoto faz exatamente o que ela sugeriu e encontra uma bolsa cheia de LPs. Num tributo aos seus ídolos (e, provavelmente, à sua própria juventude), Cameron Crowe nos mostra as mãos do pequeno William passeando pelas capas dos discos – Jimi, Hendrix, Led Zeppelin, Cream, Joni Mitchell, The Who… –, sugerindo uma relação física, tátil com a música.

Quando meu irmão mais velho saiu de casa para cursar uma faculdade no interior de São Paulo, não houve uma despedida assim dramática – seus LPs, no entanto, ficaram sob meus cuidados, como uma herança. Ele já havia me iniciado no rock, através dos Titãs, do Ultraje a Rigor e da Legião Urbana, mas foi sozinho, durante aquele período, descobrindo os discos que até então não conhecia, que eu de fato me apaixonei pela música.

Um álbum que me chamou a atenção logo de cara trazia na capa uma foto em preto e branco de quatro sujeitos encostados numa parede de tijolos, trajando tênis, jeans rasgados, camisetas e jaquetas de couro. Era Rocket To Russia (1977), dos Ramones.

Aquelas quatro figuras não combinavam com a idéia que eu tinha de punk – que, na minha cabeça, obrigatoriamente incluía cabelo moicano, alfinete no nariz e um ar ameaçador. Os Ramones eram apenas… Esquisitos. O som tampouco era a barulheira furiosa que eu esperava – na verdade, era um rock básico, que lembrava o dos anos 50 e 60, só que tocado de maneira mais suja e tosca.

Apesar da simplicidade (ou por causa dela), aquelas canções grudaram no meu ouvido e, antes mesmo de aprender sobre a história do punk, tive uma demonstração prática do espírito do it yourself – eu ainda nem conseguia fazer uma pestana no violão, mas consegui tirar Sheena Is A Punk Rocker. De repente, eu me dei conta de que realmente podia tocar.

Talvez a época da minha vida em que isso aconteceu (a adolescência) tenha contribuído. Mas o fato é que, para mim, nenhuma outra banda ou artista foi tão aglutinadora quanto os Ramones. Se alguém na escola tinha o vinil do então recém-lançado Brain Drain (1989), logo fazia cópias para os outros; enquanto isso, o resto da molecada se mobilizava para conseguir os discos mais antigos, como Leave Home (1977), Road To Ruin (1978) ou Pleasant Dreams (1981). Lembro da emoção de ouvir Loco Live (1992) em CD e, mais tarde, de juntar uma turma para ir de ônibus até a Pompéia para comprar os ingressos para o nosso primeiro show dos Ramones, no finado Olympia.

Mal podia imaginar que, anos depois, eu teria a oportunidade de acompanhar uma passagem de som da banda. Na ocasião, pude perceber o quanto Johnny era realmente o “chefe”, dando instruções e gritando com o técnico da mesa, enquanto os outros mal abriam a boca.

Naquela tarde, cruzei com o guitarrista no backstage e ele, mal encarado, fingiu nem notar minha presença. À noite, assisti ao show quase em cima do palco e vi de perto a velocidade de Marky na condução; as palhetadas inacreditavelmente constantes de Johnny; o “aditivado” C.J. com o nariz sangrando; e a figura bizarra e ao mesmo tempo poderosa de Joey.

A fascinante trajetória do quarteto é muito bem retratada no documentário End Of The Century (2005), dirigido por Michael Gramaglia e Jim Fields, e lançado em DVD no Brasil pela Warner. O filme traz entrevistas com todos os integrantes da banda (do trio original – Johnny, Joey e Dee Dee – até o “caçula” C.J., passando por Clem Burke, do Blondie, que chegou a tocar em alguns shows, usando o nome “Elvis Ramone”) e depoimentos de empresários, produtores, executivos da indútria e admiradores famosos (numa galeria que inclui Kirk Hammet, do Metallica, e John Frusciante, dos Chili Peppers).

Mas ao invés de mostrar a história dos Ramones disco a disco, o documentário concentra-se no perfil de cada músico, na tumultuada relação entre eles e, principalmente, em seu legado – como um bando de losers, contrariando todas as expectativas, conseguiu promover uma verdadeira revolução musical e – por que não? – cultural.

Reza a lenda que Dee Dee passou a fazer sua famosa contagem antes de cada música para imitar I Saw You Standing There, dos Beatles (que começa justamente com um “one, two, three, four!” gritado por Paul McCartney). Ao longo dos anos, os Ramones passaram de fãs a ídolos, inspirando gerações e gerações de moleques que aprenderam que não é preciso ser um galãzinho ou um músico virtuoso para empunhar uma guitarra.

E que até o mais esquisito dos sujeitos pode se tornar cool. Ou, como resumiu Joe Strummer, do The Clash: “Acho que os Ramones deram aos jovens do mundo todo um bocado de amor-próprio”.

Vai dizer que você nunca parou para ver um seriado japonês?! De National Kid a Power Rangers, dos anos 60 até hoje, eles fazem sucesso entre a garotada e alguns marmanjões também. Ou você não ficou maluco com a primeira morte de Jiban? Torcendo pelo retorno do Ultraman à Terra? Doido para ver o final de Jiraya ou perturbado com a macumba o feitiço que aprisionava o Jaspion?

Vamos, então, sem nehuma pretensão, dar um giro pelos principais seriados live action japoneses, os Tokusatsu, seguindo uma tradicional divisão de “famílias” e seus principais personagens:

HENSHIN HERO

Começamos por um dos mais gerais e antigos gêneros de tokusatsu. Os heróis henshin são aqueles que precisam de uma transformação para se tornarem super.

NATIONAL KID

O principal expoente dessa família de heróis. Produzido pela tradicional Toei Company em 1960, o seriado foi encomendado pela empresa que viria a ser a Panasonic, na época National Eletronics (daí o nome do personagem), para alavancar as vendas. Fez mais sucesso no Brasil do que no Japão e acabou marcando uma geração. Sua luta contra os Incas Venusianos ou contra os Seres Abissais tinham muito de arte marcial que consideraríamos totalmente galhofa hoje. Assim como as roupas espaciais e o modo “pássaro planador” de voar.

LION MAN

Meio faroeste, meio samurai, Lion Man se passa no Japão feudal (?) e conta a história de Dan Shimaru, um jovem samurai que consegue se “transfigurar” num felino (?!), voando com seu jato propulsor (?!!) a base de uma pólvora especial (?!!!). Ok, o ano era 1973 e não podemos dizer que não era uma tentativa original.

CYBERCOP

O futuro era 1999 e lá policiais de elite usam armaduras tecnológicas para combater uma organização criminosa chamada Destrap, cujo aparente controlador é um computador chamado Fuhrer (!), na verdade um fantoche do Barão Kageyama, seu verdadeiro líder. Os Cybercop (é assim mesmo, no singular) eram cinco policiais que usavam as unidades Júpiter, Marte, Saturno, Mercúrio e Vênus (que seria da policial Tomoku, mas que não chegou a ser construída). O enredo muito bem fechado chegou a ter um interessante plot twist no meio envolvendo um dos seus inimigos, chamado Lúcifer. Foram 34 episódios produzidos pelos estúdios Toho, entre 1988 e 1989.

ULTRAMAN

Pela imensa gama de heróis Ultra, tornou-se quase um gênero sozinho. Poderia, claro, ser encaixado em uma das outras famílias, mas os Ultra foram os mais populares heróis tokusatsu do Japão, continuando a ser produzidos desde a década de 60 até hoje.

ULTRAMAN

Um alienígena vindo da galáxia M-78 choca acidentalmente sua nave com a do oficial Hayata, da Patrulha Centífica. Hayata morre, mas ressucita ao receber a energia vital do alienígena, assim como a sua Cápsula Beta, artefato catalizador com o qual Hayata se transforma no Ultraman. Quem não se lembra do desespero que dava quando o timer colorido colado no peito do Ultra começava a piscar – o que indicava que a bateria estava indo para o saco – e obrigava o herói a voar até o sol para recarregar?!

ULTRASEVEN

Vindo da mesma galáxia – M78 – Ultraseven vem à Terra especificamente para combater monstros espaciais, assumindo o nome de Dan. Contam que o episódio número doze foi proibido no Japão por fazer menção a bombas atômicas, o que ainda era uma ferida demasiado dolorida para os nipônicos. Foi o terceiro na cronologia de Ultras (Ultra Q – 1966, Ultraman – 1966, Ultraseven – 1967).

SPECTREMAN

E qual era aquele cujo vilão era um macaco loiro-chanel? Spectreman! Era para ser uma cópia tosca dos Ultra, mas a P-Production conseguiu tornar Spectreman um clássico, graças ao roteiro mais humano e chamativo. Kenji, seu nome terráqueo, se alista no Grupo Anti-poluição e passa a defender a Terra dos monstros criados e manipulados pelo mutante símio Dr. Gori – cientista genial e maluco, cuja dublagem no Brasil era feita por ninguém menos que Carlos Seidl, o Seu Madruga do Chaves – e seu assistente gorila, Karas – voz de Potiguara Lopes, o Professor Lingüiça, digo, Professor Girafales. Ah, a Nebulosa de seu povo, os Dominantes, era a 71 (número que também foi o ano de sua estréia no Japão).

Obs.: As classificações se entrecruzam e não são definitivas. Os Ultras e o Spectreman, por exemplo, podem ser encaixados na categoria Kyodai Hero, que engloba os heróis que podem ficar gigantes para combater monstros idem.

KAMEN RIDER

Ou Motoqueiro Mascarado, traduzindo para o português, é outro personagem que de tão famoso tornou-se quase um gênero. Foi criado pelo lendário Shotaro Ishinomori para ser a princípio um mangá, mas em 1971 a Toei Company produziu o seriado. E pegou. Foram nada menos que 93 episódios em três anos e mais de quinze séries sucessoras com novos Kamen Riders.

KAMEN RIDER (original)

Takeshi é capturado por uma organização criminosa chamada Shocker e submetido a uma cirurgia que iria transforma-lo num soldado cibernético. Antes de sofrer uma lavagem cerebral, ele acorda e foge, não sem levar consigo suas novas capacidades, que usa na luta contra a organização. Nasce o Kamen Rider (que mais tarde se chamaria “número 1” , pois outro garoto é sequestrado e salvo também na hora agá, assumindo o posto do primeiro e virando o “número 2”). Foi produzida de 1971 a 1973.

BLACK KAMEN RIDER

Fãs de tokusatsu que me perdoem, mas a “inversão” da palavra “black” no título em português ficou bem melhor. No Japão, Kamen Rider Black, foi produzido já entre 87 e 88 em 51 episódios, mais dois filmes. O enredo era um pouco melhor. Os irmãos de criação Issamu e Nobuhiko são sequestrados pelo culto Gorgom, que os submete à cirurgia que os transformará em Imperadores Seculares. Issamu escapa antes da tradicional lavagem cerebral, mas não consegue salvar seu irmão, que se torna Imperador Secular, nomeado Shadow Moon, seu arqui-inimigo. Chegaram a chamar o personagem de Blackman por aqui e aí eu concordo que pisaram na bola…

METAL HERO

Talvez o gênero de maior sucesso por aqui. Como o nome diz, trata-se de um herói que veste uma armadura de metal, aço ou qualquer liga que o valha, venha ela do espaço ou não, e que pode pilotar uma nave que se transforma em robô gigante, que ele também pilota. Lembrou de alguém?! Então lá vai:

JASPION

Ok, Jaspion merece uma coluna à parte, mais detalhada, por ter sido o verdadeiro precursor da onda japonesa, seja de seriados ou animes, que se viu depois por aqui. Por hora, basta saber que seus episódios foram produzidos entre 1985 e 1986, pela Toei Company (os caras não erram nunca) e que o nome original do personagem era Juspion, uma junção das sílabas iniciais e finais da expressão justice champion. Volte sempre e você verá uma coluna dedicada especialmente ao guerreiro prateado, seu mega robô-nave, Daileon, e seu inimigo mortal que era os córneos do Darth Vaider, Satan Goss.

JIRAYA

Todos os heróis japoneses carregam um pouco da cultura samurai em si, mesmo que inconsciente. No entanto, em Jiraya a cultura samurai e ninja é referência totalmente descarada. O órfão Toha Yamashi recebe de seu mestre e pai de criação, Totsuzan Yamashi, a missão de proteger Pako, o tesouro espacial (ajudando a guardar a metada da escritura que revela onde está escondido o tesouro) e lutar contra os Feiticeiros, clã de ninjas comandado por Oninin Dokusai. Para isso, Jiraya tem de aprender a controlar o seu poder interior e a manejar a poderosa Espada Olímpica (originalmente Jikkou Shinkuu Ken, que quer dizer algo como Espada do Vácuo Luminoso Magnético, vai entender o “Olímpica” em português…). Quem não se lembra de Jiraya treinando para cortar seu reflexo no espelho?! Outro sucesso da Toey Company, produzido entre 1988 e 1989, com 50 capítulos.

JIBAN

Um policial morre defendendo a cidade de criminosos, mas é “ressucitado” e “reconstruído” como um ciborgue. Robocop? Não, Jiban! O atrapalhado policial Naoto Tamura continua sua luta contra os monstros da Organização Biolon e segue em busca da garotinha Ayumi, que revela-se – spoiler! – sua irmã. Outra da Toey Company, produzida de 1989 a 1990, e transmitida quase que simultaneamente para Japão e Brasil, veja você! Um dos episódios mais dramáticos e marcantes é aquele em que Jiban é covardemente atacado por três inimigos, perde um braço e morre (calma, ele acaba ressucitado ainda mais armado e poderoso). Curiosidade: apesar de parecer um plágio de Robocop, a idéia de um ciborgue criado a partir de um humano não é tão nova assim. Desde Frankstein eles estão aí. Há, inclusive, um anime japonês chamado O Oitavo Homem, da década de 60, que trata de um ciborgue criado a partir de um policial. Toma aí, Robocop!

SUPER SENTAI

São as séries baseadas em equipes de três ou mais (geralmente cinco) integrantes. Normalmente liderados pelo guerreiro vermelho, cada integrante tem uma habilidade e uma cor. Para vencer os inimigos precisam sempre se juntar, seja cada integrante, ou seus robôs, criando um robô só (chamado mecha), muito maior e mais poderoso. Um dos mais famosos no Japão foi o Google V (baseado em pedras Rubi, Esmeralda, Safira, Diamante e Opala), mas que não fez tanto sucesso por aqui quanto:

CHANGEMAN*

O Esquadrão Relâmpago Changeman, em conjunto com Jaspion, ajudaram a abrir o mercado brasileiro para os tokusatsu. Até música do Balão Mágico foi feita sobre eles. O time era baseado em animais míticos: Dragão (vermelho), Grifo (negro), Pégaso (azul), Sereia (branco-rosa) e Fênix (rosa-branco) e, juntos, os changemans compunham o Change-Robô, mecha que lutava contra os monstros gigantes que assolam Tóquio.

Suas armas eram as pistolas lasers que viravam espadas e escudos (cuja junção em formações bumerangue ou pentágono poderia resultar num ataque mais poderoso) e a Power Bazuca, manejada pelos cinco changemans ao mesmo tempo. A personalidade dos changemans era bastante definida e marcante. O Change Dragon, por exemplo, era o líder e, por isso, chegava a ser triste de tão sério. O Change Grifo era o galã, sempre penteando o cabelo displiscentemente. O Pégaso era o mais infantil e carismático (quem não se lembra dele derrotando um dos inimigos com a sua cantoria desafinada?!). A Sereia é a musa perfeita e a Fênix, a revoltada. Foram produzidos 55 episódios entre 1985 e 1986, por uma empresa pequena que você nunca ouviu falar chamada Toei Company…

FLASHMAN

A partir daqui foi tudo mais do mesmo. Os Flashman eram crianças terráqueas que foram raptadas e levadas para os confins do universo. Salvos pelo povo Flash, passaram seus vinte anos treinando e se aperfeiçoando, um em cada satélite do planeta. A característica de cada guerreiro está baseada no satélite em que treinou, mas isso não importava muito quando eramos crianças.

O que valia mesmo era que o líder era o Red Flash, o mais legal era o Blue Flash, tinha o engraçado Green Flash, a coadjuvante Pink Flash e a inteligente Yellow Flash, que é a única a descobrir quem eram seus verdadeiros pais. Arrebatou muitos fãs ávidos por estruturas parecidas com a dos Changeman, por ser mais simples e envolvente. Os Flashman foram produzidos entre 1986 e 1987, por você sabe quem…

POWER RANGERS

Um salto de sete anos e chegamos aos anos 90. Mais especificamente 1993, quando Haim Saban, empresário egípcio, comprou os direitos de um dos muitos tokusatsu da Toei, o Jyuranger, baseado em dinossauros (que estavam em alta, após Jurassic Park). Muito fã de tokusatsu o critica até hoje pela guinada que ele deu. Para ganhar o público americano, Saban reescreveu o seriado, trocando os atores japoneses por atores americanos, e deu a ele o nome Mighty Morphin Power Rangers.

O sucesso foi estrondoso e outra grande leva de fãs de tokusatsu o elogia por ter inserido no mercado americano um gênero de série para o qual torciam o nariz. Prós e contras colocados, a verdade é que os Power Rangers tornaram-se a série japonesa (ou meio japonesa) de maior sucesso no mundo. Tanto que desde 2002 a Disney comprou os direitos e continua produzindo até hoje. Também é verdade que após tantas trocas de elenco (eu mesmo, lembro malemá do primeiro), a coisa se tornou meio maçante, praticamente uma Malhação.

As primeiras temporadas, que podemos chamar de “clássicas”, eram as mais interessantes. Temos a aparição de Zordon, espécie de mestre tridimensional, que recruta os colegiais Jason (vermelho), Zack (preto), Billy (azul), Trini (amarelo) e Kimberly (rosa) para defender a Angel Groove e o mundo. Vemos Rita Repulsa, a vilã, cair de seu exílio pronta para tentar dominar o universo. Temos o primeiro contato com as Moedas do Poder, catalisadores através dos quais eles “morfavam”, neologismo que pegou e que dava nome ao ato de se transformar em ranger. Conhecemos os Dinozords, os robôs gigantes de cada ranger. Eram o Tiranossauro, o Mastodonte, o Triceratops, o Tigre Dentes-de-Sabre e o Pterodáctilo. Juntos formavam o Megazord, o Zord mega-boga dos rangers. Durante a temporada, um ranger verde é convocado e enfeitiçado por Rita para destruir os Power Rangers, mas logo Tommy, seu nome humano, escapa e passa a integrar a equipe do bem, como o ranger verde.

É claro que a história vai muito além disso e continua até hoje com suas dezenas de variações (Turbo, Força do Tempo, Wild Force, Ninja Storm, etc), mas sem muita novidade. As primeiras temporadas foram as que deram origem a dois filmes e um sem número de jogos de video game e até fliperamas!

Então é isso! De National Kid a Power Rangers demos uma pincelada nas principais famílias de Tokusatsu e relembramos os heróis que fizeram nossa infância mais divertida. Mas não se engane, honorável leitor! Os seriados são clássicos, marcaram gerações, mas não passam na “regra dos 15 anos”! Portanto, NUNCA-JAMÉ tente assisitir novamente levando a sério como você levava no passado. Afinal de contas, uma bruxa cujo encanto era “berebekan katabanda, berebekan katabanda, berebekan katabanda… KIKERÁ!” assustou muito garoto medroso, mas hoje seria motivo de riso… Ou não!

* Nota do editor: Como alguém escreve sobre o Changeman e não cita o Guiodai? Imperdoável.

Geooorge Jetsooon! Esse era o grito rouco do Sr. Spacely quando alguma coisa estava errada e ele precisava colocar a culpa em algum apertador de botões! Isso mesmo, nerds nostalgicos, hoje vamos de Casting Nerd – Os Jetsons! Como seria uma sitcom baseada num dos maiores clássicos de Hanna-Barbera?

Quem seriam os produtores e atores capazes de adaptar os trejeitos e o humor do desenho para a televisão?
No auge do sucesso de Flintstones, os produtores William Hanna e Joseph Barbera queriam mais. Já que uma família pré-histórica havia agradado, por que não uma família do futuro? Nasciam então Os Jetsons, uma família normal apresentada no seu cotidiano trivial e interangindo com carros voadores, edificações suspensas, tubos de transporte, esteiras elétricas e comodidades tecnológicas que só o “distante século XXI” traria.

O desenho original foi produzido entre 1962 e 1963, com apenas 24 episódios. Uma nova leva de episódios foi produzida entre 1984 e 1987, como mais 56 desenhos, totalizando 80. Agora, graças à Jovem Nerd Pictures, o complexo de mídia mais nerd da galáxia, teremos a primeira temporada desse seriado cósmico, que influenciou fortemente Os Simpsons e Futurama. Vejamos então os candidatos a criadores e persongens deste elenco estelar.

CRIADORES/PRODUTORES

Uma série com um clima lírico, apesar de cômica, ou um humor escrachado baseado em como consideramos o futuro da humanidade? Vote e decida quem seriam os criadores/produtores que fatalmente levariam nossa série ao Emmy:

BRYAN FULLER/ABC/WARNER

O criador e produtor da ótima série Pushing Daisies (e de alguns episódios da primeira temporada de Heroes) daria um toque de requinte, cores e lirismo ao humor inevitável do nosso seriado.

MICHAEL G MOYE E RON LEAVITT/FOX

Os criadores de Married… with Children não tiveram outro grande sucesso, mas levaram muita gente às gargalhadas por onze temporadas, de 1987 a 1997. O humor aqui seria um pouco mais escrachado, mas muito baseado nas cômicas situações familiares.

RICK GERVAIS E STEPHEN MERCHANT/BBC/NBC

Os geniais criadores de The Office, que começou britânica e passou a ser exibida pela NBC nos EUA. Mudar de uma série que simula ser um documentário, para uma sitcom propriamente dita poderia ser difícil, mas não para eles.

Tempos atrás, resolvi fazer propaganda da Cabeceira para alguns conhecidos meus. Um deles, sem maldade (ou não), me parabenizou e disse que iria “dar uma olhada nos textos”, apesar do fato de achar “Senhor dos Anéis e Crônicas de Nárnia um saco”, nas suas próprias palavras. Com meu orgulho duplamente ferido, respondi que essas não são as únicas leituras de um nerd e que a coluna procura ser abrangente, indo desde George Orwell até a Coleção Vaga-Lume.

A mesa de boteco era o cenário ideal e, portanto, a conversa logo evoluiu para um acalorado debate sobre a falta de interesse da grande maioria dos brasileiros pela literatura e a equivocada estratégia do nosso sistema educacional, que nos força a engolir obras complexas quando ainda somos jovens demais. Mas, acima de tudo, tagarelamos a respeito do preconceito com relação a determinados gêneros e assuntos e discutimos sobre a empáfia dos acadêmicos.

Devo confessar que durante algum tempo, eu me recusei a ler qualquer livro de autores que tivessem ganhado o Nobel. Eu considerava a premiação uma mera iniciativa elitista dum bando de velhos pedantes que queriam apenas conferir uma aura de prestígio a seus “eleitos” e alavancar as vendas. Hoje, sei que minha atitude era tão estúpida quanto a daqueles que automaticamente tacham de descartável ou inferior qualquer obra que seja mais acessível ou pop. A conclusão é que o radical sempre sai perdendo – o crítico conservador jamais se deixará envolver pela prosa de um, digamos, Stephen King, da mesma maneira que, se tivesse mantido a antiga birra, eu jamais me encantaria com o gênio de José Saramago.

O primeiro romance do autor português que me caiu nas mãos foi justamente sua mais conhecida obra, Ensaio Sobre a Cegueira – que novamente está em pauta, graças à adaptação para o cinema dirigida por Fernando Meirelles, atualmente em cartaz. Não se pode dizer que exista algo de inédito em usar uma epidemia inexplicável (no caso, a “cegueira branca”) para retratar a fragilidade da sociedade. O grande mérito do escritor é aliar seu espírito crítico e refinada ironia a uma aparentemente contraditória visão humanista. Isso, fora seu estilo único.

Talvez a principal dificuldade para um leitor de primeira viagem seja se acostumar ao português de Portugal (sabiamente, o respeito à grafia original foi condição imposta às edições brasileiras) e, sobretudo, à maneira como o autor escreve, jogando pela janela muitas das regras de redação que nossas professoras tanto se empenharam em nos ensinar. Saramago, pelo jeito, desconhece o ponto final e as teclas “enter” e “tab”, preferindo parágrafos quilométricos e orações separadas por vírgulas. Mas, depois que se acostuma com isso, o que antes podia parecer mera excentricidade se revela uma poderosa maneira de se imprimir um ritmo particular, incomparável, às narrativas.

O que mais impressiona, no entanto, é que, além de contar histórias de forma magistral, o autor o faz partindo de premissas espetaculares e absolutamente irresistíveis. O Ano da Morte de Ricardo Reis, por exemplo, fala do heterônimo do poeta Fernando Pessoa, que sobrevive à morte de seu criador e retorna a Portugal (vindo do Brasil, onde estava exilado). Enquanto fica hospedado num hotel, se envolve num relacionamento amoroso e lê as notícias sobre a ascensão dos regimes fascistas na Europa, ao mesmo tempo em que passa a receber visitas do fantasma de Pessoa.

Já História do Cerco de Lisboa narra as desventuras de um revisor que está trabalhando num livro sobre o episódio histórico ao qual se refere o título: no século XII, a capital portuguesa estava sob controle dos mouros, mas foi reconquistada após empreitada militar comandada por Afonso I, que contou com o auxílio de um exército de Cruzados. Por algum motivo, o revisor decide acrescentar a palavra “não” justamente no trecho em que os Cruzados respondem ao pedido de ajuda do rei português. A partir daí, a trama se divide, acompanhando as conseqüências práticas do ato do revisor e a versão alternativa da história do cerco, que teria se desenrolado caso aquele “não” realmente tivesse existido.

Pessoalmente, considero O Evangelho Segundo Jesus Cristo a obra-prima do escritor. Subvertendo tudo o que nos conta a bíblia canônica, Saramago apresenta um Jesus humano que, com o tempo, descobre que é filho dum deus frio e calculista e que foi posto no mundo apenas para ser sacrificado e dar início a uma religião que se espalhará por todo o planeta, à custa de morte, culpa e sofrimento. Extremamente ácido, o livro é repleto de passagens sensacionais, como aquela em que Jesus se encontra com deus e o diabo e se dá conta de que os dois são exatamente iguais – a diferença é que o primeiro tem barba.

Os acadêmicos vão me xingar. Mas Saramago é um autor nerd em muitos aspectos. Estão lá, em sua obra, a inteligência, a fantasia, o senso de humor que muitos não irão entender, a sensação de não encontrar seu lugar no mundo, o interesse pela História e pelo profano e até a construção de uma linguagem própria – este último ponto, aliás, levado ao extremo.

Recentemente, perguntado sobre as resoluções do acordo ortográfico que pretende unificar a língua portuguesa em todos os países que a adotam como idioma oficial, Saramago respondeu simplesmente que continuará escrevendo da mesma maneira como sempre fez; os revisores que se encarreguem de mudar. E foi então que eu finalmente entendi a real utilidade de um prêmio Nobel.

Diretor
Guillermo Del Toro

Ariel, Ookla, vaaaaamos! Isso mesmo, nerds! Hoje é dia de Casting Nerd – Thundarr, o Bárbaro!
Pegue He-Man, Conan, Herculóides, jogos de RPG, Star Wars, Blade Runner e junte tudo num caldeirão nerd. O resultado será algo muito parecido com o bárbaro futurista. Vamos relembrar e imaginar como seria o filme live action deste desenho que entreteve crianças de várias idades nos criativos anos oitenta.

Como foi comentado no Nerdcast 121 – Nostalgia Animada Parte 2, Thundarr era um desenho pós-apocalíptico onde um bárbaro tenta salvar a humanidade de inimigos escrotos, como o Gemini. Para isso, conta com a ajuda de um Mok (espécie de Chewbacca-macaco-leão-vampiro) e de uma feiticeira, a bela Ariel.

O apocalipse teria ocorrido em 1994 (e não em 2012, aaaah…), quando um meteoro atravessou a órbita entre a Terra e a Lua, partindo o satélite em dois e arrancando parte da atmosfera do planeta. A catástrofe levou à ruína a civilização como nós a conhecemos. Dois mil anos depois, a humanidade ressurge, mas baseada num mundo ao mesmo tempo hi-tech e medieval, misturando raios lasers, mutantes e feiticeiras.

O design dos personagens foi elaborado pelos consagrados cartunistas Alex Toth (de Super-Amigos, Jonny Quest, Space Ghost, Herculóides) e Jack Kirby (Capitão América, Quarteto Fantástico, para citar algo do seu imenso legado) e foram produzidos 21 episódios de meia hora cada, entre 1980 e 1984.
Vejamos, então, o diretor e os atores que tentariam tornar este filme um clássico para além da história… ou não!

DIRETOR

Uma peculiaridade do enredo eram as cidades onde aconteciam as histórias. Cada episódio se passava em uma cidade americana (com exceção de um episódio na América Central na primeira temporada e outro em Londres, na segunda). O cenário apresentava ruínas de monumentos históricos como para marcar a localidade e o clima pós-apocalíptico. O desafio do diretor seria reproduzir esse clima decadente, misterioso e, ao mesmo tempo, hi-tech, tendo de dirigir boa parte do tempo em fundo chroma key.

TIM BURTON

A temática sombria de Burton cairia bem para o clima do filme. Podemos também fazer um paralelo com Planeta dos Macacos, clássico que ele refilmou em 2001, não sem muita discussão. O ambiente ao mesmo tempo futurista e pré-histórico é muito parecido. Seria uma boa opção. O único problema seria encaixar Johnny Depp em algum papel…

GUILHERMO DEL TORO

O badalado cineasta mexicano dirigiu o indicado ao Oscar e belíssimo filme de horror, O Labirinto do Fauno (2006) e os dois filmes Hellboy (2004 e 2008). Ou seja, ele sabe como criar um ambiente fantástico. Seria uma boa pedida. Sem falar que ele foi escolhido para as filmagens de O Hobbit, anuciado para 2011…

PETER JACKSON

E não poderia faltar nosso diretor nerd de plantão, Peter Jackson. Seu trabalho como produtor é mais abrangente, mas quem disse que ele não pode acumular funções? O diretor da trilogia O Senhor dos Anéis e produtor de filmes aguardados como Tintin, Halo (2009) e… O Hobbit (2001), que será dirigido, veja você, por Guilhermo Del Toro.

Eu me diverti um bocado escutando o Nerdcast 124, não somente pela entrevista com Zé do Caixão, mas também porque me lembrei de diversas passagens do livro Maldito (Editora 34), excelente biografia de José Mojica Marins, de autoria dos jornalistas André Barcinski e Ivan Finotti.

Além de esmiuçar a vida pessoal e de narrar a trajetória profissional de Mojica, o livro tenta analisar como um sujeito de pouca instrução se tornou um diretor cultuado no exterior e admirado por grandes nomes do cinema nacional, como Glauber Rocha e Carlos Reichenbach, entre outros. A conclusão é que, autodidata, Mojica absorveu tudo o que pôde dos filmes e quadrinhos que consumiu, mas nunca se preocupou em guardar nomes ou teorizar aquele conhecimento. Tal idéia é ilustrada pela cômica passagem em que, após testemunhar a filmagem da descida de Zé do Caixão ao inferno (seqüência presente no filme Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver, de 1967), o cineasta Luis Carlos Person comentou o quanto a cena remetia à Divina Comédia, de Dante Alighieri. Ao que Mojica respondeu: “Então me apresenta logo esse Dante, que estou louco para conhecê-lo!”

Quando criança, antes de criar meu próprio gosto musical, eu escutava apenas o que passava pelo aparelho de som que tínhamos em casa – desde os LPs dos Titãs do meu irmão até as fitas do Roberto Carlos do meu pai. O velho guardava os cassetes numa caixinha azul e o Rei disputava espaço com outros artistas brasileiros. Uma das campeãs de audiência no lar dos Furuno era Elis Regina; a música dela que mais me chamava a atenção era uma que falava em “Rolling Stone” e “Blackbird”. Segundo o encarte da fita, a canção intitulava-se Velha Roupa Colorida e seu autor era um certo Belchior. Curioso, perguntei ao meu pai se o “Paul” do qual falava a letra era aquele dos Beatles. O velho deu risada e me disse que não era “P-A-U-L”, e sim “P-O-E”, um escritor americano. Não entendi qual era a graça.

Só mais tarde, na adolescência, interessado pelos autores do chamado “Mal-do-Século”, é que fui me deparar novamente com aquele nome. E enfim descobri que o verso da velha canção, no qual eu achava que a Elis cantava “Leruleruleruleru”, na verdade dizia “Raven, never, raven, never, raven” – referência a O Corvo, o mais conhecido poema de Edgar Allan Poe e um dos mais emblemáticos da literatura universal.
Trata-se, sem dúvida alguma, de uma obra-prima, não somente pela trama em si – sobre o sujeito que, sozinho em casa, ensimesmado, lamentado a ausência de sua amada Lenore, recebe a assustadora visita dum corvo, que se instala em sua sala e não faz nada além de repetir “nunca mais” – mas também pelo clima de tensão que o autor consegue criar e pelo ritmo que estabelece através da métrica, da sonoridade das palavras e da repetição de algumas frases.

Vale a pena procurar nos sebos o infelizmente esgotado livro O Corvo e Suas Traduções (Lacerda), que reúne, além da versão original em inglês, célebres traduções da obra feitas por nomes do quilate de Charles Baudelaire, Fernando Pessoa e Machado de Assis. Daí, é possível deduzir o impacto do trabalho desse norte-americano nascido em Boston, em 1809.

Apesar de eternizado por um poema, foi a prosa do autor que se mostrou mais influente. Um de seus principais – e confessos – admiradores foi Arthur Conan Doyle, que criou o detetive Sherlock Holmes inspirado pelo personagem Auguste Dupin, criado por Poe e apresentado em Assassinatos na Rua Morgue (L&PM). Elementos como o protagonista excêntrico que usa o raciocínio lógico e a dedução para resolver um crime e a presença de um ajudante que narra a história fizeram escola no gênero policial.

O grosso da obra de Poe, no entanto, concentra-se no fantástico, no sobrenatural, no horror. Muitos de seus escritos falam de pessoas aparentemente normais que, acometidas por estranhas doenças, passam por transformações e se vêem diante da inevitabilidade da morte – casos de A Queda da Casa de Usher e Berenice, por exemplo. Outros retratam criminosos forçados a arcar com as conseqüências de seus atos graças a acontecimentos inexplicáveis, como em O Gato Preto e O Coração Delator. Mas a força principal de suas histórias certamente está em seus personagens e na atmosfera de crescente suspense de suas narrativas, sendo um dos melhores exemplos o sensacional O Barril de Amontillado. Esses contos estão presentes na compilação Histórias Extraordinárias (Companhia das Letras).

Toda essa angústia e dor presentes em seu trabalho talvez tenham sido reflexo dos próprios acontecimentos na vida de Poe, como a morte prematura de sua esposa (vítima da tuberculose) e sua entrega ao alcoolismo. O escritor acabou tendo um destino trágico, digno de seus contos sobrenaturais. Em outubro de 1849, ele foi encontrado perambulando pelas ruas de Baltimore em visível estado de confusão mental. Internado num hospital, faleceu dias depois e as causas até hoje permanecem desconhecidas – fala-se em doença, porre, suicídio ou até assassinato. Para completar, um século após sua morte, uma figura misteriosa deu início a uma estranha tradição: todo ano, no dia do aniversário de Poe, o visitante não-identificado deixa três rosas vermelhas e uma garrafa de conhaque diante da lápide do escritor.

Mojica provavelmente teria vontade de ser apresentado a “esse tal de Edgar”. Afinal, o cineasta sabe da importância e da eficácia do marketing pessoal. Ao longo de sua carreira, sempre fez questão de acrescentar detalhes pitorescos e polêmicos à sua biografia, chegando até a exagerar alguns acontecimentos e a inventar outros – como apontam Barcinski e Finotti em Maldito.

Isso me faz pensar que talvez eu devesse dizer que conheci Poe graças ao genial episódio Treehouse of Horror, dos Simpsons, no qual Homer e Bart encenam o poema O Corvo. Pelo menos, soaria melhor do que dizer que foi por causa do Belchior.

OBS.: Para comprar Assassinatos na Rua Morgue, Histórias Extraordinárias e outros títulos de Edgar Allan Poe, ou então Maldito, biografia de José Mojica Marins, basta clicar nas imagens.

Oi, eu sou Troy McClure.

Você deve lembrar de mim de filmes como “Alottoni e uma bomba atômica: péssima combinação” e “O terrível ataque terrível do terrível Azaghâl”.

Hoje estou aqui no Fala Série, Schias! para um programa especial. Hoje nós vamos ver as séries que vão estrear e as que vão retornar. O que podemos esperar delas? Grandes emoções? Grandes surpresas?

Devo avisar que, para infelicidade de meus fãs, não estou em nenhuma série.
Ah, e as datas de estréia são dos Estados Unidos. Algumas não passam no Brasil.

24 HORAS
7ª TEMPORADA
ESTRÉIA: JANEIRO/2009
Anteriormente vimos Jack Bauer (Kiefer Sutherland) sofrendo a perda de seu grande amor Audrey Raines, além de lidar com russos, chineses e americanos. Agora, Bauer terá de enfrentar a inquisição de seu governo, além de problemas na África.
Um telefilme sairá no final deste ano.

30 ROCK
3ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 30/10
A série, que mostra Tina Fey tentando cuidar de um programa de televisão, volta para continuar agradando aos críticos. Porque a audiência não anda essas coisas.

BATTLESTAR GALACTICA
4ª TEMPORADA
REESTRÉIA EM 2009
O Sci Fi Channel retorna com o final da última temporada da série ano que vem.
Mas acalmem-se: Caprica, que mostrará o início de tudo, pode virar série, e BSG terá telefilmes complementares.

BONES
4ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 03/09
A dupla Bones (Emily Deschanel) e Booth (David Boreanaz) continua investigando assassinatos através das ossadas, mas agora é cada vez mais evidente que os dois ficarão juntos.

BOSTON LEGAL
5ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 22/09
O criador David E. Kelley já confirmou que a série continuará vendo as aventuras jurídicas de Alan Shore (James Spader) e Denny Crane (William Shatner), e a maioria do elenco será renovada.

CALIFORNICATION
2ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 28/09
A 1ª temporada foi tão bem fechada que fica difícil imaginar a segunda. Agora o desafio de Hank Moody (David Duchovny) é se manter fiel. Boa sorte.

CHUCK
2ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 29/09
Na prévia exibida na San Diego Comic-Con 2008 surgiram cenas como Chuck (Zachary Levi) sendo jogado de telhados e enfrentando vários inimigos. Ou seja, essa temporada deve ter mais ação.

CSI (franquia)
9ª TEMPORADA (CSI), 7ª TEMPORADA (CSI: MIAMI), 5ª TEMPORADA (CSI: NY)
ESTRÉIA: 09/10 (CSI), 22/09 (CSI: MIAMI), 24/09 (CSI:NY)
Na série principal, em Las Vegas, o principal desafio é manter a estabilidade. Sara (Jorja Fox) já saiu, Warrick (Gary Dourdan) está prestes a sair, e Grissom (William Petersen) já anunciou sua saída. Novos atores, como Laurence Fishburne, foram contratados, mas será que a química continuará?
Já em CSI: Miami o grande desafio é saber quem atirou em Horatio Caine (David Caruso).

DEXTER
3ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 28/09
O assassino em série que mata assassinos em série deve ganhar algo que nunca imaginou: um pupilo.

ER
15ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 25/09
O Plantão Médico vai para sua última temporada prometendo participações especiais e a revelação de qual médico morreu na explosão da ambulância no final da temporada anterior.

GOSSIP GIRL
2ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 01/09
Basicamente: sexo, sexo, sexo, e uma pitadinha de sacanagem. Com adolescentes.

TWO AND A HALF MEN
6ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 22/09
Charlie Harper (Charlie Sheen), seu irmão e seu sobrinho continuam lidando com as coisas “chatas” da vida: mulheres, piadas e pessoas malucas (incluindo eles mesmos).

HEROES
3ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 22/09
Será que os superpoderosos conseguirão se reerguer após a 2ª temporada? “Villains” trará heróis se tornando malignos, e um salto no tempo que deve mostrar uma certa líder de torcida atirando em alguém da sua própria família.

HOUSE
5ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 16/09
Depois dos eventos da 4ª temporada, irá Wilson (Robert Sean Leonard) deixar o hospital, ou será que vai começar a praticar o Kama Sutra com Cameron (Jennifer Morrison)? E House (Hugh Laurie), será que vai se tornar mais simpático? Nãããão…

LOST
5ª TEMPORADA
ESTRÉIA: JANEIRO/2009
Os passados de Richard Alpert (Nestor Carbonell) e Danielle Rousseau (Mira Furlan), o começo da Dharma e o que acontece na ilha são algumas das coisas prometidas pelos produtores para a penúltima temporada da série. Vamos aguardar.

PRISON BREAK
4ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 01/09
Eles já foram presos, fugiram, e foram presos de novo. Agora, quem retornará dos mortos (com a cabeça no lugar) para ajudá-los a acabar com a Companhia?

PUSHING DAISIES
2ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 01/10
Uma temporada mais sombria foi prometida pelos produtores, e o primeiro episódio terá uma moça morta por um enxame de abelhas. Justamente o inseto que Chuck (Anna Friel) adora.

THE SIMPSONS
20ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 28/09
Seth Rogen escrevendo e atuando em um dos episódios é apenas uma das novidades. Como eles não perdem o jeito?

SUPERNATURAL
4ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 18/09
Após o final da 3ª temporada, será que Sam conseguirá salvar Dean do inferno?

TERMINATOR: THE SARAH CONNOR CHRONICLES
2ª TEMPORADA
ESTRÉIA: 08/09
Cameron (Summer Glau) sobreviverá a uma explosão? Como será o aniversário de 16 anos de John (Thomas Dekker)? E qual é o papel de Catherine Weaver, interpretada por Shirley Manson, a cantora do Garbage?

Bom, deu pra ter uma idéia do que as séries que os nerds mais acompanham terão, certo?

Se vocês acham que a produção desta coluna esqueceu alguma série, mandem comentários.

Logo mais voltarei para mais um especial, agora falando das séries novas.

Até mais, pessoal!

Existe uma quase folclórica história que diz que Ian Anderson, vocalista do Jethro Tull, resignado com o fato de que jamais tocaria tão bem quanto outros músicos, decidiu encostar a guitarra num canto e se dedicar a outro instrumento menos, digamos, concorrido. Resultado: caiu de boca na flauta e entrou para a história como um dos principais ícones do rock “pogressivo”.

Eu ainda lutava para tirar algum som duma modesta guitarrinha Giannini quando um amigo me apresentou a um colega de faculdade que estava montando uma banda. Conversamos durante um bom tempo e descobrimos que, apesar das referências distintas, tínhamos o mesmo tipo de abordagem e expectativa com relação à música. A tal banda só precisava de um baixista e, por pura falta de opção, o sujeito – que, para efeitos ilustrativos, chamaremos de Monroe – insistiu que eu assumisse o posto, mesmo sem nunca ter tido contato com o instrumento.

Peguei um baixo emprestado e me meti na enrascada. Passamos a ensaiar regularmente e, num certo dia, resolvemos dar um pulo na casa do Monroe antes para um rápido abastecimento etílico. Conheci então o pai dele, que estava na cozinha: um senhorzinho simpático que, segundo fui informado, era colunista de um jornal e tinha algumas obras publicadas. Já a caminho do estúdio, perguntei ao Monroe que tipo de livros seu velho escrevia; meio constrangido, respondeu-me que eram da Coleção Vaga-Lume. Minha cabeça, é claro, EXPLODIU.

Não faço idéia do que ela representa para a molecada de hoje em dia (se é que representa algo), mas o fato de a Editora Ática ainda mantê-la em catálogo indica que, pelo menos, seus títulos continuam sendo recomendados pelos professores. Para o pessoal da minha geração, a Coleção Vaga-Lume é um clássico absoluto, do mesmo nível que os Trapalhões, o pirocóptero e o punhal dentro do boneco do Fofão. É difícil eleger um único livro como o maior destaque; há vários deles que valem ser lembrados (e alguns futuramente serão aqui na coluna). Mas o autor mais emblemático é, sem dúvida, Marcos Rey.

Edmundo Donato criou seu famoso pseudônimo juntando o nome de um dos evangelistas e o sobrenome de sua avó materna. Foi redator das rádios Excelsior e Nacional nos anos 1940 e, ao longo das décadas seguintes, criou textos para publicidade e roteiros para programas de tevê (Vila Sésamo e O Sítio do Picapau Amarelo são alguns que levaram sua assinatura). As duas experiências acabaram influenciando sua escrita, como ele próprio afirmou: “A TV ensinara-me a visualizar as cenas, a fixar com nitidez o palco das ações e a focar em diversos planos os personagens. Diferentemente, as lições da publicidade restringiam-se à engenharia da frase; tinha de ser direta, limpa e conter o maior número possível de informações”.

São justamente essas características, aliadas a seu gosto por histórias policiais, que o tornaram um autor acessível para o público mais jovem. Convidado a escrever uma obra especificamente para o segmento infanto-juvenil, Marcos Rey saiu-se melhor do que a encomenda, criando, logo de cara, um clássico do gênero: O Mistério do Cinco Estrelas, de 1981.

A história provavelmente já é conhecida por todos: o adolescente Leo, mensageiro do Emperor Park Hotel, descobre que houve um assassinato no quarto 222. O mistério ao qual se refere o título não é a identidade do criminoso, pois já sabemos quem é o culpado logo nas primeiras páginas. As grandes perguntas são: quem é o morto, onde foi parar o corpo e, mais importante, por que o Barão, um benfeitor acima de qualquer suspeita, mataria alguém?

Mesmo deixando de lado a nostalgia e fazendo uma leitura mais crítica, é possível identificar os elementos que tornaram a história tão cativante anos atrás. Claro que, assim como numa animação da Pixar, as inevitáveis lições de moral estão lá, como a analogia com a história de Davi e Golias – que o próprio autor aponta na nota introdutória – e a mini-trama paralela de Gino, primo paralítico de Leo, e sua “cruzada nacional contra as escadas”. Mas elas não chegam a aborrecer e o leitor poderá se divertir um bocado com os bons personagens, a ambientação construída com esmero e a narrativa muito bem amarrada (destacam-se os desfechos dados ao Barão e ao “quase romance” de Leo e Ângela).

Depois de O Mistério do Cinco Estrelas, Marcos Rey voltou ao universo pré-adolescente com os igualmente clássicos O Rapto do Garoto de Ouro, Um Cadáver Ouve Rádio e Enigma na Televisão, entre outros. Para toda uma geração, o autor, falecido em 1999, não será lembrado por seu trabalho no rádio e na tevê ou por seus elogiados romances adultos, mas sim por seus livros da Coleção Vaga-Lume.

Pensei em dizer ao Monroe que eu acharia o máximo se o meu pai fosse colega do Marcos Rey, mas achei melhor deixar quieto. Por um lado, é compreensível o constrangimento dele. Tem muito acadêmico por aí que acha que literatura infanto-juvenil é “sub-literatura”. O que o povo ranzinza parece esquecer é que (por mais que isso soe batido) são esses livros que formam os futuros leitores de obras mais “sérias” e, quem sabe, até mesmo alguns futuros escritores. Afinal, nem só de Hemingway e Faulkner vivem as estantes. Assim como nem só de guitar heroes vive o rock.

Diretor
Kevin Smith

Tive uma professora no primário que dizia que, ao invés de crescer assistindo filmes e seriados sobre cowboys, índios Sioux e a conquista do Velho Oeste, nós deveríamos ter a chance de ver na tevê os bandeirantes, a tribo Tupi e a colonização do Brasil. Costumo me lembrar disso quando me deparo, por exemplo, com a instituição do Dia do Saci como alternativa ao Halloween e outras iniciativas igualmente tolas e ufanistas.

Há algo de patético na necessidade de auto-afirmação que parece motivar o rebuliço em torno do astronauta Marcos Pontes, da inclusão do Cristo Redentor entre as Sete Maravilhas do Mundo ou da indicação de algum filme brasileiro ao Oscar. Todavia, é preciso lembrar que tão simplista quanto esse patriotismo boçal é aquele velho discurso de que o país é uma m@#$% e que aqui nada presta.

Em estado de total graça e estupefação depois de assistir Batman – O Cavaleiro das Trevas, um amigo meu vaticinou que o cinema brasileiro jamais produzirá algo que chegue aos pés desse filme espetacular. Entre uma cerveja e outra, discutimos a respeito do enorme abismo que separa Hollywood da indústria cinematográfica nacional em termos de investimentos e tecnologia. Falamos também sobre especialização – os estúdios estadunidenses, quando encontram uma fórmula, exploram-na exaustivamente, como no caso das adaptações de HQs; algumas vezes, eles acertam em cheio ao contratar cineastas nerds que são apaixonados pelo tema e, portanto, especialistas em super-heróis. Meu amigo quis encerrar a conversa argumentando que brasileiro é especialista em fazer filme sobre o retirante miserável que luta para vencer na vida.

Por ser algo tão presente na nossa realidade, é natural que esse seja um tema recorrente. E há grandes películas que o abordam de maneira inteligente e sensível, como Cinema, Aspirinas e Urubus (de Marcelo Gomes, 2005), só para ficar num exemplo recente. Mas é verdade que, até agora, não foi lançada nenhuma adaptação live-action de quadrinhos brasileiros que seja ao menos relevante. Só consigo me lembrar do sofrível Gatão de Meia-Idade (de Antônio Carlos da Fontoura, 2006), inspirado nas tirinhas de Miguel Paiva. Já no caso das adaptações literárias, filão também bastante explorado por Hollywood, a coisa muda de figura. Nos últimos tempos, tivemos como exemplos os excepcionais Cidade de Deus (de Fernando Meirelles e Kátia Lund, 2002) e Tropa de Elite (de José Padilha, 2007), adaptados, respectivamente, das obras de Paulo Lins e de Luis Eduardo Soares, André Batista e Rodrigo Pimentel.

Quando se fala em transposição das páginas dos livros para as telonas, é preciso destacar o nome de Marçal Aquino, um dos melhores escritores brasileiros contemporâneos. Sua relação com o cinema começou quando o conto Matadores, presente na compilação Miss Danúbio (Scritta, esgotado), seu segundo livro, se transformou no filme Os Matadores (1997), dirigido por Beto Brant. São duas tramas paralelas: numa, o assassino de aluguel Alfredão e seu novo parceiro estão no encalço de uma vítima; na outra, Múcio, primeiro parceiro de Alfredão, se envolve com a mulher errada. Não é difícil imaginar que as duas histórias se cruzam em algum ponto.

O longa-metragem marcou o início da carreira de Brant e da frutífera parceria entre o cineasta e o autor – os dois escreveram em conjunto o roteiro de Ação Entre Amigos, segundo filme de Brant, lançado em 1998. Em 2001, foi a vez de O Invasor, roteiro também a quatro mãos, desta vez usando um rascunho do escritor como ponto de partida. Depois que o filme foi lançado, Aquino completou a novela (retratando um assassino de aluguel que, depois de executar o serviço, passa a se intrometer na vida dos dois empresários que o contrataram) e a publicou pela Geração Editorial. O escritor adaptou ainda livros de outros autores, como Um Crime Delicado, de Sérgio Sant’Anna (que deu origem ao filme Crime Delicado, de Beto Brant, 2005); O Cheiro do Ralo, de Lourenço Mutarelli (filme homônimo de Heitor Dhalia, 2006); e Até o Dia em que o Cão Morreu, de Daniel Galera (filme Cão Sem Dono, de Beto Brant, 2007).

Não é difícil imaginar as razões que levaram a esse envolvimento de Aquino com a Sétima Arte. Existe um forte traço cinematográfico em suas histórias, que têm tanta influência de escritores como Raymond Chandler e Graciliano Ramos quanto de cineastas como Quentin Tarantino e Sam Peckinpah. É o que se percebe, por exemplo, no conto Renda-se, Bob Mendes. Você Está Cercado, presente na compilação O Amor e Outros Objetos Pontiagudos (Geração Editorial, esgotado). Trata-se de uma verdadeira obra-prima em termos de ambientação e diálogos. O autor consegue nos transportar diretamente para o pátio escuro e molhado diante do necrotério, onde o tal Bob Mendes, um velho contrabandista que voltou à sua cidade natal depois de anos, se encontra com o antigo patrão, o delegado local e um agente da Polícia Federal.

A prosa de Aquino é fácil, envolvente e funciona perfeitamente em narrativas curtas, como num dos destaques da compilação Famílias Terrivelmente Felizes (Cosac & Naify): o conto A Face Esquerda, que narra a história de dois amigos de infância forçados a se enfrentar. O escritor também se sai muito bem em narrativas mais extensas, como o romance Eu Receberia as Piores Notícias dos Seus Lindos Lábios (Companhia das Letras), sua mais recente obra, cuja trama é centrada nas desventuras do fotógrafo Cauby. O personagem chega ao interior do Pará por conta de um serviço temporário, mas acaba se sentindo estranhamente preso à cidade, em grande parte graças ao seu envolvimento com uma mulher misteriosa. Usando e abusando dos saltos no tempo, o autor nos brinda com um plot twist bastante engenhoso no final.

Se fosse para apontar a principal virtude de Marçal Aquino, eu elegeria o talento para construir personagens profundos e verossímeis, fruto do grande poder de observação que ele provavelmente aperfeiçoou ao longo dos anos em que trabalhou como jornalista. Durante sua carreira como repórter, inclusive, chegou a entrevistar alguns matadores de verdade. Isso lhe deu subsídios para criar uma galeria de tipos frios, sanguinários e irresistíveis, ampliada com Cabeça a Prêmio (Cosac & Naify), novela que marcou sua volta ao universo dos assassinos de aluguel, e a emblemática compilação Faroestes (Ciência do Acidente, esgotado), na qual se destaca Balaio. O conto narra um tenso duelo num boteco de periferia, com direito a um protagonista de poucas palavras, um jogo de baralho, dois bandidos ameaçadores, revólveres sendo engatilhados debaixo da mesa e um bartender amigo detrás do balcão. Só faltou mesmo trocar o boteco por um saloon e colocar o vento soprando tumbleweeds do lado de fora. Minha professora do primário ficaria satisfeita.

OBS.: Para comprar Eu Receberia as Piores Notícias dos Seus Lindos Lábios, Cabeça a Prêmio, Famílias Terrivelmente Felizes e outros títulos de Marçal Aquino, basta clicar nas imagens

“Esta é uma coluna do barulho, onde esse figura da pesada apronta altas confusões!”

EPISÓDIO DE HOJE:
UM EPISÓDIO MUITO LOUCO

Faz tempo que seriados estadunidenses são exibidos em terras tupiniquins, mas um problema sempre assolou nossas emissoras: vale a pena manter o nome original, mesmo que exija uma “interpretação lingüística”?
A solução, claro, foi criar títulos (ou subtítulos, mantendo o nome original) em português. Eles devem resumir a série e ainda ser comercialmente viáveis. Uma tarefa e tanto.
Claro que alguns casos são exemplos de como se pode errar a mão…

LISTA DA VEZ
UMA LISTA DO BARULHO

10 – ALF, O ETEIMOSO

Um alienígena estranho com uma família tradicional americana. Uma comédia bacana, um boneco bem articulado, mas como vender isso aqui, se o nome do seriado é o nome do ET? Ôpa… ET! Um trocadilho bacana com “ET”? “É Teimoso”! Uau, hein.
Não precisei de muito esforço para ver que foi uma idéia infeliz.

09 – SMALLVILLE, AS AVENTURAS DO SUPERBOY

Esse é um título que ainda pode dar problema. Criado para todos identificarem (afinal, o que seria Smallville?) e para fazer uma ligação com Lois & Clark – As Novas Aventuras do Superman, esse subtítulo se tornou perigoso a partir do momento em que as famílias dos criadores do Super estão processando a DC, dona do herói, por direitos autorais do nome “Superboy”. Por conta disso, o Superboy atual dos quadrinhos já foi morto. E esse título?

08 – UM MALUCO NO PEDAÇO

Como vocês notarão nessa lista, o SBT é campeão de títulos “incríveis”.

Um Maluco no Pedaço é estrelado por um jovem Will Smith, que ainda era um rapper iniciante que usava como nome artístico o codinome Fresh Prince. Como na história ele se muda para Bel-Air, nada mais natural que a série se chamar Fresh Prince of Bel-Air. Mas como explicar isso? Mais fácil estereotipar as atitudes de Smith e colocar uma gíria para parecer descolado…

07 – A LEVADA DA BRECA

Punky Brewster é uma série que conta a triste história de Punky, abandonada pelos pais, que acaba sendo encontrada por um velhinho que era bravo, mas acabou derretendo e ficando bonzinho.
Lindo.

E O QUE “A LEVADA DA BRECA” TEM A VER COM ISSO?!?

Punky aprontava? Sim. Mas “levada” chega a ter uma conotação de criança mal-educada, coisa que Punky raramente era. E “breca” foi a gíria que encontraram na época? Espero que não, já que existe um filme chamado A Levada da Breca. De 1938.

06 – VIDA DE ARTISTA

Existiu um seriado chamado Friends. Após seu final, os produtores seguiram com um personagem, Joey. Por conta do sucesso de Friends, o nome Joey foi suficiente para chamar a atenção do público. Infelizmente, isso não salvou a série na segunda temporada.

O SBT comprou Friends e começou a passar em seus horários malucos. Antes mesmo de seu final, comprou Joey e decidiu passar numa faixa noturna que chamou de – prepare-se – “Ataque de Risos”.

Porém, a série perdeu o chamativo (o nome) quando foi rebatizada de Vida de Artista. Ou seja, poderia ser um seriado sobre o cotidiano da Lindsay Lohan (bebida, droga, calcinha, clínica) que o nome ainda serviria. Ficou sem identidade.

05 – LANCES DA VIDA

“-One Tree Hill é um seriado adolescente, com namoros, desencontros, etc.
- Então que nome vamos colocar?
- Um dos personagens joga basquete.
- Basquete… basquete… Já sei, lance!
- Mas tem que ter um toque filosófico.
- Lances DA VIDA!
- Uaaaaaaau! Excelente!”
Ou foi isso ou é tiração de sarro.

04 – MULHER-GATO

O título se encaixaria perfeitamente no seriado Birds of Prey, se não fosse o fato de que NÃO TEM A MULHER-GATO NELE!
A série é protagonizada pela filha do Batman (que aparece ridículo no piloto) e Mulher-Gato, e possui uns poderes meio bizarros, contando com a ajuda da Oráculo para resolver crimes em Gotham.
Enfim, é algo que supera o filme protagonizado por Halle Berry.

03 – VERONICA MARS, A JOVEM ESPIÃ

Partindo do princípio que Veronica é uma detetive, e não espiã, nem tem muito o que explicar.

02 – JOVENS BRUXAS

Se até agora o SBT foi o campeão de presença, chegou a hora da Globo. Essa raramente traduz os nomes dos seriados (Lost é Lost, e 24 virou 24 Horas já que o título “24” sozinho poderia não fazer sentido). Mas quando traduz…

O filme The Craft mostra quatro amigas desenvolvendo habilidades através da bruxaria, e viram o colégio de cabeça pra baixo ao som de uma cover de The Smiths (a música “How Soon is Now?”, cantada por Love Spit Love, mais precisamente). O filme ganhou o título “Jovens Bruxas”.

Aí surge um seriado sobre três irmãs, já adultas, que descobrem que são feiticeiras, e das fortes, e vão defender o bem derrotando demônios. Os problemas: surgiu na mesma época do filme e sua música-tema era…”How Soon is Now?”, cantada pelo Love Spit Love.

“Bingo! É a mesma coisa! O seriado é continuação do filme!”, gritou alguém na Globo. E o seriado ficou com o mesmo nome do filme.

01 – BARRADOS NO BAILE

Bom, Beverly Hills 90210 fala de um grupo de amigos que mora em Beverly Hills, e 90210 é seu CEP. Eles ficam em namoricos, casamentos, problemas no trabalho, na escola, etc…

Mas ninguém é barrado em baile algum. Aliás, eles promovem o baile. Eles moram em Beverly Hills.

Até hoje eu quero saber quem teve essa idéia pra esse nome. Porque, no mínimo, viu o seriado errado. Talvez algum episódio repetido de Super Vicky…

Oi?

—

Lembrando que existe o blog Fala Série (http://falaserie.blogspot.com/), que conta com colaboradores, onde os episódios são analisados.

Tirem as crianças da sala, nerds! Hoje é dia de Casting Nerd – Porky’s Remake! Se você foi um teenager nos gloriosos anos 80, com certeza Porky’s tem um lugar reservado na sua memória para os verdadeiros filmes de comédia.

Em Pork’s (1982) acompanhamos a saga de Pee Wee Morris (Dan Monahan) e seus colegas de high school Billy (Mark Herrier), Tommy (Wyatt Knight), e Mickey (Roger Wilson) em busca de sexo. Não, claro, sem avacalhar uns com os outros (na verdade, todos contra Pee Wee) e azucrinar os professores, sobretudo Beulah Balbricker, a neurótica e gorda professora de ginástica.

Mas nada disso importa quando os garotos se vêem humilhados pelo dono do bordel Porky’s, Porky Wallace, e seu corrupto irmão, o Xerife Wallace. Os garotos se unem, então, para enfrentar os bandidos (entenda “enfrentar os bandidos” como “sacanea-los até a humilhação total”).

No segundo filme da trilogia, Porky’s II: O Dia Seguinte (1983), Pee Wee, Wendy (Kaki Hunter) e os garotos se vêem censurados e impedidos de encenar uma peça de Shakespeare e se rebelam contra o Reverendo Flavel e os políticos corruptos e libidinosos que o apóiam.

No terceiro e último filme, Porky’s III: A Revanche (Porky’s Revenge, 1985), Porky Wallace está de volta e reabre sua boate sobre o Rio Mississippi. Desta vez, os garotos se vêem enrolados com uma estranha e insinuante garota, que mais tarde se revela irmã de Porky. Além de enfrentar a ira do bandido, eles têm de salvar o time de basquete da Angel Beach High Scholl da derrota arranjada.

A trilogia Porky’s não é só mais um besteirol americano. Oficialmente, é canadense.

Brincadeiras à parte, Porky’s não é só um filme de comédia. É uma crítica à censura, ao anti-semitismo, ao racismo, à corrupção policial e estatal e ao fundamentalismo religioso. Veja as figuras caricatas da Professora Balbricker, do Reverendo Flavel, do Xerife Wallace, etc. Trata-se de uma aula sobre como fazer um filme extremamente divertido e inteligente, sem ter de recorrer a um besteirol non-sense como temos visto nos últimos Todo Mundo em Pânico, Super-Herói – O Filme, etc.

Mesmo os American Pie, seqüência que resgatou essa idéia no final dos anos 90, ficam muito aquém do alcance e da universalidade do humor de Porky’s. É por tudo isso (e pela sacanagem também!) que Porky’s, em conjunto com A Vingança dos Nerds e Loucademia de Polícia, marcou a pré-adolescência de muita gente. Então que tal um remake de Pee Wee e toda a turma?! Vote e decida, nerd, quem é que poderia aprontar altas confusões com essa galera da pesada!

DIRETOR

Porky’s foi dirigido e escrito por Bob Clark, nascido em 1939, falecido em 2007. Bob não era tão conhecido entre nós, mas temos de convir que fez um ótimo trabalho na franquia de que falamos. Em vários momentos percebemos que os atores estão rindo de verdade em cena, esse clima e essa interpretação “suja” foram genialmente estimulados por ele. Detalhes que fazem a diferença. Vamos ver quem teria a coragem para reeditar Porky’s:

KEVIN SMITH

Já o elegemos algumas vezes aqui, mas Kevin Smith tem portfólio para mais. Na direção deste remake, Kevin teria a chance de homenagear todos os ícones que o alimentaram na infância e adolescência e o criaram e a uma inteira geração de nerds.

DAVID ZUCKER

Ora como diretor, ora como produtor, David Zucker tem currículo vasto em Hollywood. Desde os Corra que a Polícia Vem Aí, até os Todo Mundo em Pânico, David vem conseguindo alguns bons resultados. O nosso Porky’s Remake seria a chance de mostrar que há algo mais além de escatologia no humor atual.

PAUL WEITZ

Produtor da franquia American Pie e diretor do primeiro, de 1999, Weitz conseguiu o resultado mais próximo do que foi Porky’s com seus filmes. É claro que em tecnologia não há comparação, ele teve muitas facilidades, mas aqui Weitz teria de mostrar que é capaz de recriar um filme que foi genial sem ter quase nada.

É isso, nerds! Deixamos de fora Billy, Tommy, Mickey, Anthony, Tim, etc, por serem muitos, mas também porque fatalmente teriam de ser atores jovens e desconhecidos, para caber no orçamento! Mas, se depender da escolha sábia de vocês, nosso Remake terá mais sucesso de público do que Pee Wee à procura de sexo!

Votem, comentem e aproveitem para comprar baratinho essa trilogia clássica de humor sacana no Submarino! Ah, e não esqueçam de acessar o Cumêcamão, o blog que vai direto ao ponto.com!

Uma série que mostra um rapaz crescendo e desenvolvendo habilidades enquanto lida com amores e inimigos e se prepara para, no futuro, ser um super-herói.

Se você pensa que eu acabei de resumir Smallville…ledo engano.

Quando os produtores Alfred Gough e Miles Millar procuraram a DC, sua proposta era de criar uma série com um de seus maiores ídolos, trabalhando sua adolescência e entrada na fase adulta. Mas eles falavam do Batman.

O projeto, chamado de “Bruce Wayne TV” e “Gotham”, mostraria Bruce Wayne voltando para Gotham City após anos do assassinato de seus pais, e terminaria com ele se tornando o Cavaleiro das Trevas por completo.

A PROPOSTA

Bruce retorna, próximo de seu aniversário de 18 anos e, a partir daí vai descobrindo os problemas que envolvem a Waynecorp, empresa que herdou quando seu pai foi morto, e a cidade como um todo, onde a violência cresce assustadoramente.

Porém, Wayne acaba fazendo amizades e decide ficar para defender Gotham, usando dos ensinamentos que teve durante o tempo em que esteve fora e aprendendo como melhor atingir os bandidos e corruptos. Ou seja, começa a “aprender a ser Batman”.

Entre seus amigos estariam o Detetive Jim Gordon, o rico e mimado Harvey Dent, Barbara Gordon, que cuida do Abrigo de Jovens, e Susan Dent, irmã de Harvey. Além deles, apareceriam uma psicóloga chamada Harleen Quinzel (que se tornaria a Arlequina), uma repórter de televisão chamada Vicky Vale e um certo comediante fracassado chamado Jack Napier (o futuro Coringa) . Além, é claro, de uma possível aparição de um rapaz vindo de Smallville.

Um roteiro foi escrito, e apresentado à DC. Apesar de sua qualidade, os executivos preferiram trabalhar com o Superman, outro ícone que precisaria ganhar novo público. O projeto foi “enterrado” de vez com a chegada de Christopher Nolan e David Goyer, responsáveis pelo filme Batman Begins. Analisando, é possível ver muitas semelhanças entre o piloto escrito para Gotham e o filme…

O PILOTO

Um Alfred mais velho segura uma foto de jovens felizes, e se pergunta como tudo chegou àquele ponto onde ele se encontrava.

Voltando no tempo, é mostrado Alfred tirando Bruce da cadeia em Londres para se dirigirem a Gotham City, contra a vontade do rapaz. A volta de Bruce é assunto por toda a mídia, que o trata como uma celebridade pop.

Passando pela agora empoeirada Mansão Wayne, e depois seguindo para a cidade, Alfred e Bruce conversam sobre as várias habilidades do mordomo – uma espécie de mistério a ser decifrado. Os dois vão até o Beco do Crime, onde os pais de Bruce foram assassinados. Dois bandidos os abordam, e Bruce os derrota rapidamente com alguns golpes de artes marciais.

Ao deixar os bandidos na Delegacia, Bruce e Alfred conhecem Barbara Gordon, filha do Detetive James Gordon. Ela é retratada no roteiro como uma menina ruiva de treze anos cuja atitude incomoda os policiais, principalmente ao dizer que seu pai um dia será Comissário. Ao ver Jim Gordon, Bruce o reconhece por tê-lo consolado na noite em que seus pais foram mortos.

Bruce conhece Charles Palantine, o homem que controla a WayneCorp, e é o “bad guy” da série (ele seria o Lionel Luthor da série), que deixa claro que o Comissário de Polícia é seu amigo pessoal. Lucius Fox, um velho amigo de Bruce, é um estagiário na empresa, e mostra todos os podres da administração de Palantine, que ficará com toda a empresa caso Bruce a venda ou morra antes de completar 18 anos.

O futuro Batman vai a uma festa com Harvey Dent e conhece sua irmã Susan, com quem rola um flerte. Depois da festa, Bruce e Harvey acabam sendo emboscados por bandidos, e Bruce começa a colocar em prática suas noções de artes marciais para derrotá-los. Depois de muitos problemas, Bruce completa 18 anos, e decide ficar em Gotham, e comandar a WayneCorp.

ESPECULAÇÕES

Um dos nomes mais pensados pelos produtores à época para fazer Bruce Wayne era Ian Somerhalder, que acabou aparecendo na 3ª temporada de Smallville como Adam Knight (Dark Knight?), e foi para Lost para interpretar Boone.

Segundo Millar e Gough, o nome pensado para Harvey Dent era de Michael Rosenbaum, que acabou fazendo Lex Luthor em Smallville. Curiosamente, Rosenbaum acabou, de qualquer forma, fazendo um amigo do herói que se torna um dos seus piores inimigos.

Realmente é uma pena que a série não tenha ido para frente. Quem sabe no futuro?

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